Yayoi Kusama, a artista japonesa que transformou o infinito em obra de arte, faleceu.

"Não consigo imaginar como serei categorizada após a minha morte", declarou ela certa vez. "Gosto de ser uma pessoa de fora."

Yayoi Kusama, uma das artistas japonesas mais renomadas e populares da história recente, faleceu aos 97 anos em um hospital de Tóquio. Sua morte ocorreu em 14 de agosto e foi anunciada na quinta-feira pela Yayoi Kusama Inc., estúdio da artista, em um comunicado publicado em seu site oficial.

"Ao longo de uma vida extraordinária dedicada inteiramente à criação artística, Kusama desenvolveu uma carreira internacionalmente reconhecida como pioneira da vanguarda", diz o comunicado. Sua prática abrangia pintura, escultura, instalação, performance, cinema, literatura e poesia. "Ela continuou pintando até seus últimos dias, sem jamais largar o pincel", acrescenta o texto.

Kusama deixa um legado de uma das obras mais reconhecidas da arte contemporânea. Suas características marcantes, como bolinhas, redes infinitas, abóboras, formas orgânicas e espaços espelhados, transformaram experiências íntimas e alucinatórias em universos visuais capazes de cativar milhões de espectadores. Suas célebres Infinity Mirror Rooms , instalações imersivas construídas com espelhos, luzes e repetição, também se tornaram um dos principais fenômenos artísticos internacionais da era das redes sociais.

Mas a extraordinária popularidade de Kusama nas últimas décadas contrasta fortemente com uma carreira marcada por incompreensão, precariedade e marginalização. Seu reconhecimento internacional veio após décadas de trabalho e uma vida marcada por traumas de infância e problemas de saúde mental.

Nascida em Matsumoto, Japão, em 1929, Kusama cresceu em uma família rica que cultivava plantas, mas descreveu sua infância como profundamente infeliz. Sua mãe tentou impedi-la de pintar, e seus pais esperavam um futuro convencional para ela, baseado no casamento e na maternidade. Desde jovem, ela começou a ter alucinações nas quais flores e outros elementos de seu ambiente pareciam cobrir as paredes, o teto, seu corpo e o espaço ao seu redor.

Desenhar o que via tornou-se uma forma de lidar com essas experiências. Os pontos e padrões repetitivos que eventualmente definiriam sua linguagem artística nasceram, em grande parte, dessa percepção alterada do mundo.

Durante a Segunda Guerra Mundial, aos 13 anos, ela foi convocada para trabalhar em uma fábrica militar japonesa que produzia tecido para paraquedas. Mais tarde, estudou brevemente nihonga , a pintura tradicional japonesa, em Kyoto, mas logo se sentiu limitada por suas convenções. Seu interesse se voltou para a abstração e as possibilidades da repetição.

No final da década de 1950, ela decidiu deixar o Japão e se mudar para os Estados Unidos. Antes de partir, trocou correspondências com Georgia O'Keeffe, que a incentivou a explorar o cenário artístico americano. Kusama chegou a Seattle e, posteriormente, se estabeleceu em Nova York em 1958, quando a cidade vivenciava a efervescência do Expressionismo Abstrato e novas formas de arte começavam a surgir.

Em Nova York, ele desenvolveu suas primeiras Redes Infinitas em grande escala, enormes superfícies pictóricas construídas através da repetição obsessiva de pequenas formas e pontos. Em 1962, vendeu uma dessas obras para Frank Stella e para o artista e crítico Donald Judd por US$ 75. Décadas depois, essas pinturas alcançariam milhões de dólares no mercado internacional.

Kusama desafiou rapidamente as categorias estabelecidas. Embora sua obra mantivesse conexões com a pop art, o minimalismo e a vanguarda experimental, ela simultaneamente desenvolveu sua própria linguagem baseada na repetição, na acumulação e no desaparecimento do indivíduo dentro de um espaço infinito.

Na década de 1960, ele expandiu sua prática para incluir a escultura, criando suas célebres esculturas macias — objetos e móveis cobertos por formas fálicas feitas de tecido e enchimento. Ele também produziu instalações, filmes e performances que exploravam o corpo, o sexo, a identidade e a dissolução do indivíduo.

