Maiolino, matéria e memória

Na obra de Ana Maria Maiolino, a repetição nunca significa fazer exatamente a mesma coisa. Cada gesto contém uma variação, uma acumulação e, em última instância, uma transformação. Terra Poética , exposição em cartaz no MAAT em Lisboa até 31 de agosto de 2026, reúne um conjunto de trabalhos produzidos entre 1975 e 2025, com foco em uma das dimensões fundamentais da trajetória da artista brasileira: a escultura e, sobretudo, a relação física com a argila.

Nascida na Itália em 1942 e emigrada para o Brasil no início da década de 1960, Maiolino desenvolveu uma prática moldada por sua experiência migratória, pelos contextos políticos da América Latina do século XX e por uma investigação persistente sobre o corpo, a linguagem e a matéria. Seu trabalho abrange desenho, gravura, fotografia, performance e escultura, mas um fio condutor conecta seus diversos meios e períodos: a importância do gesto como forma de pensamento.

A exposição começa com uma imagem aparentemente simples, mas profundamente evocativa. Em Por um fio (1976), uma fotografia em preto e branco retrata três mulheres de diferentes gerações conectadas por um fio que emerge de suas bocas. Maiolino ocupa o centro, entre sua mãe e sua filha. O fio estabelece uma conexão física entre as três figuras, mas também constrói uma imagem de continuidade genealógica, de transmissão e memória. Ao mesmo tempo, antecipa uma das formas que se tornarão uma presença constante em suas esculturas posteriores: o cilindro.

A partir desta fotografia inicia-se uma jornada que desce a rampa da Galeria Oval até o piso inferior. Nas paredes encontram-se obras da série Tempestade de Ideias , desenvolvida entre 1990 e 2025, onde o desenho funciona como um território mental. As linhas, os traços e as formas aparentemente espontâneas não são meros esboços preliminares para a escultura: constituem um registro do pensamento e de suas possibilidades. O desenho surge, assim, como um espaço de experimentação, uma cartografia daquilo que ainda não tomou sua forma final.

A descida arquitetônica também acompanha uma mudança de linguagem. A exposição gradualmente transita do papel para a argila, abandonando a linearidade para se abrir em um espaço onde as esculturas podem ser percorridas e contempladas de diferentes perspectivas. O espectador não apenas passa pelas obras, mas começa a se mover ao redor delas. Essa transformação espacial é significativa porque também altera nossa relação com a matéria: não nos deparamos mais com uma imagem que representa, mas com um corpo que ocupa fisicamente o espaço.

Nas primeiras esculturas, surgem pequenas formas, repletas de cavidades e vazios internos. São peças compactas em que o material parece ter sido escavado de dentro para fora. Suas texturas e densidades evocam objetos arqueológicos, vestígios de um tempo remoto que sobreviveram até os dias de hoje. A comparação com a arqueologia não é gratuita: Maiolino trabalha com um material que parece reter a memória dos gestos que o transformaram.

Essa dimensão atinge uma escala monumental no conjunto de grandes esculturas que domina a galeria. A argila foi progressivamente modelada no próprio espaço expositivo, por meio de um processo coletivo que envolveu a artista, membros de sua equipe e ceramistas locais. O resultado, portanto, não se conforma à ideia tradicional de uma escultura concebida, executada e finalmente apresentada como um objeto acabado. Aqui, o processo faz parte da obra.

A argila se transforma conforme permanece exposta. As diferentes peças exibem tonalidades que variam dos marrons característicos da umidade a cores mais claras à medida que o material perde água. As texturas também mudam e pequenas rachaduras aparecem. Algumas formas chegam a adquirir uma aparência pétrea, como se o material estivesse passando por um processo inverso ao da fabricação de um objeto: em vez de se tornar algo estável, parece retornar lentamente a um estado geológico.

Essa transformação introduz uma questão fundamental: quando termina uma escultura? Em Terra Poética , a resposta permanece em aberto. As peças não são corpos fechados, mas estados provisórios da matéria sujeitos ao tempo. A obra deixa de ser apenas o que vemos e passa a incluir o que ainda está acontecendo. Desidratação, rachaduras, mudanças cromáticas e perda de consistência fazem parte de sua existência.

O gesto mais básico da exposição é também um dos mais significativos: o movimento de enrolar. A argila assume repetidamente formas cilíndricas que se acumulam umas sobre as outras para construir estruturas de grande escala. O processo evoca uma ação cotidiana, ligada ao preparo de alimentos e, sobretudo, à amassagem. Um movimento historicamente associado ao trabalho doméstico e feminino abandona aqui a esfera privada para adquirir uma dimensão monumental.

A operação crítica de Maiolino reside precisamente nessa mudança. Não se trata simplesmente de representar o trabalho doméstico, mas de transferir sua lógica para o domínio da escultura. Amassar, sovar, acumular e moldar deixam de ser ações subordinadas a uma função prática e se tornam processos artísticos. O gesto cotidiano adquire, assim, uma nova visibilidade e uma nova escala.

As impressões digitais que permanecem em algumas peças reforçam essa interpretação. A mão não desaparece por trás da obra, mas se inscreve nela. Cada marca constitui evidência do contato entre o corpo e o material. A anatomia da mão torna-se, literalmente, parte da superfície escultural.

Nesse sentido, Terra Poética também pode ser lida como uma reflexão sobre o conhecimento corporal. Em contraste com uma tradição artística que muitas vezes privilegiou a ideia, o projeto ou a autoria individual, Maiolino destaca um tipo diferente de inteligência: aquela que é adquirida por meio da repetição, da prática e do contato físico com os materiais.

"Fazendo a mesma coisa, você vai ao infinito", afirma o artista. A frase serve como uma espécie de chave para a compreensão de toda a exposição. A repetição não leva necessariamente à monotonia; ela pode abrir um espaço infinito de variações. Cada cilindro é semelhante ao anterior, mas nunca idêntico. Cada gesto amplia o precedente e prepara o próximo. A acumulação gera uma forma que não poderia existir a partir de um único movimento.

Existe também uma dimensão temporal que se estende para além da própria exposição. As grandes esculturas de barro estão destinadas a desaparecer assim que a sua temporada no MAAT terminar e retornarão ao estúdio de cerâmica que forneceu o material. Longe de entender esse desaparecimento como uma perda, Maiolino incorpora o retorno na própria lógica da obra. A escultura não aspira necessariamente à permanência.

Essa decisão desafia uma das premissas históricas do museu: a conservação. Em contraste com o objeto de arte concebido para permanecer intacto, Terra Poética propõe um material que se transforma, seca, racha e, por fim, desaparece. O museu deixa de ser meramente um espaço de preservação e se torna o palco temporário de um processo.

Há, portanto, algo profundamente circular na proposta. O fio condutor de Por um fio conecta três gerações; os desenhos antecipam as formas esculturais; as mãos transformam o barro; os cilindros se acumulam até construírem corpos monumentais; o material seca e finalmente retorna ao seu local de origem. Tudo parece fazer parte do mesmo ciclo de transmissão e transformação.

Maiolino transforma, assim, uma série de gestos aparentemente mínimos numa reflexão abrangente sobre o corpo, a memória, o trabalho e o tempo. Sua conquista mais poderosa reside não em monumentalizar o cotidiano a partir de uma distância solene, mas em demonstrar que aquilo que por gerações permaneceu relegado à esfera doméstica já continha um extraordinário poder formal e conceitual.