Xavier Corberó: la obra de arte total

Mientras con la llegada de la democracia Barcelona proyecta una imagen de metrópolis global y vanguardista, toda una generación de artistas catalanes de la segunda mitad del siglo XX quedó atrapada en una especie de “limbo historiográfico”. Recuperar a estos creadores no es sólo un acto de justicia poética sino una necesidad urgente para entender la verdadera genealogía del arte contemporáneo en Cataluña. Conforman la diversidad y la complejidad de ese momento que durante mucho tiempo parecía dominado por unos determinados nombres. Es urgente revisar y releer la aportación de los artistas que actuaron en esta etapa y realizar una "reparación de la historia". La reconstrucción de la larga posguerra todavía está en proceso y el canon sigue en discusión. En estos años, el arte en Cataluña pasa de la oposición y el aislamiento a la respuesta crítica y al posicionamiento en el contexto internacional. Es necesario reexaminar las jerarquías que se han ido dibujando y poner orden en una época con nuevas miradas y lecturas. En este sentido, es necesario recuperar aquellas figuras a las que la historia y la crítica no otorgaron suficiente consideración a pesar de hacer contribuciones personales significativas. De ahí que actualmente se esté llevando a cabo un intenso trabajo para reubicar a muchos autores que quedaron en cierto olvido, lejos de los focos de los grandes iconos, como Picasso, Miró, Dalí y Tàpies.

La Segunda Vanguardia: El eslabón rescatado de la modernidad

La historiografía del arte en Cataluña ha operado a menudo bajo una lógica de grandes etapas y ha obviado algunos períodos muy significativos, como la Segunda Vanguardia, desarrollada aproximadamente entre 1940 y 1970; una generación que luchó en el silencio. Surgida después del trauma de 1939, no fue un movimiento unitario, sino una constelación de resistencias que permitió que la llama de la modernidad no se apagara. Quedaron en los márgenes nombres que exploraron el informalismo, la abstracción geométrica, el pop art crítico o la nueva figuración y que no siempre contaron con el favor de las vías expositivas oficiales. Tal y como dice J. Corredor-Matheos: «Todos estos artistas se encuentran entre las generaciones que formaron la vanguardia y las que la han puesto en crisis. En medio de unas y otras, esta generación “del medio”, como le llamó el maestro de la crítica catalana Alexandre Cirici, ha participado de las esperanzas y desesperanzas de unas y otras, y se encuentra igualmente ante una multiplicidad de retos, cuando la personalidad de sus componentes está ya definida y su arte es reconocido».

El mapa del arte catalán permanecerá incompleto mientras estos creadores sigan siendo notas a pie de página. Es hora de completar el conjunto intelectual con los “eslabones perdidos” de unos artistas que mantuvieron vivo el espíritu crítico en los momentos más oscuros del franquismo. Existe todo un patrimonio en riesgo, ya que muchos de estos legados están en manos de familias que no pueden gestionarlo o quedan en almacenes sin catalogar. Sin una intervención institucional y académica corremos el riesgo de que se dispersen o desaparezcan.

Recuperar y reubicar nombres como el de Xavier Corberó (Barcelona, 1935 – Esplugues de Llobregat, 2017) es entender que la modernidad catalana fue poliédrica. Reivindicar a estos artistas no es un ejercicio de nostalgia, sino de soberanía cultural. Muchos quedaron relegados y su trayectoria poco reconocida. Corberó ocupa un sitio singular y estratégico en el marco de la Segunda Vanguardia Catalana. A diferencia de otros que quedaron deslumbrados por la investigación informalista, dominada por la materia, la oscuridad y la gestualidad, con Tàpies al frente, Corberó introdujo una perfección técnica y un preciosismo casi de joyero. Su obra reivindicó la elegancia, la geometría y un acabado pulido que contrastaba con la estética imperante, de carácter más abrupta y existencialista.

