Albert Aparicio e o mistério da origem

A pintura de Albert Aparicio não resolve o enigma, mas o preserva. Vinte anos depois de apresentar Traces na Fundação Valvi, o artista retorna a esse espaço com Origen , uma exposição que pode ser entendida como um retorno, mas também como um novo olhar sobre questões que, longe de terem encontrado resposta, vêm adquirindo maior densidade.

O título já contém um paradoxo. Origem parece se referir a um ponto de partida, a um momento inaugural, mas na obra de Aparicio a origem não é necessariamente um começo. É uma zona de retorno, um lugar mental ao qual se retorna para rever formas, atmosferas e intuições. A pintura torna-se, assim, uma forma de memória sem narrativa, num espaço onde passado e futuro deixam de ser categorias opostas e se confundem num presente suspenso.

Essa sensação é especialmente evidente nas formas biomórficas que aparecem em suas obras. São presenças difíceis de classificar, organismos ou fragmentos de organismos que parecem estar em um estado intermediário: semi-formados, prestes a desaparecer ou simplesmente aguardando uma transformação. Sua indefinibilidade não é uma falta de concretude, mas justamente o que lhes confere força. Aparicio evita transformá-las em símbolos fechados e permite que conservem uma certa opacidade, como se pertencessem a um mundo anterior à sua identificação.

Em paralelo, as paisagens arquitetônicas introduzem uma dimensão aparentemente oposta. Enquanto as formas biomórficas sugerem crescimento, mutação e vida, as arquiteturas aparecem nuas, silenciosas e sem habitantes. São espaços que poderiam ser ruínas, mas também construções inacabadas; vestígios de um mundo desaparecido ou possíveis cenários de um futuro que ainda não chegou. Essa ambiguidade temporal constitui um dos aspectos mais sugestivos da exposição.

As arquiteturas de Aparicio não funcionam, portanto, como paisagens urbanas reconhecíveis. São estruturas mentais. A ausência de figuras humanas acentua a sensação de estarmos diante de um mundo que existe fora da nossa presença. As paredes, os volumes e os espaços vazios adquirem uma qualidade quase arqueológica, mas ao mesmo tempo futurista. O que parece uma ruína também pode ser um projeto; o que interpretamos como um vestígio do passado pode conter a possibilidade de um novo começo.

Essa suspensão temporária aproxima a obra de Aparicio da tradição da pintura metafísica. Mas, em vez de reproduzir seus códigos, o artista assume uma postura: a convicção de que uma imagem pode se revelar justamente quando deixa de querer se explicar. Nesse território, a pintura não ilustra uma história nem oferece uma resposta narrativa. Ela constrói uma atmosfera capaz de provocar uma sensação de estranheza diante daquilo que, aparentemente, já sabemos.

A referência a Giorgio Morandi é particularmente significativa. Aparicio compartilha com o pintor italiano uma maneira de entender a pintura como uma abordagem lenta das coisas e, sobretudo, uma resistência em esgotar seu significado. Em Morandi, os objetos do cotidiano adquiriam uma densidade quase metafísica por meio de pequenas variações de forma, luz e tonalidade. Em Aparicio, esse mesmo desejo de contenção se desloca para formas orgânicas e espaços arquitetônicos que parecem existir em uma realidade paralela.

A luz é um dos instrumentos fundamentais desta construção. Longe de simplesmente descrever os volumes, ela determina a qualidade emocional das cenas. A relação entre áreas iluminadas e sombras ajuda a transformar as figuras e as arquiteturas em presenças espectrais, como se estivessem sujeitas a uma luz que provém não tanto de um exterior específico, mas de um tempo interior. A cor também participa desta estratégia de contenção: em vez de competir com as formas, ela as acompanha e as insere numa atmosfera de calma inquietante.

Aparicio trabalha dessa forma a partir da síntese. Ele elimina o que considera acessório até deixar apenas os elementos necessários para que a imagem mantenha sua tensão. Mas essa economia formal não resulta em uma pintura fria. Pelo contrário, a redução permite que cada forma adquira uma maior carga perceptiva. Uma abertura, uma sombra, uma superfície ou uma linha do horizonte podem se tornar eventos pictóricos porque o artista reduziu deliberadamente o ruído que os cerca.

Nesse sentido, Origen estabelece um diálogo evidente com Traces , mas não como uma simples recuperação do passado. Se naquela exposição o traço podia ser entendido como um gesto de pesquisa, agora essa mesma ideia reaparece transformada. O traço continua sendo uma forma de abordar o que ainda não se compreende, mas os trabalhos atuais parecem interessados sobretudo no que acontece depois desse primeiro gesto: o que resta quando a forma começa a adquirir presença e, ao mesmo tempo, conserva uma parte irredutível de mistério.

É aqui que o conceito de origem assume toda a sua força. Não há ponto zero, nenhuma resposta definitiva sobre de onde vêm essas figuras ou para onde essas paisagens se dirigem. Há, em vez disso, uma sucessão de estados intermediários. A pintura de Aparicio habita esse espaço de transição, onde algo deixa de ser o que era sem ainda ter se transformado em outra coisa.