Sergio García, muga guztiak hausten dituen marrazkilaria

Sergio Garcíak (Guadix, 1967) ilustrazioak, komikiak eta ikerketa grafikoak mugak gainditu dituen sormen askatasunarekin elkarrizketan diharduten ibilbide profesionala eraiki du. 2022an Ilustrazio Sari Nazionala irabazi zuen, eta nazioartean Espainiako artista ospetsuenetako bat da, The New Yorker , The New York Times, The Washington Post eta El País bezalako argitalpen garrantzitsuetan lan egin baitu. Bere unibertso bisuala proiektu handietan ere islatu da, hala nola Lola Moralekin, bere bizitzako eta sormen bikotekidearekin, Parisko metroan Olinpiar Jokoetarako sortutako instalazioan.

Hala ere, bere historia artistikoak lotura sakona mantentzen du Granadarekin, Granadako Unibertsitateko Arte Ederren Fakultateko Marrazketa Saileko irakasle gisa diharduen hiriarekin, artista belaunaldi berriei tutoretza emanez. Aurretik, Terrassan eman zituen urteek funtsezko etapa bat markatu zuten bere garapenean eta bere hizkuntza artistikoaren aurkikuntzan. Hasiera horietatik hasi eta bere sorkuntza enblematikoenetaraino, Lola Moralekin izandako elkarrizketa sortzailetik etorriko diren proiektuetaraino, Carles Toribiok Sergio Garcíarekin hitz egin du bonartentzat , marrazketa esperimentaziorako, istorioak kontatzeko eta ezagutzarako irekitako lurralde gisa ulertzen duen ibilbide bati buruz.

Carles Toribio. Egin dezagun bidaia bat denboran atzera, orainaldira. Nola hasi zen zure harremana marrazkiarekin eta ilustrazioarekin? Gogoratzen al duzu "Honi eskaini nahi diot neure burua" pentsatu zenuen une bat?

Sergio García. Istorio bitxia da. Nire gurasoak irakasleak ziren eta Terrassara bidali ninduten. Zortzi urtez bizi izan nintzen han, eta bertan egin nuen lehen hezkuntza osoa. Garai hartan, katalana debekatuta zegoen eskoletan, nahiz eta kalean hitz egiten zen. Nire gurasoek ikusi zuten kultur interes handia zegoela han eta katalana ikasi behar nuela uste zuten. Beraz, irakasle bat edukitzea antolatu zuten, eskolako lankide bat, beste irakasle batzuen seme-alabei katalana irakatsiko ziena.

Gainera, Cavall Fort- era harpidetu ninduten, eta niretzat egin zezaketen gauzarik onenetakoa izan zen. Han aurkitu nuen komiki eskola franko-belgikar osoa, Franquin bezalako egileekin eta garai hartan argitaratzen ari ziren beste klasiko handi batzuekin.

Franquin bezala marraztu nahi nuen. Hark nola marrazten zuen ikusi nuen eta, oso gaztea izan arren, ulertu nuen zerbait magikoa zegoela marrazteko eta errealitatea irudikatzeko zuen moduan.

Coca-Cola lata bat ikusten nuen, eta bere marrazkietan, lata hori berak imajinatu zuen bezalakoa zen. Dena bat zetorren bere estiloarekin. Nolabait, nik jada ulertzen nuen estiloaren kontzeptua eta gauza bera egin nahi nuen: nire burua adierazteko nire hizkuntza propioa sortu.

Franquin kopiatzen hasi nintzen eta, pixkanaka, eboluzionatzen joan nintzen. Geroago, Moebius eta beste hainbat komikigile aurkitu nituen, baita XX. mendeko abangoardiako artista eta sortzaile garaikideak ere. Erreferentzia horiek guztiek eragin eta ezagutza geruzak gehitu zizkioten nire lanari.

Nola aldatu da zure marrazketa estiloa hasierako lan horietatik gaur egunera arte?

SG Hain zuzen ere bidaia horregatik eta etengabeko bilaketa horregatik, etengabeko eboluzioan dagoen marrazkilaritzat hartzen dut neure burua.

Komiki eta ilustrazioaren munduan, artista askok beren burua definitzen duen eta lan egin dezaketen estilo sendo bat sortzen saiatzen dira. Adibide paradigmatikoena Hergé izango litzateke, Tintinen atzean dagoen artista, estilo oso findua garatu eta lerro garbiaren kontzeptua sortu zuena.