Por otra parte, Corberó fue una de las figuras más internacionales de su generación. Su paso por la Central School of Arts and Crafts de Londres y su estrecha amistad con prohombres como Salvador Dalí o Marcel Duchamp le permitieron actuar como nodo de conexión. Se definía a sí mismo como un gran amigo de Dalí, que consideraba su "primer mecenas". Aunque Corberó se alejase del surrealismo figurativo de Dalí, heredó su ambición por la obra de arte total y el gusto por el hecho onírico. Compartían una visión del artista como personaje que construye su propio universo. Dalí admiraba la técnica de Corberó, que llegó a supervisar proyectos basados en apuntes del genio de Figueres, como el polémico monolito proyectado para Barcelona.

En resumen, Xavier Corberó no fue un artista "relegado" en su sentido estricto, sino una personalidad atípica que, gracias a su éxito internacional ya su capacidad de gestión, evitó el olvido que sufrieron otros compañeros de generación, convirtiéndose en uno de los máximos promotores estéticos de la Barcelona moderna.

El impulsor del espacio público (Barcelona'92)

En el marco de la Olimpiada Cultural y en el contexto de la recuperación de la ciudad de Barcelona, el papel de Corberó fue fundamental como gestor y dinamizador, asesorando al alcalde Pasqual Maragall. Esa metamorfosis implicó una reorganización del paisaje urbano en la que el arte tuvo un papel estratégico. De ahí que en 1992 se ubicaran más de una cincuentena de esculturas, además de otra cincuentena instalada desde la nominación de la ciudad como sede de los XXV Juegos Olímpicos. Corberó fue el asesor que convenció a artistas de talla mundial como Richard Serra, Fernando Botero, Anthony Caro, Claes Oldenburg o Roy Lichtenstein para que cedieran o instalaran esculturas monumentales en Barcelona, rediseñando el paisaje urbano de la ciudad olímpica. Más allá de su valor artístico, estas actuaciones en el espacio público se convierten en elementos transformadores del entorno y del comportamiento de los ciudadanos, convirtiéndose en auténticos emblemas urbanos. Además, él mismo fue diseñador de las medallas olímpicas de Barcelona '92.

La premisa de Corberó se basaba en la integración. No aceptaba que la escultura fuera un objeto simplemente adherido al suelo, sino que debía contextualizarse con el entorno urbano. Quería que las esculturas formaran parte del paisaje, enriqueciéndolo sin imponerse. Las intervenciones artísticas en el dominio público debían conferir un sentimiento de comunidad, de pertenencia colectiva y de identidad. Así lo demuestran obras como A Nicolau Maria Rubió y Tudurí (1983, jardines de la Vil·la Amèlia), Homenaje a ses Illes (1983, plaza de Sóller), una de las más icónicas, formada por una serie de bloques de mármol que dialogan con el agua y el espacio arquitectónico; El huevo como baila. Homenaje a los artistas del Poble-sec (1987), Terminus Columns (1988, plaza John F. Kennedy), homenaje al presidente estadounidense concebido como una reinterpretación moderna de las antiguas cruces de término; o los monolitos SM el Rey y SM la Reina (1988), pertenecientes a la colección del MACBA y situados ante la Facultad de Traducción e Interpretación de la Universidad Autónoma de Barcelona. A pesar de su monumentalidad y cierto antropomorfismo, parecen haberse desprendido de forma natural del bloque de piedra.

También son especialmente significativas El viajero (1992), frente al Palacio de Congresos de la avenida Diagonal; A Josep Tarradellas. Piedra sobre piedra (1998), en la avenida que lleva el nombre del presidente; el conjunto escultórico Ejecutores y ejecutados (1973), para la Fundación Juan March de Santa Cruz de Tenerife, una alegoría sobre la represión; las obras de Cala Rajada, integradas en el Jardín de Esculturas de la Fundación March en Sa Torre Cega; y La Familia (2003), en Esplugues de Llobregat, un conjunto de figuras antropomórficas de basalto que presiden la entrada de la ciudad y anuncian el Espai Corberó.

A nivel internacional fue igualmente un artista muy valorado. The Broad Family, ubicada en el complejo Broadgate de Londres, cerca de la estación de Liverpool Street, es un conjunto escultórico de basalto convertido en uno de los puntos de referencia de la City. Su éxito en Estados Unidos también fue notable. El Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York incorporaron obras suyas a las colecciones, mientras que también instaló esculturas en universidades y espacios corporativos de Chicago y Washington, consolidando su imagen de escultor de la "modernidad clásica". Su obra también está presente en el Stedelijk Museum de Ámsterdam y en el Victoria and Albert Museum de Londres. Paralelamente, destacó como diseñador de joyas, creando piezas con materiales diversos y un lenguaje escultórico inconfundible.

