Antoni Cumella. Pensée sculpturale

« La céramique est une sculpture de la révolution », cette phrase d'Antoni Cumella i Serret (Granollers, 1913 - Barcelone, 1985) est au cœur de l'exposition « Antoni Cumella. Architecture des Formes », dont le commissariat est assuré par Ricard Bru. Cette exposition revisite son œuvre céramique comme un fait sculptural, une pratique qui intervient dans l'espace, qu'il s'agisse de pièces tournées, d'objets, de peintures murales ou de reliefs. Fasciné par les volumes et engagé dans l'innovation de son temps, il fut l'un des créateurs qui ont fait participer ce langage à de nouvelles approches, de nouveaux traitements et une nouvelle morphologie, l'affranchissant définitivement de son utilitarisme originel. Une volonté affirmée de recherche, conjuguée à la maîtrise artisanale et à l'attachement à la tradition, a abouti à une céramique conçue comme un art pur, qui défend la matière dans toute sa vibrante expressivité et ses qualités intrinsèques. Sa principale contribution fut de trouver un équilibre parfait entre le besoin de pérennité et celui de recherche, entre l'aspiration au classicisme et la volonté de rupture contemporaine.

L’exposition « Architecture des formes », présentée par Artur Ramon Art, dévoile des œuvres autonomes à la poésie volumétrique et des plaques conçues pour s’intégrer à l’espace architectural. Ces deux lignes partagent une même cohérence conceptuelle où forme et matière sont construites à partir d’une pensée unifiée.

Le concept précis de sculpture se révèle chez Cumella dès ses débuts artistiques et constituera le dénominateur commun de toute son œuvre. En ce sens, il a trouvé un langage qui lui est propre, le reliant aux préoccupations de la sculpture et de l'architecture internationales. La parenté de nombre de ses créations avec l'œuvre de Hans Arp, Max Bill, Naum Gabo ou Henry Moore, ainsi qu'avec l'héritage des artisans catalans de Llorens, témoigne de sa capacité à créer des formes libres à partir d'un matériau traditionnel, en lien étroit avec l'avant-garde, faisant de lui l'un des innovateurs incontestés de la céramique européenne. La céramique, faite d'argile, d'eau et de feu, ou encore de mutation de la matière, sera pour Cumella un matériau – en particulier le grès – qu'il peut tourner, modeler, graver, sculpter ou émailler, abolissant ainsi la frontière entre ce que l'on a appelé les « arts appliqués » et la création esthétique tridimensionnelle dans son acception la plus noble.

Dans ses formes essentielles (verres, bols, vases), inspirées par l'austérité, la sobriété et la stylisation des céramiques orientales, avec des profils harmonieux, des contours doux et des volumes modelés aux proportions rigoureuses, l'artiste conférait à ses œuvres une dimension spéculative tridimensionnelle. Avec une perfection extrême des surfaces – mates ou brillantes – et des qualités authentiquement épidermiques, Cumella les traitait avec une limitation délibérée des émaux, par de subtiles gradations monochromes, afin d'intervenir essentiellement dans la matière sculpturale. Cumella concevait la matière (argile et grès) comme un « interlocuteur vivant », à l'écoute de ses possibilités et de ses limites. Ceci le conduisait à une expérimentation constante avec les émaux et les cuissons à haute température, conférant à ses pièces une vie et une vibration uniques.

Dès les années 1950, partant du modeste tour de potier qui façonne des formes utilitaires, il crée des reliefs en céramique en relation avec l'architecture : module isolé, plaque matérielle ou sculpture abstraite, toujours soumis à des contraintes spatiales strictes. L'artiste conçoit ses céramiques de telle sorte que les différentes pièces jouent et se recréent avec les espaces vides et perforés, intérieurs et extérieurs, unissant forme et matière pour transcender les formules conventionnelles.

Quant à ses reliefs muraux, ils évoquent une représentation abstraite de la nature, des formations géologiques, voire une flore figée dans le temps. Des œuvres audacieuses et ouvertes sur l'espace, qui explorent les possibilités de la forme avec un caractère à la fois optique et tactile. Sa démarche s'appuyait sur l'expressivité de la matière (une peau expressive) et du volume pour créer un dialogue direct avec l'espace bâti.

