Des expositions
Miguel Ángel Rojas, les blessures de la Colombie
L'œuvre de Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946) constitue l'une des approches les plus incisives des contradictions de la société colombienne contemporaine. Avec plus de cinquante ans de carrière, l'artiste a construit un langage visuel dans lequel l'expérience individuelle et la mémoire collective se croisent pour aborder des questions telles que le narcotrafic, la violence, la migration, la décolonisation, l'exploitation des ressources naturelles et les inégalités sociales. Le Musée National Centre d'Art Reina Sofía présente La nuit, une exposition qui réunit une sélection significative de sa production et permet de comprendre la cohérence d'un parcours marqué par l'expérimentation formelle et l'engagement politique.
Loin de concevoir l'art comme une représentation neutre de la réalité, Rojas utilise l'image comme un instrument de recherche et de questionnement. Son travail se situe dans un espace de tension entre l'autobiographique et le collectif, entre l'intimité du corps et les blessures d'une société traversée par des conflits historiques. En ce sens, l'un des aspects les plus singuliers de sa production réside dans la manière dont il a abordé l'homosexualité et le désir masculin. Ses photographies des parcours dans les salles de cinéma où se produisaient des rencontres sexuelles entre hommes inconnus ont introduit un regard transgressif sur la sexualité, la clandestinité et les mécanismes d'exclusion. La caméra devient ici un outil de reconnaissance et de libération, capable de rendre visible ce qui est resté longtemps relégué aux marges.
Vue de La récolte, 2012, 147 têtes en argile, chaux, charbon, fibres végétales et graines Dimensions variables Collection de l'artiste. © Miguel Angel Rojas Photographie : Archives du Musée National Centre d'Art Reina Sofía, 2026.
Cette volonté d'explorer les limites de la représentation se manifeste également dans ses recherches photographiques au laboratoire, où la manipulation de l'image a ouvert de nouvelles possibilités expressives. Rojas a incorporé à ces expériences des éléments liés à son ascendance indigène et métisse, ainsi que des références à sa propre identité sexuelle. La photographie a cessé de fonctionner exclusivement comme un enregistrement pour acquérir une dimension matérielle, symbolique et politique.
L'un des noyaux fondamentaux de l'exposition, qui pourra être vue jusqu'au 15 mars, est Grain (1980), une installation qui a constitué un tournant dans le développement de l'art colombien au début des années 1980. À travers l'utilisation de différentes terres provenant de la région du Tolima, territoire d'origine de sa famille, l'artiste reconstruit dans l'espace muséal le sol de la maison de ses grands-parents. L'opération, apparemment simple, contient une profonde charge autobiographique et poétique. Rojas, élevé à Bogotá, entreprend un retour symbolique au paysage rural de ses ancêtres et récupère une mémoire familiale qui fait également référence aux migrations de la campagne vers la ville à la recherche de meilleures conditions de vie. La terre cesse d'être un élément naturel pour devenir un archive, une appartenance et un témoignage d'une identité déplacée.
À l'extrémité opposée de cet exercice de récupération des origines apparaît Le chemin court (2012), où l'artiste adopte des ressources proches du langage de l'art pop pour construire une lecture critique de l'économie du narcotrafic. Par des découpes circulaires de feuilles de coca et de billets de dollar, il établit des associations entre des personnalités internationales liées à des problèmes connus de consommation de drogues et les pseudonymes de quelques-uns des narcotrafiquants les plus violents. La composition introduit une dimension ironique et perturbante : derrière la circulation de l'argent et des imaginaires du pouvoir se révèle une structure de violence, de complicités et d'exploitation qui dépasse les frontières colombiennes.
El Freddy, 1979/2008. Impression jet d'encre sur papier coton. 80 x 122 cm. Collection de l'artiste. © Miguel Ángel Rojas. Photographie : Archives de l'artiste.
La dimension humaine de cette violence acquiert une intensité particulièrement douloureuse dans David (2004). L'œuvre naît de la rencontre de l'artiste avec un soldat mutilé par une mine antipersonnel et transforme le portrait individuel en une image à portée collective. Le corps blessé devient le témoignage des conséquences physiques et émotionnelles d'un conflit qui a laissé d'innombrables victimes. Il n'y a pas dans cette approche une volonté de spectaculaire la souffrance, mais de placer le spectateur face à la vulnérabilité d'une existence concrète. L'intimité du portrait acquiert ainsi une dimension politique, car le corps représenté contient aussi l'histoire d'une société marquée par la guerre.
« Le corps humain est le siège, le lieu sensible, le lieu du plaisir, de la douleur, des désirs, des phobies, de la conscience, de l'esprit », affirme Rojas. Cette conception traverse une grande partie de sa production et permet de comprendre le corps comme un espace où s'inscrivent les tensions culturelles, économiques et sociales. L'individu n'apparaît pas isolé, mais comme l'expression d'un contexte qui conditionne ses possibilités de liberté, ses relations et sa propre identité.
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