Pipilotti Rist : destruction cathartique

Pipilotti Rist est l'une des vidéastes les plus reconnues des trois dernières décennies. Elle a commencé à se faire remarquer dans les années quatre-vingt en intégrant l'esthétique du clip vidéo à l'art audiovisuel, tout en y mêlant d'autres influences comme la culture populaire, la technologie et le féminisme historique, développant un style propre à forte charge sensorielle et émotionnelle. Du 1er octobre au 17 janvier 2027, le Musée Guggenheim Bilbao présente la vidéo-installation Ever is Over All (1997), récompensée par le prestigieux Prix 2000 à la 47e Biennale de Venise, tenue en 1997. Cette reconnaissance a positionné Rist comme l'un des talents émergents les plus remarquables de l'art contemporain.

La vidéo-installation est l'un des langages les plus transformateurs de l'art contemporain, et Ever is Over All (1997), de la célèbre artiste suisse Pipilotti Rist (Grabs, Suisse, 1962), est sans doute l'un de ses exemples les plus emblématiques et influents. Elle est désormais présentée au Musée Guggenheim Bilbao comme une pièce clé pour comprendre l'évolution de l'art féministe moderne, l'esthétique du clip vidéo et la perturbation de l'espace urbain traditionnel.

La structure de Ever is Over All repose sur une double projection qui se déploie sur deux grands murs adjacents, créant une atmosphère immersive qui enveloppe totalement le spectateur. Sur l'écran gauche, on voit une jeune femme — incarnée par la propre Rist — qui marche joyeusement sur le trottoir d'une rue urbaine conventionnelle.

Elle porte une élégante robe bleue vaporeuse d'air lyrique et des chaussures rouges qui évoquent inévitablement l'iconographie classique des contes de fées tels que Le Magicien d'Oz. Dans la main, elle tient une plante exotique à tige longue et robuste, identifiée comme une fleur de la famille des Kniphofia. Le tournant narratif le plus marquant se produit lorsque, avec une expression de bonheur absolu et un sourire rayonnant, la femme utilise cette fleur pour frapper et briser les vitres des voitures garées. Chaque coup génère une explosion de verre qui rompt l’ordre de la propriété privée, mais le fait sans colère ni agressivité apparente. La séquence, filmée au ralenti, stylise la destruction et la transforme en une danse poétique.

Sur l'écran droit, en parallèle, sont projetées des images en gros plan de champs verts et de fleurs luxuriantes qui se balancent au vent. Ce contraste visuel fusionne la nature sauvage avec la rigidité du paysage urbain, créant une métaphore visuelle sur le désir libérateur et l’irruption de la pulsion vitale dans les structures patriarcales et capitalistes de la ville moderne. Un moment clé de l’installation est l’apparition d’une policière qui marche en sens inverse. Au lieu d’arrêter l’acte de vandalisme, l’agente salue la protagoniste d’un geste de complicité féminine, validant l’acte de rébellion et de démantèlement.

• III Still 4 (fleurs) Pipilotti Rist - Avec l’aimable autorisation de l’artiste, Hauser & Wirth, Luhring Augustine et Videoart.

La composante sonore de l’œuvre, composée par Rist et Anders Guggisberg, est une mélodie hypnotique, une sorte de berceuse abstraite avec un fredonnement doux qui se mêle au son cristallin du verre qui se brise, renforçant la sensation onirique. Dans les installations de Pipilotti Rist, le son n’est jamais un simple accompagnement de l’image ; il fonctionne comme un élément physique et tridimensionnel qui modèle l’espace. Depuis les années 1990, sa collaboration avec le musicien et compositeur suisse Anders Guggisberg a été fondamentale pour créer les atmosphères magnétiques qui définissent son œuvre. Au lieu de générer de la tension, la musique fait paraître la violence comme un acte naturel, beau et rédempteur, éliminant toute sensation de culpabilité.

Avant de se consacrer pleinement aux arts visuels, Pipilotti Rist a fait partie du groupe de musique post-punk Les Reines Prochaines. Cet héritage musical se perçoit dans la façon dont elle utilise sa propre voix dans les installations : Guggisberg traite sa voix — qu’elle chante, chuchote ou fredonne — comme un instrument de plus, lui appliquant des effets de réverbération et d’écho. Cette voix à la première personne apporte une grande intimité, comme si le spectateur entendait les pensées internes de la protagoniste de l’installation.

Présenter cette pièce au Guggenheim Bilbao, commissariée par Mikel Onandia, permet de souligner l’actualité de son message. Des décennies après sa création, Ever is Over All continue d’être un manifeste esthétique d’une puissance immense. Rist démonte les stéréotypes de la violence de genre en utilisant des codes traditionnellement associés à la féminité — la douceur, les couleurs vives, les fleurs — pour exécuter un acte d’anéantissement pur. Il ne s’agit pas d’une fureur dévastatrice et nihiliste, mais d’une destruction cathartique et joyeuse qui propose une nouvelle configuration du monde.

• II Stil 5 (briser) Pipilotti Rist - Avec l’aimable autorisation de l’artiste, Hauser & Wirth, Luhring Augustine et videoart.

À la fin des années 1990, l’art féministe a connu une transformation radicale. Il s’est éloigné du militantisme le plus austère ou explicitement anatomique des années 1970 pour embrasser la technologie, la culture pop et le plaisir visuel. Dans cette transition, la Suissesse Pipilotti Rist est devenue l’une des figures les plus disruptives et influentes au niveau mondial. L’un des grands changements de cette période fut la représentation de la femme, non plus comme victime des structures sociales, mais comme un agent actif et heureux de subversion. Dans Ever is Over All, l’acte de briser les vitres ne naît ni de la frustration ni d’une colère incontrôlée ; c’est un anéantissement exorcisant et esthétique. La notion « d’hystérie féminine » est inversée pour être transformée en un acte de libération collective et poétique, soutenu en outre par la complicité du système lui-même.

Il convient également de noter que, durant la seconde moitié des années 1990, l’amélioration des caméras vidéo domestiques et des projecteurs a permis aux artistes d’agrandir les images à des échelles monumentales. Deux décennies plus tard, la chanteuse Beyoncé s’est directement inspirée de cette œuvre pour l’esthétique de son clip Hold Up, inclus dans l’album Lemonade (2016).