Hotel Arts: una colección compartida

Diseñado por el célebre arquitecto Bruce Graham, el Hotel Arts es una torre de cristal rodeada de una estructura blanca de acero, cuyos jardines descansan bajo la sombra del pez dorado de Frank Gehry. Inaugurado en 1994, es uno de los grandes iconos de la arquitectura contemporánea de Barcelona y también uno de los espacios privados con una colección de arte español más destacada y funciona como una auténtica galería de arte. Sobresalen las esculturas monumentales de Xavier Corberó, realizadas principalmente en mármol y basalto, materiales que dominaba con gran sensibilidad por la luz y el volumen.

En la entrada principal se encuentra una de las piezas más emblemáticas de la colección, El Rei y La Reina (1988), dos esculturas de basalto de más de tres metros y medio de altura que dan la bienvenida a los visitantes y establecen un diálogo entre la arquitectura contemporánea y la nobleza de la piedra tallada. Alrededor de las terrazas y jardines se levantan otros tótems de grandes dimensiones integrados en el paisaje, donde Corberó desarrolla su característico lenguaje de formas columnares y antropomórficas que parecen custodiar silenciosamente el espacio. Sus esculturas buscan una simplicidad extrema, a menudo resuelta con sólo unas pocas incisiones que confieren identidad y expresividad al bloque de piedra. La mayor parte de estas obras fueron encargos directos realizados durante la construcción del hotel con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992, convirtiendo al Hotel Arts en uno de los testimonios más relevantes de la integración entre arquitectura, espacio público y escultura contemporánea que Xavier Corberó defendió a lo largo de toda su trayectoria.

El creador de utopías habitables

En el corazón antiguo de Esplugues de Llobregat, en 1968, Xavier Corberó empezó a construir la que sería la gran creación de su vida. Un manifiesto vivo que no es sólo un gigantesco baluarte situado en una parcela de 4.000 metros cuadrados que actualmente engloba nueve edificios, sino una escultura habitable que funcionó como centro de actividades artísticas y refugio para otros creadores, encarnando la idea de que el arte no debe estar encerrado en los museos, sino que debe formar parte.

Un laberinto de arcos, patios y sótanos funcionó durante décadas como centro de actividad intelectual. El proyecto nació con la compra de la masía de Can Cargol como lugar para vivir y trabajar y, a lo largo de cinco décadas, se fueron añadiendo otros ocho edificios, con habitaciones laberínticas y escaleras que recuerdan las arquitecturas imposibles de MC Escher. En 1972 amplió las funciones del taller fundando el Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas (CAIAC), concebido como residencia para artistas.

Corberó invirtió todos los recursos que obtenía de su obra e, incluso cuando murió a los ochenta y un años, seguía obsesionado con esta obra total que durante mucho tiempo se mantuvo casi secreta. Sin embargo, en los últimos años el espacio se ha convertido en escenario de rodajes, eventos y películas como Vicky Cristina Barcelona , de Woody Allen. El artista se hipotecó en numerosas ocasiones para hacer realidad ese colosal sueño que, pese a dejar inacabado, definía como "un milagro".

Utilizó el hormigón y la piedra para construir un conjunto de edificios con patios, jardines y estanques. Es un espacio sorprendente e intrincado donde los cientos de arcos de hormigón que se superponen en diferentes niveles y escaleras hacen sentir al visitante como si se encontrara dentro de un cuadro de Giorgio de Chirico o de un sueño surrealista, donde conviven las monumentales esculturas de basalto en perfecta sintonía con la naturaleza y los árboles. Los arcos no cumplen una función estructural convencional, sino que sirven para encuadrar la luz y generar un infinito juego de perspectivas y sombras que varía según la hora del día.

