Trames organiques : L'œuvre créative autochtone précoloniale et contemporaine d'Abya Yala

Une oasis culturelle

S'aventurer dans la jungle de cafés spécialisés, de glaciers et de boutiques de créateurs des rues étroites et sinueuses du quartier gothique de Barcelone, l'après-midi du 18 septembre, relève du parcours du combattant pour éviter les obstacles et atteindre le numéro 14 de la rue Montcada. Il faut ajouter que, chose surprenante, entrer au Palau Nadal – qui abrite actuellement le Musée ethnologique et des cultures du monde (MUEC) – m'a rappelé pendant quelques instants le refrain d'une chanson pop évoquant une expérience quasi-tellurique vécue par un certain Iglesias (et ce n'est pas par pure publicité). Une véritable oasis culturelle, située dans le même quartier que la Fondation Picasso de Barcelone, où l'on fait la queue pendant des heures, et le Moco, musée néerlandais à l'ambiance plus chic, qui en est la filiale. Je recommande vivement aux lecteurs de Bonart digital de venir découvrir la nouvelle exposition temporaire du MUEC, « Trames. Œuvres traditionnelles et créations américaines contemporaines » , visible jusqu'au 24 avril 2026.

Une exposition collective, organisée par la conservatrice Estela Ocampo, réunit une sélection d'œuvres issues des collections américaines du musée et des créations contemporaines de six artistes amérindiens ou liés à ce territoire : Sebastiana Calfuqueo (femme transgenre de la communauté mapuche de Santiago du Chili, 1991), David Díaz Gonzales (peuple Shipibo-Konibo de Nuevo Saposoa, Pérou, 1992), Sara Flores (peuple Shipibo-Konibo de Tambo Mayo, Pérou, 1950), Sheroanawe Hakihiiwe (peuple Ianomami de Sheroana, Venezuela, 1971), Bernardo Oyarzún (Mapuche de Los Muermos, Chili, 1963) et Guadalupe Miles (Buenos Aires, 1971). Des artistes conscients de leur dichotomie entre le monde de l'art contemporain mondialisé (foires, galeries et institutions artistiques) et leur responsabilité essentialiste envers les priorités de leurs communautés d'origine.

• Vue du hall d'exposition.

Itinéraire et correspondance

Une fois les discours inauguraux prononcés, presque chaque recoin de l'espace d'exposition résonna d'une multitude de voix, émanant de groupes de personnes contemplant les œuvres exposées, accomplissant des rituels sociaux ou s'adonnant à des conversations privées avec les œuvres ou un public restreint. Au sein de cette effervescence à la fois intellectuelle et prosaïque, la visite se déploya à différents degrés de profondeur tout au long du parcours : de la salle d'entrée ornée de photographies et d'écrans de télévision, à la grande salle rectangulaire qui met en lumière la complicité entre les pièces patrimoniales du musée – qui occupent une grande partie de l'espace – et les œuvres contemporaines adjacentes (installées sur les murs), jusqu'à un autre espace, plus intime, où des bandeaux funéraires mayas sont exposés dans une vitrine, ainsi que deux œuvres de Bernardo Oyarzún.

Une installation pédagogique réussie, proposant un parcours visuel entre les pièces patrimoniales du musée et des œuvres d'art contemporaines – que j'ai pu immortaliser avec un cadrage approprié grâce à l'aide de Maria Benito, responsable de la salle, et d'Óscar Alvarado, professeur de photographie à l'école d'art Llotja. La disposition des œuvres traditionnelles dans cet espace suit un parcours de vitrines abritant des pièces en céramique (cruches et bols anthropomorphes), des métiers à tisser et des ustensiles, des vases, des ceintures, des textiles funéraires et des sacs précoloniaux et plus récents provenant des communautés autochtones de la côte centrale (Chancay) et du sud du Pérou (Nasca), des Mayas du Guatemala, des Mapuches du Chili, des Shipibo-Konibo du bassin du fleuve Ucayali (Pérou), des Yanomami du Haut-Orénoque (Venezuela) et des Witxí du nord de l'Argentine.

• Aperçu des photographies de Guadalupe Miles.

Toutes ces œuvres acquièrent une importance remarquable qui, loin d'une interprétation subalterne et coloniale, se distingue par sa dimension inspirante, matérielle et symbolique. Autrement dit, elles constituent le point de départ et le moteur de la créativité actuelle de nombreux artistes et artisans autochtones.

