Empordà Oriental

No verão, a atividade começa no Empordà, pequenas galerias abrem com programação temporária e trata-se de escolher e dar-lhes um lugar no presente. É o caso da exposição Primavera Asiática na Galeria ASSAI em Pals, de 12 de junho a 5 de julho. Esta primavera representa uma ligação do Empordà com o seu principal precedente, a "Printemps Asiatique – Semana da Ásia" em Paris.

Não são muitas as oportunidades de abrir a janela e deixar entrar os aromas do Oriente. Alexandra Planas fez isso em Bonart com o artigo sobre o Rebel Stroke de Gerardo D. Cristante, um dos artistas participantes desta exposição .

Um sonho oriental

S. Dalí gostava de dizer que foi o primeiro habitante da península a ver o sol nascer do Oriente da sua cama em Port Lligat. "Ex oriente lux", esta luz vinda do Oriente parece tê-lo interessado desde jovem, como demonstra a atual exposição na sua cidade natal, Figueres: Um sonho oriental. Exotismo e modernidade no jovem Dalí, com curadoria do seu colega Ricard Bru e aberta até 13 de setembro de 2026. O curador salienta que, quando Dalí, aos dezenove anos, criou um biombo com reminiscências japonesas, o interesse pelo Oriente já circulava na Catalunha há mais de quarenta anos e que, mais tarde, ele desenvolveria uma abordagem muito mais intelectual e rigorosa a este tema na sua pintura.

Durante anos, a presença de artistas do Oriente tem sido comum nas terras do Empordà, muitos dos quais acabam por residir e trabalhar aqui, seduzidos por uma paisagem mediterrânica muito diferente dos seus locais de origem. Trata-se de um facto alheio à idiossincrasia greco-latina das terras do Empordà. Talvez um dos mais enraizados no tempo seja o taiwanês Dai Bin In, em Llers, que há mais de quarenta anos chamou a atenção de Antoni Tàpies com a sua gestualidade e pinceladas livres. Também aqueles que frequentemente expõem na galeria Horizon, em Colera, que desde 1992 sempre deu espaço ao olhar para o Oriente, como se demonstrou em 2023 com a exposição "Oriente Encontra Ocidente" . Nesta exposição, Ralph Bernabei e Enric Ensesa expuseram com artistas como Takesada Matsutani, membro do grupo Gutai e cuja retrospectiva foi realizada no Centro Pompidou em 2019, além dos japoneses Mariko Kumon, Matsuoka, Hiro Nobuko, Nihira Tsubaki, Toshio Yamamoto, Masafumi Yoshiyashu, Zenitani e a escultora coreana Yoon-Hee, residente na França.

Agora, a exposição Primavera Asiática na Galeria ASSAI, uma pequena galeria em Pals, oferece-nos um coletivo que reúne artistas de origens e sensibilidades diversas, diferentes maneiras de compreender a linguagem da tinta e da pintura, num novo diálogo entre dois artistas asiáticos e dois ocidentais. Danhôo (Vietname, 1966), residente em França, Su Jing (China, 1994), residente em Paris, o versátil Corentin Candi (Bélgica, 1975) e Gerardo D. Cristante (Buenos Aires, 1979), que atualmente vive no Vall de Llémena (Girona). Os quatro têm em comum o fascínio pela pintura, pela tinta, pelo gesto, pela matéria, pelo vazio e, sobretudo, pela energia da pincelada que carrega uma busca interior. É também uma boa oportunidade para refletir sobre as ligações entre a pintura abstrata e a caligrafia oriental.

A arte de desenhar ou pintar sem significado.

A arte do traço é uma expressão que me interessa especialmente como crítico de arte e calígrafo. A arte do traço se manifesta quando, seja na pintura ou mesmo na caligrafia, toda a ênfase é colocada na expressão visual, quando se escreve com palavras irreconhecíveis. Uma linguagem inventada e sem sentido, como fez Luigi Serafini com o conhecido “Codex Seraphinianus” (1981), um livro enciclopédico escrito inteiramente em uma língua inventada e assêmica, ou seja, sem significado. De certa forma, é a forma mais semelhante à música sem palavras que ouvimos sem qualquer desejo de compreender, como acontece com os mantras musicais de Éliane Radigue. Quando o som chega aos nossos ouvidos e, ao mesmo tempo, observamos uma pintura, os sentidos, toda a percepção, são postos em movimento e permitimos que o corpo se torne uma plataforma de recepção. Quando a mente intelectual se desativa e outros mecanismos assumem o controle, entramos em sintonia com a Ásia. Nenhum significado é atribuído, nada compreendemos, mas há uma emoção estética que se manifesta através da pele e dos sentidos.

Digo que esta exposição é uma boa oportunidade para reivindicar uma arte da linha e da pintura sem significado aparente. Quando vemos as manchas de tinta vaporosas de Coranti Candi (1975, Bélgica), com obras de abstração atmosférica, de cinzas, pretos, marrons escuros e toques de ocre, névoa, fumaça ou cinzas sobre um amplo fundo branco, não vemos nada mais do que uma obra construída por meio de manchas, velaturas e pinceladas espontâneas que favorecem a expansão do pigmento em papéis chineses e japoneses.

