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As “pinturas invisíveis” da arte ganham destaque em Romea.
Uma proposta cênica que lança luz sobre os mecanismos invisíveis da arte, do escritório de curadoria ao mercado, sem esquecer a solidão essencial do gesto criativo.
Há exposições que começam muito antes dos holofotes se acenderem. E há outras — como a de ontem no Teatro Romea — que decidem explicá-la precisamente.
A exposição "Quadros para uma Exposição" , inspirada no itinerário sugerido por Modest Mussorgsky, não se propunha tanto a contemplar pinturas, mas sim a compreender tudo o que as sustenta. Uma imersão nesse complexo mecanismo que vai da curadoria ao design, da logística à comunicação, do mercado ao espaço. Tudo o que não se vê — e que, no entanto, torna tudo possível.
O evento, apresentado por Fèlix Riera, diretor da Fundação Romea, deu lugar imediatamente a Llucià Homs — consultora cultural, curadora de exposições, assessora de arte e analista do mercado de arte —, que, do palco, respondeu a diversas perguntas dos convidados, uma a uma, aprofundando-se no âmago de cada profissão.
A partir da minha prática como curadora, tentei explicar até que ponto uma exposição não é apenas uma soma de obras, mas uma construção de significado: uma série de decisões — muitas vezes invisíveis — que acabam por definir o olhar.
Entretanto, uma presença silenciosa pairava no palco. Como se fizesse parte do espírito da exposição Reversos , realizada no Museu do Prado, onde o foco era o verso das pinturas, a obra de Julio Vaquero mostrava apenas o seu reverso: a parte oculta, a pele por trás, aquele lado que geralmente é condenado ao anonimato da parede. Durante o evento, a pintura permaneceu suspensa, como um lembrete discreto que nos fala em voz baixa e nos recorda que sempre há outro lado das coisas.
Vaquero foi o último a aparecer no palco, porque, vocês concordarão comigo, ele é sem dúvida o principal protagonista desta performance. Só então, após a rodada de diálogos, a obra foi revelada. Lentamente, sobre uma plataforma com rodas, a pintura foi exibida com um gesto que carregava algo de revelação contida.
Depois de termos discutido curadoria, design, seguros e comunicação, aquela pintura pareceu adquirir uma nova densidade. Não era mais apenas uma obra, mas o ponto de convergência de tudo o que havia sido explicado.
Vaquero expressou em palavras uma intuição que permeou a sessão: a de que o trabalho do artista é, em essência, solitário. E, ao mesmo tempo, cada vez mais condicionado. Sem arrogância, mas com clareza impressionante, ele apontou como a função do criador é frequentemente deslocada, sujeita a dinâmicas que têm mais a ver com estruturas de poder, o mercado ou expectativas externas do que com a própria criação. Depois de uma hora falando sobre tudo o que torna uma exposição possível, essa lembrança funcionou quase como um contraponto necessário.
Porque sim: uma exposição é um sistema complexo e coletivo, repleto de camadas. Como se revelou com as intervenções de Anna Alcubierre, Cristina Salvador, Rafael de la Hera e Carles Taché.
Mas antes de tudo isso — e apesar de tudo isso — há alguém sozinho diante de uma obra.
E talvez, no fundo, tenha sido isso que "Pinturas para uma Exposição" conseguiu tornar visível: não apenas os mecanismos por trás das pinturas, mas também aquela parte oculta, menos visível, onde tudo começa.
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