Francesc Torres, un artiste de la forme

Cela faisait 34 ans que Francesc Torres n'avait pas exposé dans une galerie commerciale barcelonaise. L'exposition « The future is no longer what it was » , dont le commissariat était assuré par José Luis Pérez Pont, a inauguré la saison d'expositions SELTZ by Ritter Ferrer dans le cadre du Barcelona Gallery Weekend. Dans cette exposition, comme nous l'avions constaté en 2018 au MACBA avec « La Campana hermética » , où il présentait ses archives personnelles, on retrouve, dans les deux cas, la manière dont ses souvenirs familiaux se fondent dans une installation artistique. L'émotion sentimentale de l'artiste, le souvenir personnel « camouflé » par l'anthropologie sociale. L' exposition a déjà fait l'objet d'une critique dans Bonart et je n'en parlerai pas davantage.

Je tiens toutefois à souligner l'importance de la forme dans l'œuvre de cet artiste conceptuel. Dans un article précédent, j'affirmais notamment que, dans sa nouvelle démarche, Valentín Roma devait intégrer la FORME à l'art, la faire coexister avec le textualisme et les conflits politiques et sociaux. Il est opportun de le rappeler aujourd'hui, compte tenu de l'influence reconnue de cet artiste conceptuel au sein du MACBA.

Nous connaissons et louons tous l'œuvre majeure de Francesc Torres sur des thèmes tels que la mémoire, l'histoire, la politique et l'engagement dans l'art. Pourtant, rares sont ceux qui remarquent l'importance de la FORME dans ses œuvres ; elle est considérée comme un élément mineur, le message et le concept primant sur l'objet.

Francesc Torres a présenté une magnifique rétrospective au MACBA en 2008 : « Da capo » . Ce titre, qui signifie « recommencer », contenait une réflexion sur le temps qu’il réaffirme aujourd’hui dans « The Future is No Longer What It Was » . Dans toutes ses œuvres, même lorsqu’il soulève une question aussi dématérialisée que le temps, il le fait à travers des objets significatifs. On sait que l’art conceptuel, depuis le célèbre essai de Simón Marchán Fiz , « De l’art de l’objet à l’art du concept » , a conduit de nombreux artistes des années 1970 et suivantes à envisager un changement de paradigme : de la matière à l’idée. Or, chez Francesc Torres, l’objet demeure un élément fondamental de son travail. Il ne s’agit pas d’un objet qui néglige la charge esthétique, mais au contraire qui renforce l’idée. Dans sa contribution textuelle au catalogue du MACBA, il explique que la force reconnue de « Guernica » de Picasso réside, au-delà d’être un manifeste contre l’horreur, dans sa qualité picturale. Sur un ton ironique, il a déclaré, reconnaissant la qualité des œuvres matérielles réalisées et exécutées par les artistes : « Espérons que l'idée récente d'associer le radicalisme critique de gauche dans l'art à l'absence totale de compétence technique ne sera jamais appliquée à la microchirurgie ou au sexe. »

Je crois qu'il peut l'affirmer avec conviction car sa première formation, même brève, a eu lieu à l'École des arts et métiers Massana de Barcelone. Il doit certainement nier cette étape formatrice, comme le font nombre d'artistes renommés qui y sont passés. Mais je suis convaincu que c'est là qu'il a découvert la puissance de la forme, ce qui l'a conduit à Paris en 1967 pour rencontrer et étudier auprès de Piotr Kowalski, qui exercera une influence notable sur Torres et Àngels Ribé. Le sculpteur, architecte et mathématicien franco-polonais concevait la forme en art non comme une simple représentation esthétique, mais comme le résultat direct des lois physiques, des données scientifiques et des géométries en tension. C'est sans doute lui qui lui a parlé le premier de la théorie des formes, de la logique et de la complexité de la forme, du volume comme phénomène dynamique dans l'espace. Dès lors, il n'abandonnera jamais le caractère formel, scientifique et conceptuel de ses œuvres. Cette interaction de domaines lui permet de relier des systèmes complexes tels que l'anthropologie, la sociologie et la mémoire historique, sans jamais perdre de vue l'objet physique, sa circonstance matérielle, sa relation phénoménale et, pour cette raison, son œuvre, aussi conceptuelle soit-elle, n'a jamais abandonné le mystère de la forme, de la matière et de l'objet.

La présence d'un objet peut être aussi subversive qu'une idée. Ce fut le cas de sa célèbre installation de 1989, Oikonomos , présentée au Whitney Museum de New York. Elle représentait le réseau complexe d'idées sur le rôle de l'économie dans le monde ; cependant, la controverse ne résidait pas tant dans l'idéologie radicale de l'artiste ni dans les images projetées, mais dans l'utilisation provocatrice d'objets : une sculpture de Zeus, une batte de baseball et un écran suspendus aux parties génitales de la réplique divine.

Une fascination pour la matière, déjà perceptible dès ses débuts dans la poésie visuelle d’influence « brossienne », ou encore dans des œuvres de 1968 telles que Prototype pour une série de multiples ou Poème-Éméop . La capacité analogique de l’artiste s’est manifestée par le choix du film Bas de soie de Rouben Mamoulian comme point de départ de son atelier-séminaire au MACBA (2008), intitulé Bas de soie ou le XXe siècle n’a pas eu lieu , qui propose une analyse d’une époque.

Pour illustrer mon propos, je mentionnerai l'utilisation de la forme imposante d'un véritable avion. Lors de sa dernière exposition au MNAC, sa présence et sa taille impressionnantes ont laissé le visiteur bouche bée. Suspendu par la queue, il ressemblait à une croix inversée. Le concept de l'arrière-plan était le sacrifice, et l'artiste s'interrogeait : serait-il possible aujourd'hui de trouver quelqu'un prêt à se sacrifier pour ses idéaux, comme l'ont fait une centaine d'aviateurs russes pendant la Guerre civile espagnole, et 500 000 autres dans les deux camps ? Il a également placé des avions plus petits, tels que ceux qui ont atterri et décollé de l'aérodrome d'Els Plans, à La Sénia (Tarragone). La notion de sacrifice était présente dès le départ : 9 000 oliviers ont été abattus pour sa construction ; il en résulta un aérodrome militaire datant de la Guerre civile espagnole. Pour approfondir le concept de sacrifice, il a exposé une reproduction géante d'une œuvre du maître de Pere Serra qui représente un autre sacrifice, celui-ci dû à la foi : on y voit le martyre de saint Pierre avec la croix inversée.

Que ce soit en temps de guerre, comme bombardier ou avion espion, comme toujours dans son œuvre, ce qui importe finalement, c'est la forme cruciforme de l'objet, qui finit par imprégner notre mémoire rétinienne. Le symbolisme de la croix et le retour de la FORME.