ARTE MÍNIMO en Swab / CasCaDas Art Space

Escribir sobre una exposición de Anselm Kiefer o de Miró está bien y seguiré haciéndolo, pero es difícil aportar algo porque está casi todo dicho. Me gusta asomarse por ferias de pequeño formato como Swab y galerías escondidas que casi siempre están por el Raval, Gràcia o en la periferia remota porque me dan mucha más información sobre lo que nos pasa, a nosotros y al arte. En estas zonas de la ciudad existen espacios pequeños con alquileres asequibles a los artistas y comisarios emergentes. Es el caso de CasCaDas Art Space, del artista, curadora y fundadora Fiona Fell, junto a Jimmy Paez Vidal, Krzysztof W. Wróbel y Maarten Renes. Aquí he podido ver la exposición del artista de Ámsterdam, Timon Hagen. El pequeño espacio de la galería se expande hacia los escaparates de una antigua tienda de la calle Bisbe Sevilla. No conocía la obra de este artista y tampoco hablé con él, sólo unas sonrisas. Vi de inmediato que era una verificación de la impresión que me había causado Swab, donde la galería también estaba representada, vi que era una buena manera de abordar lo que he llamado arte mínimo.

La formación en la escuela Rietveld se percibe por su gusto por la línea pulida en el dibujo que realiza en su libreta y en cualquier superficie. Aquí veo cucharillas de porcelana, papel, también postales y otros materiales. Los aforismos de los textos auguran una especie de optimismo vital. Con lemas como 'en adelante soy muy hábil'… y todo tiene una cierta ingenuidad adulta. Dibuja con la misma pluma que su padre le regaló a los 15 años. La reducción al mínimo tiene algo de búsqueda interior, íntima, de diálogo reservado con uno mismo, en voz baja. Sin estridencias. Murmurando. Cualquier mal gesto, cualquier exceso acabaría con su poética. Las obras se vuelven frágiles e indefensas, están rodeadas de pequeños indicios, cosas que sugieren y representan. El detalle de una línea que cambia de sentido se vuelve significativo.

• Obra de Timon Hagen.

En la reciente muestra de Swab vi un pequeño ejemplar de fotolibro de Elisa Portela con un sugerente título que me dio la clave de lo que en la feria estaba viendo. Quemar es brillar y reducirse , editado por @museoenloscerros. Es un verso del libro Paisaje , de Salomé Esper. Ciertamente, todo lo que veía me parecía reducido a la escalera de las viviendas y estudios en los que un joven de hoy se ve obligado a vivir y trabajar. Incluso un coleccionista joven debe tomar medidas antes de comprar una obra. Las casas ya no son lo que eran, y estos pequeños detalles afectan al arte y al coleccionismo. Éste sería el lado más banal, incluso prosaico, de la cuestión, pero ahora que algunas galerías observan con interés el resurgir de las técnicas de los oficios artísticos conviene considerar el espacio en el que los objetos irán situados. El espacio es cada vez menor.

Yendo a temas de mayor sustancia y tirando de experiencia, pienso en lo que pudo significar que artistas como Stephen Conroy hicieran rostros que medían 28 cm × 23 cm, que ya en 2008 llamaron mi atención. El pintor colocaba en una pequeña superficie la inmensidad de una cabeza. En la abstracción también sucede, Franz Kline en 1952 realizaba unas obras con tinta sobre las páginas de una guía de teléfonos de 29,2 × 24,2 cm, y tenían la misma fuerza del trazo de las grandes pinturas posteriores.

• Obra de Timon Hagen.

Hay otros muchos ejemplos como las obras expresionistas abstractas de Esteban Vicente, Ralph Rosenborg, Ralph Bernabei o Howard Hodgkin. En todas estas pinturas existe una acción gestual realizada a pequeña escala pero con una potencia enorme de la pincelada. Esto es muy difícil que el trazo, siendo mínimo, conserve la misma fuerza que si fuera de dos metros. Howard Hodgkin eligió el pequeño formato como sello para diferenciarse de los expresionistas abstractos estadounidenses que pintaban lienzos monumentales. Tanto es así que lo remarca el hecho de que la pincelada sale del lienzo e incorpora el propio marco dentro de la composición gestual del cuadro. La gestualidad domina estas obras y me pregunto cómo se podrá dirigir la energía del trazo en un espacio mínimo. Así sucede también con la obra pictórica de Ralph Bernabei, que conserva la misma fuerza en cualquier formato, y lo que he escogido lo demuestra.

La reducción al mínimo indica el valor de lo más pequeño en comparación con la exigencia, incluso vigente, de pedirle al arte grandes formatos. Lo mínimo, no el minimalista, tiene algo de austeridad con los materiales, de abstinencia, de control de excesos. Esto le da un cierto carisma porque cuando hay poco aparece el silencio.

• Obra de Timon Hagen.

Ésta es la prueba de fuego del cambio de escala, cuando las obras son buenas resisten el cambio de sus proporciones y medidas. Así es. Jorge Oteiza, en su laboratorio de tizas, lo demostró. La obra monumental La Ola de la plaza del MACBA —que los «skaters» cuarentenos no dejan ver de cerca, a riesgo de rota de tobillo— nació a partir de una diminuta maqueta de bronce de sólo 5 centímetros de altura que Jorge Oteiza esculpió en 1957 y conserva en ambos casos.

Yo no conozco ninguna fórmula que permita convertir estas íntimas confesiones en un mural público al alcance de miradas impúdicas. Y mucho menos dimensionarlas a otra escala y proporción que no sea la de sus pequeños formatos que enfatizan, más aún, el carácter reservado de sus obras. Veo aquí un problema irresoluble, un conflicto entre el público y el privado. Dicho de otra forma, me pregunto sobre la pertinencia de los formatos, de la escala y de la proporción adecuada para tratar temas íntimos o quizás dolorosos. De ahí he pasado a imaginar qué sucedería si una obra de gran emoción se dimensionara, por ejemplo, en un formato gigantesco, cubriendo la fachada de un edificio en construcción; podemos coincidir en que inmediatamente se trivializaría, se convertiría en una anécdota sin importancia.

• Obra de Ralph Bernabei.

En sentido contrario actúa la obra de Ron Mueck, que realizaba una especie de proceso de 'Gulliverització' y construyó un bebé de cinco metros. Ese recurso que en Hollywood ha servido de guión de numerosas películas y que, pese a ser comedias, no dejan de ser muy inquietantes. Un mundo en el que, rompiendo las normas de la proporción, coloca fuera de escalera al espectador. En definitiva, me pregunto cuál es la escala, la proporción adecuada, la medida de un muro o escultura cuando se trata de reflejar cuestiones íntimas, melancólicas y tristes. Mundos propios, privados, que sólo se pueden realizar con el trazo de una pluma regalada por tu padre.