La galerie Mayoral présente des œuvres d'art intemporelles.

La galerie Mayoral de Barcelone n'a pas lésiné sur les moyens pour le choix de son exposition dans le cadre du Barcelona Gallery Weekend 2026. Son engagement mêle une bonne dose d'ambition, au sens le plus noble du terme, et une autre de prise de risque, en s'éloignant des expositions collectives financées par les fonds des galeries, qui s'apparentent trop souvent à une simple présentation commerciale d'œuvres disponibles, plus proches d'un stand de foire que d'une galerie d'art. Mais rien de tout cela ne correspond à ce que propose l'exposition « Permanent Present » , conçue par l'artiste aux multiples talents – écrivain, commissaire d'exposition, gestionnaire culturel et propagateur d'idées – Vicenç Altaió, et visible jusqu'au 9 janvier dans les deux salles de la galerie.

Le titre de l'exposition est une véritable déclaration de principes. Si le présent est permanent, cela signifie que le temps n'est pas linéaire. Plutôt que de suivre un chemin avec un début et une fin dans une direction unique – ce « toujours aller de l'avant » dont parlait tant le regretté Arnau Puig –, les œuvres d'art de toutes les époques demeurent dans un intervalle fixe, qui est précisément le nôtre, celui de cet instant précis. Le mélange d'œuvres d'époques et de styles différents relève moins d'un dialogue que d'une coexistence plus ou moins paisible, plus ou moins affirmée. « Les œuvres dialoguent entre elles et les époques avec les époques », explique Altaió. Paradoxalement, l'exposition recèle un récit interne, particulièrement perceptible si l'on entre par la porte historique Mayoral et que l'on sort par celle adjacente : elle retrace le parcours de la naissance à la mort, de l'origine de la vie à sa fin mystique, d'un univers à l'autre.

Altaió a choisi, aux deux extrémités du parcours, de confronter directement une œuvre d'une jeune artiste déjà bien connue dans l'histoire de l'art du XXe siècle. Une œuvre de Marria Pratts (1988), enfant du graffiti et de l'art enfantin – artiste fétiche de la jeunesse artistique promue par Mayoral –, traversée par une enseigne lumineuse, est installée face à la rue, constituant le point de départ conceptuel de l'exposition. Elle dialogue avec une œuvre sur papier d'Alexander Calder, ornée de cercles et de formes organiques et cosmiques, présentes dans cette partie de l'exposition à travers d'autres œuvres de Regina Giménez ou Mari Chordà. Une œuvre magistrale de Niki Saint-Phalle est confrontée à celle de son maître Joan Miró. Ce prélude évoque le concept de l'origine de l'univers, de la reproduction et de la naissance.

Et sur ce chemin intemporel, le couloir central de la première salle de la galerie accueille des œuvres où les artistes réinterprètent la figure humaine à travers de petits portraits dessinés de Picasso et Magritte, entre autres.

L'autre étape de ce voyage essentiel est consacrée à l'amour, aux couples et à la sexualité, sous l'égide d'une reproduction d'un portrait de Dora Maar par Picasso, moins en proie à la souffrance, plus proche de l'idéal roman. Un portrait féminin de Ramon Casas défend le modèle de Ben Plantada, incarnation de l'idéal néo-centenaire. Marià Andreu, dans une magnifique huile de 1926, évoque le jeu de l'amour avec un couple jouant aux cartes, et Marc Chagall illustre le triomphe de l'amour. Une fois encore, des époques différentes se rencontrent.

Dans l'autre salle de la galerie, une certaine « violence plastique » se manifeste dès l'installation Chemical Romance de l'artiste Reus Oriol Enguany (1994), qui travaille près de Constantí, au cœur d'une zone pétrochimique. L'œuvre d'Enguany est une sculpture-fontaine suintant une matière noire et visqueuse, référence évidente au pétrole et aux déchets du capitalisme sauvage. Altaió la compare à la fontaine de mercure de Calder, visible à la Fondation Miró, qui fut jadis un exemple de beauté industrielle avant que le mercure ne soit reconnu comme toxique. Dans la salle Mayoral, de l'autre côté du mur face à l'œuvre d'Enguany, une peinture de Miquel Barceló exhale une matière organique. Les horloges souples de Dalí, paradigmes de cette époque désintégrée, apparaissent dans l'œuvre Venus espacial (1977-1984).

Le final de l'exposition explore les notions de destruction, de mort et de renaissance. Une fois encore, il confronte un maître à un jeune artiste. L'impressionnant diptyque d'Antoni Tàpies, Duat (1994), mesurant 2,5 x 6 m et empreint de mysticisme, est un condensé de l'iconographie de Tapia – signes, mots, objets tels que des linceuls et même des volets en chute libre –, qui dialogue avec un grand diptyque d'un autre jeune artiste, José Luis Barquero (1997), peuplé de flammes rouges de correfocs ou peut-être, qui sait, de l'enfer.

Avec des œuvres d'autres artistes tels que Jordi Alcaraz, Ramon Casas, Lichtenstein ou Chillida, l'exposition fonctionne comme une horloge – l'expression est particulièrement juste – comme un simple instrument de contemplation esthétique et philosophique, au-delà de toute digression historiographique. C'est pourquoi le comité d'organisation a délibérément fait l'impasse sur les textes explicatifs. Elle invite donc à l'émerveillement, mais aussi, comme le souligne Altaió, au retour à la lecture, bien que, paradoxalement, elle soit conçue presque exclusivement à partir d'images.