Arte minimalista no Swab / CasCaDas Art Space

Escrever sobre uma exposição de Anselm Kiefer ou Miró é ótimo e continuarei a fazê-lo, mas é difícil contribuir com algo porque quase tudo já foi dito. Gosto de explorar feiras de pequeno formato como a Swab e galerias escondidas que quase sempre ficam no Raval, em Gràcia ou nos arredores mais afastados, porque me dão muito mais informações sobre o que está acontecendo conosco, conosco e com a arte. Nessas áreas da cidade, existem pequenos espaços com aluguéis acessíveis para artistas e curadores emergentes. É o caso do CasCaDas Art Space, da artista, curadora e fundadora Fiona Fell, juntamente com Jimmy Paez Vidal, Krzysztof W. Wróbel e Maarten Renes. Lá, pude ver a exposição do artista de Amsterdã, Timon Hagen. O pequeno espaço da galeria se estende em direção às vitrines de uma antiga loja na Carrer Bisbe Sevilla. Eu não conhecia o trabalho desse artista e também não falei com ele, apenas alguns sorrisos. Percebi imediatamente que era uma confirmação da impressão que Swab havia me causado, e como a galeria também estava representada, vi que era uma boa maneira de abordar o que chamei de arte minimalista.

A formação na escola de Rietveld transparece em seu gosto pelo traço polido nos desenhos que faz em seu caderno e em qualquer superfície. Vejo colheres de porcelana, papel, cartões-postais e outros materiais. Os aforismos dos textos prenunciam um otimismo vibrante. Com lemas como "a partir de agora sou muito habilidoso"... e tudo com uma certa ingenuidade adulta. Ele desenha com a mesma caneta que ganhou do pai aos 15 anos. A redução ao mínimo carrega um quê de busca interior, íntima, de um diálogo reservado consigo mesmo, em voz baixa. Sem estridência. Murmurante. Qualquer gesto inadequado, qualquer excesso, poria fim à sua poética. As obras tornam-se frágeis e indefesas, cercadas por pequenos sinais, coisas que sugerem e representam. O detalhe de um traço que muda de significado ganha importância.

• Obra de Timon Hagen.

Na recente exposição Swab, vi um pequeno exemplar de um fotolivro de Elisa Portela com um título sugestivo que me deu a chave para o que eu estava vendo na feira: Quemar es brilar y reducirse , publicado pelo @museoenloscerros. É um verso do livro Paisaje , de Salomé Esper. Certamente, tudo o que vi parecia reduzido à escala das casas e ateliês em que um jovem hoje é obrigado a viver e trabalhar. Mesmo um jovem colecionador precisa tirar medidas antes de comprar uma obra. As casas não são mais como eram, e esses pequenos detalhes afetam a arte e o colecionismo. Este seria o lado mais banal, até prosaico, da questão, mas agora que algumas galerias observam com interesse o ressurgimento das técnicas artesanais artísticas, vale a pena considerar o espaço onde os objetos serão colocados. O espaço está ficando cada vez menor.

Passando para assuntos mais substanciais e baseando-me na experiência, penso no que poderia significar para artistas como Stephen Conroy pintar rostos de 28 cm × 23 cm, algo que me chamou a atenção em 2008. O pintor colocou a imensidão de uma cabeça em uma pequena superfície. O mesmo acontece na abstração: Franz Kline, em 1952, criou algumas obras com tinta sobre as páginas de uma lista telefônica, medindo 29,2 × 24,2 cm, e elas possuíam a mesma força de pincelada das grandes pinturas posteriores.

• Obra de Timon Hagen.

Existem muitos outros exemplos, como as obras expressionistas abstratas de Esteban Vicente, Ralph Rosenborg, Ralph Bernabei ou Howard Hodgkin. Em todas essas pinturas, há uma ação gestual realizada em pequena escala, mas com uma enorme força da pincelada. Isso torna muito difícil para a pincelada, sendo mínima, manter a mesma força que teria se tivesse dois metros de comprimento. Howard Hodgkin escolheu o pequeno formato como marca registrada para se diferenciar dos expressionistas abstratos americanos que pintavam telas monumentais. Tanto que isso é evidenciado pelo fato de a pincelada sair da tela e incorporar a própria moldura à composição gestual da pintura. O gesto domina essas obras e me pergunto como a energia da pincelada pode ser direcionada em um espaço mínimo. Isso também acontece com a obra pictórica de Ralph Bernabei, que mantém a mesma força em qualquer formato, e a obra que escolhi demonstra isso.

A redução ao mínimo indica o valor do menor em comparação com a demanda, ainda atual, por arte em grandes formatos. O mínimo, e não o minimalista, carrega consigo uma certa austeridade nos materiais, uma abstinência, um controle dos excessos. Isso lhe confere um certo carisma, pois onde há pouco, o silêncio se instala.

• Obra de Timon Hagen.

Este é o teste decisivo da mudança de escala: quando as obras são boas, resistem a alterações nas suas proporções e dimensões. É verdade. Jorge Oteiza, no seu ateliê de gesso, demonstrou isso. A obra monumental A Onda, na praça do MACBA — que os "patinadores" na casa dos quarenta não permitem que seja vista de perto, sob o risco de torcer o tornozelo — nasceu de um minúsculo modelo em bronze de apenas 5 centímetros de altura que Jorge Oteiza esculpiu em 1957 e mantém o mesmo valor em ambos os casos.

Não conheço nenhuma fórmula que permita transformar essas confissões íntimas em um mural público ao alcance de olhares indiscretos. E muito menos dimensioná-las para uma escala e proporção diferentes das de seus pequenos formatos, que enfatizam, ainda mais, a natureza reservada das obras. Vejo aqui um problema insolúvel, um conflito entre o público e o privado. Em outras palavras, questiono a relevância dos formatos, da escala e da proporção adequada para lidar com temas íntimos ou talvez dolorosos. A partir daí, imaginei o que aconteceria se uma obra de grande emoção fosse ampliada, por exemplo, em um formato gigantesco, cobrindo a fachada de um prédio em construção; podemos concordar que ela seria imediatamente banalizada, tornando-se uma anedota sem importância.

• Obra de Ralph Bernabeu.

Na direção oposta, temos a obra de Ron Mueck, que realizou uma espécie de "gulliverização" e construiu um bebê de cinco metros. Esse recurso, que em Hollywood serviu de roteiro para inúmeros filmes e que, apesar de serem comédias, ainda são muito perturbadores. Um mundo em que, rompendo com as regras de proporção, coloca o espectador fora de escala. Em suma, questiono qual é a escala, a proporção adequada, a medida de uma parede ou de uma escultura quando se trata de refletir questões íntimas, melancólicas e tristes. Mundos próprios, privados, que só podem ser criados com o traço de uma caneta dada a você por seu pai.