Transversalité et synergies

Bien que vieilles de plusieurs siècles, ces œuvres traditionnelles partagent un héritage ancestral et culturel avec tous les artistes autochtones contemporains, car elles combinent dans leur poétique la pratique artistique – issue de différents formats et registres artistiques occidentaux –, la diffusion des œuvres par des canaux et des mécanismes qui prédominent, l’enracinement d’une identité millénaire, la culture du soin, l’appréciation du territoire et la récupération et la réinterprétation des processus créatifs traditionnels.

Dans ce contexte, il convient de souligner les contributions des artistes mapuches chiliens Bernardo Oyarzún et Sebastiana Calfuqueo qui, à travers leurs installations, vidéos et performances vidéo, évoquent notamment des expériences personnelles, des visions du monde, des récits de vie et des pratiques textiles. Oyarzún présente son installation intitulée Anvers (2023), qui projette un tapis rouge au sol. De son côté, Calfuqueo, dans ses performances vidéo Gran cascada (2022) et Ésser líquid (2020), porte un regard critique sur les dynamiques culturelles et sociopolitiques qui entourent sa condition de femme trans, mapuche, commissaire d'exposition et artiste. Ces deux œuvres, inscrites dans un paysage paradisiaque, manifestent le pouvoir performatif de la nature comme un tout guérisseur, intégrateur et catalyseur pour toutes ses créatures.

• Sheroanawe Hakihiiwe. (2023). bouclier

Les œuvres de Sara Flores et Sheroanawe Hakiiwe réinterprètent les formes, les motifs et le savoir traditionnel des cultures Shipibo-konibo et Ianomami qui, de manière générale, tracent des lignes, des grilles, des motifs et des figures sur différents supports. Sara Flores, membre de la communauté Shipibo-konibo, relate dans un documentaire vidéo – projeté dans la salle d'accès – le lien spirituel entre le féminin et le savoir ancestral du kené, et la création d'un système complexe de motifs géométriques destinés à orner tissus et céramiques. Ces motifs, à la fois organiques et structurés, se retrouvent également dans les compositions de pigments végétaux sur tissu de coton sauvage de l'artiste – Sans titre (2023) – exposée dans la salle principale. Par ailleurs, Sheroanawe Hakihiiwe transmet cette structuration organisée en points et réticulations dans les œuvres Tela d'aranya trencada 1, 2, 3, 4 (2025), Escut (2023) et Palma pintada amb punts verds (2022). De plus, dans son court métrage d'animation En somnis el shaman está cantar – situé dans le hall –, il narre le pouvoir révélateur et augural des rêves pour la communauté et pour soi-même, interprétés par un chaman.

Guadalupes Miles est une artiste interdisciplinaire profondément liée aux communautés indigènes du Chaco. Ses projets artistiques et pédagogiques s'articulent autour de la création d'espaces de communication et de collaboration interculturelle. Dans le cadre de cette exposition, l'artiste présente une vidéo documentaire – située à l'entrée – ainsi qu'un reportage photographique sur la communauté Witxí du nord-ouest argentin. De ce travail ethnographique sont nées les œuvres Karina (2006), Tiluk (2012) et Hillü Wuk (2022), immortalisées par des photographies en couleur. Cette dernière œuvre fait partie du projet El rostro del holobiente , mené entre Santa Victoria Este II et Kassel (Allemagne), et présenté à la Documenta XV (2022).

• David Díaz. Des artisanes travaillant à la broderie.

L’œuvre photographique de David Díaz Gonzales répond à une volonté de constituer une archive de mémoire vivante sur les processus créatifs de la broderie et des motifs inspirés du kené, toujours réalisés par des artisanes, comme en témoigne la photographie « Artisans travaillant la broderie et confectionnant des couvertures aux motifs kené » . Dans son documentaire vidéo, l’artiste défend la photographie comme archive, objet de mémoire et moyen de diffusion pour la revendication de l’identité et la préservation de la culture des peuples autochtones. Dès lors, on comprend que la démarche de Díaz, qui consiste à collecter des conversations coutumières, des récits de vie, des réunions de famille, n’est pas une simple capture numérique et une reproduction figée dans le temps, comme s’il s’agissait d’un phénomène esthétisé.

Une fois ma visite au MUEC terminée, je réalise que, comme Alice de Lewis Carroll, j'ai été aspirée par une sorte de trou noir au sein même du musée. Mon esprit a été transporté dans une autre dimension spatio-temporelle et multisensorielle – faite de couleurs, de lumières, de tissus, de textures, de sons et de voix – jusqu'à ce que Maria Benito m'avertit que le musée a fermé ses portes pour un temps. Un signe avant-coureur d'une seconde visite.

• Vue du hall d'exposition.