Otra característica esencial es la relación constante entre interior y exterior mediante patios, aberturas cenitales y espacios abiertos. Corberó logró que el jardín y el cielo formaran parte de las estancias, rompiendo la jerarquía de los muros tradicionales. Por eso el Espai Corberó no debe entenderse como un edificio, sino como una gran escultura transitable; probablemente su gran obra póstuma. Un espacio metafísico en el que la luz y el vacío tienen tanta importancia como la materia sólida. Todo está concebido para que sea recorrido con los sentidos, donde el tacto de los materiales y la resonancia del eco tienen tanta relevancia como la mirada.

Futuro del complejo Corberó

A mediados de 2022, el Ayuntamiento de Esplugues de Llobregat adquirió a la familia, por tres millones de euros, una parte del recinto, el Espai Corberó, una gran estructura de arcos de cemento de tres plantas con la voluntad de preservarla como patrimonio y abrirla al público en jornadas específicas, consolidándola como una de las grandes.

El espacio adquirido está formado principalmente por un cuerpo lateral edificado en planta baja que recorre toda la longitud de la finca, varios patios, balsas de agua y un segundo edificio. El conjunto construido suma 1.995 m2 en una parcela de 2.055 m2, con varias edificaciones y espacios abiertos. En el sótano existe un auditorio con capacidad para entre 250 y 300 personas. En el interior de la finca, entre dos patios, se levanta otra construcción formada por forjados de hormigón armado, arcos de medio punto y escaleras que configuran un conjunto de dependencias y terrazas abiertas o semicerradas, distribuidas entre planta baja y tres pisos, algunas cerradas con cristal y otras completamente abiertas al paisaje.

Con esta adquisición, el consistorio no sólo incorpora un nuevo equipamiento cultural, sino que también reivindica el legado del artista, profundamente vinculado a Esplugues. Actualmente trabaja en un plan de usos para definir el futuro del recinto como centro de actividades culturales y de investigación artística.

Paralelamente, entre julio de 2025 y julio de 2026, el Ayuntamiento conmemora el noventa aniversario del nacimiento de Xavier Corberó con una programación especial destinada a difundir su patrimonio público. Cada primer domingo de mes se organizan visitas guiadas a través de los museos municipales y también está prevista la celebración de jornadas dedicadas a la arquitectura y al arte con la participación de arquitectos de prestigio, coincidiendo con la Capitalidad Mundial de la Arquitectura de Barcelona. Una nueva etapa que pretende situar definitivamente el legado de Corberó en la vanguardia de la creación contemporánea.

Perfil biográfico

Descendiente de una familia de orfebres y metalistas, Xavier Corberó fue un creador dotado de un extraordinario carisma. Empezó dibujando y trabajando los metales en el taller familiar y posteriormente inició sus estudios en la Escola Massana, institución de la que su padre había sido uno de los fundadores. Este origen marcó profundamente su defensa del oficio y la permanente reivindicación del trabajo artesanal.

Tras un primer paso por París y Suecia, se estableció en Londres, donde descubrió la escultura de Henry Moore, al tiempo que cultivaba la pintura. Entre finales de 1955 y 1959 estudió en la Central School of Arts and Crafts, donde conoció a David Hockney —que años más tarde visitaría el Espai Corberó—, y también en el Royal College of Art.

En 1955 participó en la Bienal Hispanoamericana de Barcelona, donde Salvador Dalí adquirió todas las obras que presentaba, iniciando una amistad que sería determinante. En 1959 expuso individualmente en Lausana, ciudad donde vivió un período fundamental de formación trabajando en la fundición de los Médici. Posteriormente participó en numerosas exposiciones colectivas europeas y en los Salones de Mayo de Barcelona, donde obtuvo los premios Manolo Hugué (1960) y Ramon Rogent (1961).

Tras estos reconocimientos se trasladó a Nueva York, en un momento en que el Op Art despertaba un gran interés internacional. La crítica lo consideró uno de los representantes de ese lenguaje basado en las formas geométricas y las ilusiones ópticas. Dos años más tarde expuso en Munich, donde recibió la Medalla de Oro del Estado de Baviera. A partir de ahí siguió mostrando su obra en Pittsburgh, Nueva York y Japón, a la vez que era invitado a impartir conferencias y talleres en Estados Unidos, país en el que residiría en numerosas ocasiones.

