Exposicions
Miguel Ángel Rojas, as feridas da Colômbia
A obra de Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946) constitui uma das aproximações mais incisivas às contradições da sociedade colombiana contemporânea. Com mais de cinquenta anos de trajetória, o artista construiu uma linguagem visual na qual a experiência individual e a memória coletiva se entrelaçam para abordar questões como o narcotráfico, a violência, a migração, a descolonização, a exploração dos recursos naturais e as desigualdades sociais. O Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía apresenta A noite, uma exposição que reúne uma seleção significativa de sua produção e permite compreender a coerência de uma trajetória marcada pela experimentação formal e o compromisso político.
Longe de entender a arte como uma representação neutra da realidade, Rojas utiliza a imagem como um instrumento de investigação e questionamento. Seu trabalho situa-se num espaço de tensão entre o autobiográfico e o coletivo, entre a intimidade do corpo e as feridas de uma sociedade atravessada por conflitos históricos. Nesse sentido, um dos aspectos mais singulares de sua produção reside no modo como abordou a homossexualidade e o desejo masculino. Suas fotografias dos percursos por salas de cinema onde ocorriam encontros sexuais entre homens desconhecidos introduziram um olhar transgressor sobre a sexualidade, a clandestinidade e os mecanismos de exclusão. A câmera torna-se aqui numa ferramenta de reconhecimento e libertação, capaz de tornar visível aquilo que durante muito tempo permaneceu relegado às margens.
Vista de A colheita, 2012, 147 cabeças em argila, cal, carvão, fibras vegetais e sementes Medidas variáveis Coleção do artista. © Miguel Angel Rojas Fotografia: Arquivo Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2026.
Essa vontade de explorar os limites da representação também se manifesta em suas investigações fotográficas no laboratório, onde a manipulação da imagem abriu novas possibilidades expressivas. Rojas incorporou a esses experimentos elementos vinculados à sua ascendência indígena e mestiça, assim como referências à sua própria identidade sexual. A fotografia deixou de funcionar exclusivamente como registro para adquirir uma dimensão material, simbólica e política.
Um dos núcleos fundamentais da exposição, que poderá ser vista até 15 de março, é Grão (1980), uma instalação que representou um ponto de inflexão no desenvolvimento da arte colombiana do início dos anos oitenta. Através da utilização de diferentes terras provenientes da região de Tolima, território de origem de sua família, o artista reconstrói no espaço museístico o solo da casa de seus avós. A operação, aparentemente simples, contém uma profunda carga autobiográfica e poética. Rojas, criado em Bogotá, empreende um retorno simbólico à paisagem rural de seus antepassados e recupera uma memória familiar que também remete às migrações do campo para a cidade em busca de melhores condições de vida. A terra deixa de ser um elemento natural para se tornar um arquivo, pertença e testemunho de uma identidade deslocada.
No extremo oposto desse exercício de recuperação das origens aparece O caminho curto (2012), onde o artista adota recursos próximos à linguagem da arte pop para construir uma leitura crítica da economia do narcotráfico. Por meio de recortes circulares de folhas de coca e cédulas de dólar, estabelece associações entre personalidades internacionais vinculadas a conhecidos problemas de consumo de drogas e os apelidos de alguns dos narcotraficantes mais violentos. A composição introduz uma dimensão irônica e perturbadora: por trás da circulação do dinheiro e dos imaginários do poder revela-se uma estrutura de violência, cumplicidades e exploração que ultrapassa as fronteiras colombianas.
O Freddy, 1979/2008. Impressão por jato de tinta sobre papel de algodão. 80 x 122 cm. Coleção do artista. © Miguel Ángel Rojas. Fotografia: Arquivo do artista.
A dimensão humana dessa violência adquire uma intensidade especialmente dolorosa em David (2004). A obra surge do encontro do artista com um soldado mutilado por uma mina antipessoal e transforma o retrato individual numa imagem de alcance coletivo. O corpo ferido torna-se testemunho das consequências físicas e emocionais de um conflito que deixou inúmeras vítimas. Não há nessa aproximação uma vontade de espetacularizar o sofrimento, mas de situar o espectador diante da vulnerabilidade de uma existência concreta. A intimidade do retrato adquire assim uma dimensão política, porque o corpo representado contém também a história de uma sociedade marcada pela guerra.
“O corpo humano é a sede, o lugar sensível, o lugar do prazer, da dor, dos desejos, das fobias, da consciência, da mente”, afirma Rojas. Esta concepção atravessa boa parte de sua produção e permite entender o corpo como um espaço onde se inscrevem as tensões culturais, económicas e sociais. O indivíduo não aparece isolado, mas como expressão de um contexto que condiciona suas possibilidades de liberdade, suas relações e sua própria identidade.
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