A arte europeia da década de 1920 viveu um período de mudanças muito interessantes, marcado por um intenso diálogo entre teoria e prática. Não apenas obras foram criadas, mas muitos artistas também se dedicaram a pensar e escrever sobre o que a arte do momento significava e deveria ser. Em Paris, por exemplo, surgiu em 1920 a revista L'Esprit Nouveau, que reuniu figuras como Paul Dermée , Le Corbusier , Pierre Jeanneret e Amédée Ozenfant , que definiram as bases do purismo, movimento que defendia que a geometria estava presente em todos os aspectos da vida, não apenas em pinturas ou esculturas. Isso envolvia valorizar não apenas a forma artística, mas também o design industrial, a arquitetura e até a tipografia, destacando a importância de uma ordem formal que transcendia a arte.
Esta década também foi marcada pelo fato de muitos criadores, após explorarem a vanguarda, decidirem olhar para trás e recuperar a linguagem figurativa e os temas clássicos, como a maternidade ou a Arcádia Mediterrânea, um espaço idealizado e cheio de harmonia. Esse movimento, que pode ser rastreado aproximadamente entre a Primeira e a Segunda Guerra Mundial, é conhecido como o “retorno à ordem”. Embora em algum momento tenha sido interpretado como uma renúncia ao progresso ou como um gesto nostálgico em tempos difíceis, esse olhar para trás também pode ser visto como uma forma de lidar com a convulsão social e a industrialização acelerada que impactaram a Europa. O Classicismo, nesse contexto, oferecia um certo refúgio e uma maneira de reinventar a modernidade, tentando unir tradição e renovação no mesmo espaço artístico.
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Na Catalunha, essa influência foi perceptível muito cedo, já em meados da década de 1910. Por exemplo, Picasso pintou seu famoso Arlequim em 1917, obra que acabou doando ao Museu de Arte de Barcelona em 1921, um exemplo claro dessa tendência a rever a figuração a partir de uma perspectiva renovada.
A exposição apresentada pela Galeria Marc Domènech até 20 de junho reúne cerca de 25 obras criadas entre 1918 e 1930, com a presença de artistas de toda a Europa e daqui, como Mariano Andreu , María Blanchard , Francisco Bores , Pere Créixams , Rafael Durancamps , Julio González , Manolo Hugué , Max Jacob , Le Corbusier , Jacques Lipchitz , André Masson , Joan Miró , Amédée Ozenfant , Pere Pruna , Josep Togores e Torres-García .
Entre as peças expostas, a galeria destaca um desenho de Jacques Lipchitz de 1918 que, apesar do estilo cubista, é claro e fácil de acompanhar. Esta obra reflete bem a busca por equilíbrio e ordem formal que os artistas buscaram para alcançar esse classicismo atualizado. Também digno de nota é Les Sages Sensuelles de Mariano Andreu , uma pintura de 1923 que captura o ideal idílico da Arcádia Mediterrânea. Quando foi apresentada no Salão de Outono, foi muito bem recebida, e Eugeni d'Ors a elogiou como um dos melhores exemplos da nova pintura que misturava referências clássicas e modernas.
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Outro ponto forte da exposição é a presença de duas obras que representam a colaboração e as abordagens teóricas de Le Corbusier e Amédée Ozenfant . Nature morte puriste (1923) e La belle vie (1929) são exemplos claros do desejo de trazer ordem e geometria à arte. Nesta pintura de Le Corbusier, é possível perceber como cada forma se encaixa perfeitamente com as demais, enquanto Ozenfant explora relevos e cores terrosas para se conectar com um classicismo mais ligado à tradição helênica, talvez buscando estabilidade em um mundo que começava a sofrer as incertezas da crise de 1929.
Em suma, a exposição nos permite ver como aquele período, muitas vezes simplificado como um simples “retorno à tradição”, foi na verdade um momento em que modernidade e história se misturaram para criar novas formas de expressão, em um contexto marcado pela necessidade de ordem e equilíbrio após um período de grandes mudanças sociais e culturais.
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