Des expositions
Steve McQueen explore le pouvoir de la voix nue
¿Qué sucede cuando desaparecen las imágenes y solo queda la voz? Steve McQueen plantea esta pregunta en 66–76–26 , una instalación que suspende la mirada para situar la escucha en el centro de la experiencia artística. En una sala sumida en la oscuridad, el artista y cineasta británico reúne las interpretaciones de Wild Is the Wind realizadas por Nina Simone en 1966 y David Bowie en 1976, dos grabaciones separadas por una década que, al encontrarse en el espacio expositivo, construyen un diálogo tan íntimo como imposible. Comisariada por Lekha Hileman, la propuesta del Museo Guggenheim Bilbao explora la capacidad de la música para transmitir deseo, vulnerabilidad y memoria más allá de las imágenes.
Tout au long de sa carrière, McQueen a exploré des thèmes tels que la violence, l'histoire, le deuil et l'expérience humaine, créant des œuvres qui obligent les spectateurs à se confronter à ce qu'ils préféreraient ignorer. Cette fois-ci, cependant, l'artiste choisit de supprimer toute référence visuelle. Aucune projection, aucun objet, aucune image ne vient guider l'interprétation. L'obscurité élimine les distractions et transforme l'espace en un lieu d'écoute, où chaque voix acquiert une présence physique et émotionnelle.
Composée pour le film éponyme de 1957, « Wild Is the Wind » a trouvé en Simone et Bowie deux interprètes capables d'emmener la chanson vers des territoires personnels très différents. La version de Simone, enregistrée au plus fort du mouvement des droits civiques aux États-Unis et durant une période marquée par des problèmes de santé, est empreinte d'une intensité qui transcende l'interprétation musicale. Celle de Bowie, enregistrée en 1976, appartient à une période de profonde fragilité personnelle, marquée par ses addictions et le poids d'une vie soumise à une pression extrême. Dans les deux versions, la chanson acquiert une dimension qui dépasse ses propres paroles pour devenir l'expression d'un désir ardent, d'une dépendance et d'un besoin affectif.
McQueen est depuis longtemps fasciné par la puissance émotionnelle de ces deux versions. En les plaçant aux extrémités opposées d'une même pièce, il crée une rencontre qui n'a jamais eu lieu : Simone et Bowie semblent se répondre par-delà le temps, comme si leurs voix se reconnaissaient dans une expérience partagée de vulnérabilité. L'écart de dix ans cesse d'être une simple référence chronologique et devient un espace de résonance entre deux vies et deux manières d'appréhender la musique.
L'opération artistique est particulièrement significative car elle se passe de tout accompagnement visuel. L'obscurité ne fonctionne pas seulement comme un procédé scénographique, mais comme une condition qui modifie la relation du public à l'œuvre. Sans images à contempler ni objets à photographier, l'attention se porte sur les nuances de la voix, la respiration, les pauses et les silences. L'écoute exige du temps et de la présence, transformant l'expérience individuelle en une forme de participation.
Pour McQueen, le visiteur constitue une troisième voix, essentielle à la complétude de l'installation. Sa présence introduit une nouvelle dimension au dialogue entre Simone et Bowie, garantissant que l'œuvre ne se limite pas aux enregistrements originaux. Chaque personne qui pénètre dans la pièce y apporte ses propres souvenirs, associations et sensibilités, laissant ainsi l'œuvre ouverte à des interprétations évolutives.
Ils peuvent vous
intéresser
...