L'intervention la plus marquante de Cumella fut la fresque monumentale du pavillon espagnol à l'Exposition universelle de New York (1964-1965), conçu par l'architecte Javier Carvajal. Cette œuvre majeure consolida son prestige international, sublimant la céramique en un langage purement architectural. Conçue comme un hommage à Gaudí, la fresque intégrait textures et reliefs dialoguant avec la lumière et l'ombre, une constante dans le travail de Cumella qui cherchait à donner à l'architecture une enveloppe vibrante. Pour Cumella, New York représentait l'un des trois sommets géographiques de sa carrière (avec Rome et Madrid), et marqua son évolution vers une céramique industrialisée, tout en conservant une âme artisanale qui perdure aujourd'hui dans l'atelier familial, avec l'aide de son fils Toni Cumella.

Notes biographiques

Antoni Cumella i Serret (Granollers, 1913-1985) est un céramiste de renommée internationale. Il apprit le métier dans l'atelier familial avec son frère aîné, Joaquim Cumella, puis poursuivit sa formation à l'Escola del Treball de Barcelone auprès de Josep Maria Jujol et Josep Lluís Serret, où il découvrit l'œuvre de Gaudí. Il épousa Agnès Vendrell en 1942 ; le couple eut deux enfants. En 1936, il exposa pour la première fois à Barcelone et obtint une bourse de la Generalitat pour étudier à Paris. Cependant, le déclenchement de la guerre civile l'empêcha d'y rester. Pendant le conflit, il travailla comme infirmier et fut finalement interné au camp de concentration de Porta Coeli à Valence. Là, il étudia l'allemand, le latin et les mathématiques, avant d'être libéré sous surveillance et sans droits en 1940.

Dans les années 1950, il entame une carrière d'artiste exposant à Madrid, où il rencontre des intellectuels critiques du franquisme et collabore activement avec le Groupe R. Il s'intéresse également à l'architecture, y voyant une autre facette de sa création : l'art et l'espace bâti font partie d'un même organisme vivant. Sa participation aux Triennales de Milan (1936, 1951 et 1957) lui vaut une reconnaissance européenne pour ses pièces en grès émaillé d'une grande pureté et d'une beauté formelle remarquable. En 1956, il se rend en Allemagne, où il réalise des peintures murales et organise des expositions, et reçoit des propositions de postes universitaires. En 1958, il participe à la création du premier musée d'art contemporain de Barcelone et, en 1959, il fonde, avec Alexandre Cirici et Romà Vallès, l'école d'art FAD. Il collabore également avec Subirachs à la réalisation de la fresque « Les Taules de la Llei » à la Faculté de droit de l'Université de Barcelone.

À Barcelone, la fresque murale de l'ancien bâtiment Sandoz, situé sur la Gran Via de les Corts Catalanes, est remarquable. Les fresques en céramique du hall d'entrée se distinguent par leur texture organique et l'utilisation de glaçures aux tons ocre, caractéristiques de sa période informaliste. La récente rénovation a suscité le débat en raison de sa nouvelle configuration et de sa visibilité. Il a également réalisé des œuvres uniques, comme le bouchon d'une bouteille Osborne dessinée par Dalí. À partir des années 1980, il s'est consacré à la lithographie et à la création de médailles, parmi lesquelles celle du Parlement de Catalogne est particulièrement remarquable. Il a été récompensé par la Médaille d'or de la Triennale de Milan (1936, 1951, 1957) ; le Prix national des arts plastiques (1980), décerné par le ministère de la Culture ; la Creu de Sant Jordi (1981) ; la Médaille d'or du mérite artistique (1982), décernée par la mairie ; la Médaille d'or de la FAD (1982) et a reçu le titre d'enfant chéri de Granollers.

Antoni Cumella. Architecture des formes

Artur Ramon Art. Bailén, 19. Barcelone

Du 29 janvier au 13 mars 2026