Ya de regreso a Cataluña, estableció definitivamente su residencia en Esplugues de Llobregat, donde en 1972 fundó el Centro de Actividades e Investigación Artísticas de Cataluña. En Cadaqués formó parte del círculo de Marcel Duchamp, una amistad que, junto a otros contactos internacionales, le abrió muchas puertas en Estados Unidos.

Entre los principales reconocimientos recibidos destacan la Medalla de Oro de Baviera (1963), la Cruz de San Jorge (1992) y su nombramiento, en 2000, como miembro numerario de la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge, institución de la que posteriormente pasaría a ser miembro supernumerario.

El tamaño versus el modelado

La piedra, siendo uno de los materiales más antiguos utilizados por la humanidad, tuvo un papel fundamental en la evolución de la escultura moderna. Durante el primer tercio del siglo XX, numerosos escultores recuperaron la talla directa, trabajando la piedra sin intermediarios. En lugar de moldear piezas en arcilla o yeso para que fueran ejecutadas posteriormente por técnicos especializados, asumían directamente el proceso escultórico como una actitud moderna y radical.

A diferencia de otros escultores que preferían el modelado, Xavier Corberó se definía como un tallista. Creía que el escultor debía desaparecer para que fuese la piedra quien hablara. Mientras otros artistas aspiraban a dominar el material, él buscaba "encontrar lo que la piedra quería ser", siguiendo una actitud cercana a la de Miguel Ángel: excavar el bloque, eliminar el sobrante y descubrir la forma que ya estaba latente.

Tras una primera etapa dedicada a los metales, caracterizada por un lenguaje abstracto y estructurado, se orientó hacia la escultura en mármol y piedra, logrando una extraordinaria depuración formal. Durante las décadas de 1970 y 1980 su obra evolucionó hacia una abstracción orgánica y biomórfica, heredera de los planteamientos de Jean Arp. Especialmente en los años ochenta y noventa trabajó con mármoles tintos, blancos y rosados para crear formas sensuales, fluidas y refinadas, alejadas de la severidad geométrica de sus inicios.

Nunca renunció a experimentar con otros materiales, como la madera, el esparto o el hierro, estableciendo diálogos entre la nobleza del mármol y texturas más humildes para generar tensiones visuales inesperadas. Posteriormente incorporó combinaciones de mármol con bronce, acero o granito.

Corberó estableció una relación especialmente intensa con el basalto, material que se convertiría en protagonista de su producción a partir de los años noventa. Esta roca volcánica, oscura y compacta, le permitía expresar su conexión con la tierra. Dejaba algunas partes en estado natural, rugosas, mientras que en polea otras hasta convertirlas en superficies brillantes como espejos negros o transparencias líquidas.

Con el basalto conseguía que lo pesado pareciera ligero, elegante y casi fluido. Aunque muchas de sus esculturas superan las doscientas toneladas, las dotaba de una asombrosa humanidad. Las figuras adoptan actitudes irónicas y apacibles y son concebidas como "familias" o grupos de amigos que habitan permanentemente los espacios, convirtiéndose en guardianes silenciosos del paisaje. Al jugar constantemente con el peso y la ingravidez, crea composiciones monumentales que parecen flotar o encajarse con una precisión casi imposible.

Daniel Giralt-Miracle, amigo del artista y uno de sus principales estudiosos, escribía con motivo de la exposición de Corberó en el Jardín Botánico de Cap Roig (2003): «Haber conjuntado estos dos mundos, el de la contundencia y la fuerza con el de la intimidad y la poética, otorga a la exposición una dimensión de quien ha querido orfebre.»

La trayectoria de Xavier Corberó se desarrolla entre dos extremos -el macro y el micro- con una lectura abierta y desacomplejada. Quizá por eso la crítica ha visto al mismo tiempo un profundo sentido clásico de permanencia y un romanticismo visionario que, sumados a su dominio del oficio, a su mirada transversal ya su manera de pensar como un maestro de obras, lo convierten en uno de los grandes clásicos contemporáneos.

La suya es una de las trayectorias más singulares y poéticas de la escultura del siglo XX. Una evolución que no responde a una línea recta, sino a un viaje desde el dominio del material hasta la construcción de mundos habitables. Con Xavier Corberó, la frontera entre escultura y arquitectura se disuelve definitivamente.