Sabemos que ela não quer nos dizer nada além do que vemos. O significado se torna um estado contemplativo, uma espécie de visão indecifrável, uma nova paisagem interior. Não há significados claros, mas sabemos detectar que estamos diante de uma pintura que nos fala de uma maneira diferente. Uma certa qualidade contemplativa, como exige a tradição oriental, onde o vazio é tão importante quanto a matéria, uma dualidade inevitável entre caos e ordem, a dialética essencial. Este é o significado.

Dahoo (Vietnã, 1966). Quando, em vez de manchas vaporosas, encontramos micrografias de tinta que cobrem toda ou parte da superfície, como em Dahoo, as obras desdobram uma linguagem pictórica dinâmica inspirada precisamente por essa caligrafia abstrata que não pretende significar nada, mas desta vez com cor. As composições são atravessadas por movimento e profundidade, onde a energia surge do ritmo do gesto. Assim como Pollock lançava a tinta sobre a tela para criar seus "gotejamentos", aqui ela é lançada, gotejada ou espalhada de forma microgestual. As cores violeta, azul elétrico, verde, ocre, rosa, laranja e preto são sobrepostas em múltiplas camadas. Inúmeras gotas, respingos e salpicos brancos percorrem a tela como flashes de luz. Nesse caso, a energia essencial do Qi se manifesta inevitavelmente transformada em energia visual, um jardim selvagem, vital, orgânico e abstrato. É inevitável não associar essas obras à noção de mistério e complexidade.

Gostaria de enfatizar que este pintor, apesar de ser amplamente reconhecido por escrever e deformar caracteres tradicionais chineses como amor, felicidade ou sonho, o que ele faz é escondê-los, desconstruí-los através da pintura. Em vez disso, ele insere a emoção na pintura, o ritmo através de um gesto, ocultando-os entre camadas de matéria e cor.

Su Jing (nascida em 1994 em Wuhai, China) é a participante mais interdisciplinar e conceitual dos quatro, trabalhando também com vídeo e instalações. Mas o que vemos aqui é sua obra “Vegetable Drifts” (2026); entre a figuração expressiva e a abstração lírica, ela pinta folhas sobre papel Xuan. A pintura e a cor são dominantes. Da grande massa de pinceladas azuis, formas florais roxas, caules e botões vermelhos emergem verticalmente do fundo, como se a imagem estivesse em processo de crescimento ou transformação. Su Jing explora as noções de identidade, memória, raízes e transformação. Aqui também, os vermelhos e laranjas atuam como acentos energéticos com pinceladas rápidas e espontâneas. Energia ou qi é a palavra-chave em toda a minha crônica.

Por fim, o já mencionado Gerardo D. Cristante (Buenos Aires, Argentina, 1979) é o melhor exemplo para sintetizar o tema da arte sem sentido que define esta exposição. O pintor cria obras em preto e branco, e em todos os tons de cinza acastanhado que a tinta medieval lhe proporciona, servindo para atacar a palavra, o caractere, o “kanji” mais conhecido da tradição Zen: MU. Gerardo D. Cristante propõe uma releitura pessoal e muito subjetiva do shodō, o caminho da escrita japonesa, tal como fez Paloma Fadón, autora de “Els Delirios del trazo en la ruta de la seda” (Libros de Aldarán, 2026).

Estas obras não necessitam da tradição caligráfica, inserindo-se diretamente no território da abstração gestual monocromática da arte contemporânea. Aqui, não há dependência da cor, mas sim da textura, do movimento e do traço do gesto. A composição é construída quase exclusivamente com uma gama de pretos, cinzas, sépias e brancos. Salpicos, gotejamentos e pequenas fraturas visuais surgem dispersos, como vestígios de uma ação rápida e física. O amplo espaço em branco que acompanha as formas funciona como um campo de silêncio, apesar do ruído do gesto. O resultado preserva a memória de cada gesto; não esconde como foi feito, mas torna o próprio processo o protagonista.

Gerardo Tristante, como pintor, ao contrário de seus colegas, não parece esconder o significado em sua obra. Digo "parece" porque ele quis usar uma palavra muito conhecida na tradição filosófica do budismo zen e da caligrafia oriental, que possui grande significado: MU. Foi uma escolha muito acertada, pois, paradoxalmente, esse caractere sino-japonês é uma negação devastadora do sentido das coisas, um emblema da renúncia ao significado lógico da linguagem. É uma alegoria do nada, da negação. Podemos lê-lo, saber o que ele nos diz, mas o que ele nos diz é uma negação do sentido e de toda interpretação. Ele nega tudo, renuncia a tudo, não significa nada, distorce toda compreensão possível. É uma palavra que se relaciona com a pintura abstrata de seus colegas na exposição, que não pretendem significar nada e dizem TUDO.