A galeria Mayoral confronta obras de arte que transcendem o tempo.

A Galeria Mayoral de Barcelona não se contentou com pouco ao escolher uma exposição para o programa Barcelona Gallery Weekend 2026. Seu compromisso inclui uma boa dose de grandiloquência, no melhor sentido da palavra, e outra de ousadia, fugindo de exposições coletivas financiadas por verbas da galeria que, com muita frequência, parecem uma mera exibição comercial de material disponível, mais semelhante a uma banca de feira do que a uma galeria de arte. Mas nada disso corresponde ao que oferece a exposição "Presente Permanente" , com curadoria do multifacetado escritor, curador, gestor cultural e negociante de ideias Vicenç Altaió, e que pode ser visitada até 9 de janeiro, ocupando as duas salas da galeria.

O título da exposição é uma declaração completa de princípios. Se o presente é permanente, isso significa que o tempo não é linear. Em vez de seguir um caminho com começo, meio e fim em uma única direção – aquele “sempre avançando” de que o saudoso Arnau Puig tanto falava –, as obras de arte de todas as épocas permanecem em um intervalo fixo, que é precisamente o nosso, o deste exato segundo. A mistura de obras de diferentes épocas e estilos não é tanto um diálogo, mas uma coexistência mais ou menos pacífica, mais ou menos intensa. “As obras dialogam entre si e os tempos dialogam com os tempos”, diz Altaió. Paradoxalmente, há uma narrativa interna na exposição, especialmente para quem entra pela histórica porta da Prefeitura e sai pela porta adjacente: ela vai do nascimento à morte, da origem da vida ao fim místico, de um universo a outro.

Altaió optou, em ambas as extremidades do percurso, por confrontar diretamente a obra de uma jovem artista de renome na história da arte do século XX. Uma obra de Marria Pratts (1988), filha do grafite e da arte infantil – artista fetichista da arte jovem promovida por Mayoral –, atravessada por um letreiro de néon, está instalada de frente para a rua, marcando o início conceitual da exposição. Ela dialoga com uma obra em papel de Alexander Calder, que apresenta círculos e formas orgânicas e cósmicas, presentes nesta parte da exposição em outras obras de Regina Giménez e Mari Chordà. Uma esplêndida obra de Niki Saint-Phalle confronta-se com a de seu mestre, Joan Miró. Trata-se de um prelúdio que alude ao conceito da origem do universo, da reprodução e do nascimento.

E nesse percurso atemporal, o corredor central da primeira sala da galeria abriga obras onde os artistas reinterpretam a figura humana com pequenos retratos desenhados de Picasso e Magritte, entre outros.

A outra etapa desta jornada vital é dedicada ao amor, aos casais e à sexualidade, presidida por uma reprodução de um retrato de Picasso de Dora Maar, aqui menos em atitude de sofrimento e mais como uma virgem românica. Um retrato feminino de Ramon Casas defende o modelo de Ben Plantada do ideal noucentista. Marià Andreu, em uma magnífica pintura a óleo de 1926, evoca o jogo do amor com um casal jogando cartas, e Marc Chagall retrata o triunfo do amor. Mais uma vez, diferentes épocas se encontram.

Na outra sala da galeria, por outro lado, há uma certa “violência plástica” que começa com a instalação Chemical Romance, do artista de Reus, Oriol Enguany (1994), que trabalha perto de Constantí, rodeado por produtos petroquímicos. A obra de Enguany é uma escultura-fonte que transpira um material preto e viscoso, uma clara referência ao petróleo e aos detritos do capitalismo selvagem . Altaió compara-a à fonte de mercúrio de Calder, que pode ser vista na Fundação Miró, a qual, à sua época, foi um exemplo de beleza industrial até que o mercúrio foi identificado como um material tóxico. Na Sala Mayoral, do outro lado da parede da obra de Enguany, está exposta uma pintura de Miquel Barceló que exala matéria orgânica. Os relógios moles de Dalí, paradigmas deste tempo desintegrado, aparecem na obra Venus espacial (1977-1984).

O final da exposição conecta-se com conceitos de destruição, morte e renovação. Mais uma vez, confronta um mestre com um jovem artista. O impressionante díptico de Antoni Tàpies, Duat (1994), medindo 2,5 x 6 m, com conotações místicas, é um compêndio da iconografia de Tàpies – signos, palavras, objetos como sudários e até persianas em queda livre –, que dialoga com um grande díptico de outro jovem artista, José Luis Barquero (1997), habitado por chamas vermelhas de correfocs ou talvez, quem sabe, do inferno.

Com obras de outros artistas como Jordi Alcaraz, Ramon Casas, Lichtenstein ou Chillida, a exposição funciona como um relógio – nunca antes dito melhor –, um mero dispositivo para a contemplação estética e filosófica, para além de dissertações historiográficas adicionais, razão pela qual a montagem deliberadamente evitou textos explicativos. Portanto, é também um convite ao puro deslumbramento, mas também ao retorno, como observa Altaió, à leitura, embora paradoxalmente seja concebida praticamente apenas a partir de imagens.