Suas intervenções refletiam o espírito contracultural da época. Kusama pintava corpos nus com bolinhas e organizava ações contra a guerra que provocavam controvérsia e, em alguns casos, prisões por obscenidade. Em 1968, ela chegou a escrever uma carta aberta ao presidente americano Richard Nixon propondo um relacionamento sexual em troca do fim da Guerra do Vietnã.

Em 1966, ela apresentou o Jardim de Narciso na Bienal de Veneza, uma instalação composta por 1.500 esferas refletoras que criavam uma paisagem de reflexos infinitos. Kusama chegou a vender as esferas por dois dólares cada, sob o slogan "Seu narcisismo está à venda", até que os organizadores da Bienal intervieram para impedir a venda.

Sua relação com o cenário artístico de Nova York era complexa. Ele manteve laços com figuras como Andy Warhol, Georgia O'Keeffe, Donald Judd e Joseph Cornell, mas também denunciou em diversas ocasiões que algumas de suas ideias haviam sido apropriadas por artistas homens ocidentais, enquanto sua própria contribuição era relegada às narrativas oficiais da história da arte.

A noção de infinito tornou-se um dos temas centrais de sua obra. Kusama falava de "auto-aniquilação" para descrever o desaparecimento do eu dentro de uma realidade dominada por padrões que se multiplicam infinitamente. Em uma explicação sobre sua pintura de 1954, Flor (DSPS) , ela relatou como os desenhos em uma toalha de mesa pareciam se espalhar pelas paredes, janelas, teto, seu corpo e, por fim, por todo o universo.

Após anos de dificuldades e pouco reconhecimento, Kusama retornou ao Japão. Em 1977, internou-se voluntariamente em um hospital psiquiátrico em Tóquio, onde encontrou a estabilidade necessária para continuar trabalhando. A partir de então, passou a viver lá permanentemente e ia diariamente ao seu estúdio próximo para pintar e desenvolver novos projetos.

A decisão não significou o fim de sua carreira. Pelo contrário, nas décadas seguintes, seu trabalho começou a receber crescente atenção internacional. O Museu de Arte Moderna de Nova York, a Tate Modern de Londres e o Museu Hirshhorn de Washington dedicaram grandes exposições à sua obra. Suas instalações passaram a gerar longas filas e suas exposições se tornaram eventos culturais internacionais.

O mercado também confirmou sua enorme influência. Em 2008, uma obra de Kusama foi vendida por US$ 5,8 milhões em um leilão da Christie's. Em 2014, "Branco nº 28" foi arrematada por US$ 7,1 milhões, um recorde para uma artista viva na época. Em 2016, ela recebeu a Ordem da Cultura, uma das maiores honrarias do Japão.

A artista também conseguiu transformar seu universo visual em um fenômeno popular. Sua peruca vermelha ou laranja característica, seus vestidos de bolinhas e suas instalações tornaram-se ícones instantaneamente reconhecíveis. Ela colaborou com marcas internacionais como Louis Vuitton, permitindo que seus motivos aparecessem em produtos que iam de camisetas e canecas a mercadorias e reproduções de sua própria imagem.

O paradoxo de Kusama reside precisamente nessa extraordinária popularidade. A artista que durante anos permaneceu à margem acabou se tornando uma das criadoras mais visitadas e comercialmente bem-sucedidas do mundo. Suas obras foram vistas por milhões de pessoas, e suas instalações se tornaram espaços de experiência coletiva nos quais o espectador momentaneamente perde o contato com o próprio corpo.

Em 2012, Kusama resumiu sua relação com o que se tornara sua marca registrada com uma frase aparentemente simples: "As bolinhas são fabulosas". Em outra ocasião, ela explicou que queria continuar pintando milhares de quadros e que continuaria fazendo isso até sua morte.

E assim foi. O estúdio da artista enfatizou que Kusama continuou trabalhando até seus últimos dias e que sua criação permaneceu ligada às suas ideias sobre o amor eterno, a alma e o infinito.

Kusama sempre rejeitou os rótulos que tentavam categorizá-la como artista pop, feminista, artista de vanguarda ou outsider . Seu trabalho transcendeu essas categorias e acabou ocupando seu próprio espaço na cultura contemporânea.