Ikuspegi horrek, ordea, ez nau hainbeste interesatzen. Granadako Unibertsitateko Marrazketa Saileko irakaslea eta zuzendaria naiz, eta bertan ilustrazioa eta komikiak irakasten ditut. Lerroaren bilakaera eta tratamendua ikertzen ari naiz etengabe, baita marrazkiak narrazio tresna gisa dituen aukerak ere.

Ikerketa-lerroak ere garatzen ditut narrazio multilinealarekin, historiaren lurraldeekin eta formatu zabalduarekin lotutakoak. Kontzeptu hauek tipula baten geruzak bezala txertatzen dira nire lanean.

• America 250, The Washington Post egunkarirako serie berezia.

Zure estiloa aldatzen al da denborarekin?

Sergio García. Nire estiloa etengabe aldatzen ari da. Franquinen marrazketa estiloa haurren moduan imitatuz hasi nintzen, eta denborarekin, interesgarriagoa eta koherenteagoa iruditzen zaidan hizkuntza bat garatu dut, XX. mende hasierako abangoardiako mugimenduen pentsamenduarekin estuki lotuta dagoena, espazioak irudikatzeko moduekin, hierarkia bisualekin eta marrazki primitiboaren edo tradizionalki haurren marrazkia deitu izan denaren eraginarekin errealitatearen irudikapenean.

Nire lana asko aldatu da urteetan zehar, gaur egun erabiltzen dudan estilo findura iritsi arte.

Sergio García eta Lola Moral, Lola Moral eta Sergio García. Bizitza eta proiektu profesionalak partekatzen dituzue. Nola hasi zen zuen lankidetza eta nola eboluzionatu du bikotekideak urteetan zehar?

SG Unibertsitatera sartzeko azterketan ezagutu genuen elkar eta ordutik elkarrekin gaude. Hasieran, Lolak ez zuen komikietan edo ilustrazioan interes handirik. Arte zaharberritzean espezializatu zen eta arte instalazioa ere ikasi zuen unibertsitatean.

Pixkanaka, kolorearen ardura har zezan konbentzitu nuen. Oso ona naiz orbanekin, kontrasteekin eta kolore-eremuekin lan egiten, baina ez dut behar bezainbesteko trebetasunik horiek aukeratzeko.

Bera, berriz, guztiz maisua da. Dohain naturala du, ezagutzaren eta ikasketaren emaitza ere bai, eta badaki nola lan egin kolorearekin eta nola erlazionatu harekin.

Pixkanaka, gure proiektuetan lankidetzan aritzea onartu zuen, eta betiko eskertuko diot zerbait. Gaur egun, gure lanaren funtsezko atala da. Adibidez, The New Yorkerrentzat egiten ditugun ilustrazioak pentsaezinak dira haren ekarpenik gabe.

Uste dut lanbide honetan, artearen munduan bezala, eskuzabala izan behar dela eta ulertu behar dela indibidualismoa akats bat dela. Kontuan hartu, adibidez, Jeff Koons bezalako artistak: kontzeptua berea izan daiteke, baina jende askok parte hartzen du lanaren gauzatzean, eta haien ekarpenak aitortza merezi dute.

Dena figura bakar baten inguruan pertsonalizatzeko joera dugu, baina nik askoz gehiago sinesten dut talde-lanean. Lolak erantzukizun handia du azken emaitzan, baina baita arte-zuzendariek, editoreek eta prozesuan parte hartzen duten beste profesionalek ere. Uste dut ekarpen horiek guztiak baloratu behar ditugula.

Marrazketa ez da irudi bat irudikatzera mugatzen; narrazioak eraikitzeko eta elementuen arteko harremanak ezartzeko aukera ere ematen du. Horrela ulertzen al duzu zure lana?

SG Bai. Nire kasuan, pixka bat arraroa naiz sormen munduan. Beste lankideek baino denbora gehiago eman diezaioket pieza bati, askotan egun batetik bestera iristen zaizkidan enkarguei erantzun behar baitiete.

Normalean ez dut horrela lan egiten. Hausnarketarako denbora ematen didaten piezak garatzea nahiago dut. Editoreek badakite hori, eta horregatik deitzen didate, hain zuzen ere, bi edo hiru aste izan ditzakedan proiektuetarako, zer egin nahi dudan pentsatzeko.

Gai bati buruz lan egin behar dudanean, lehenengo egiten dudana aztertzea da. Beti defendatu izan dut, baita nire klaseetan ere, marrazketa ezagutza dela.

Marrazketa gizakiek ezagutzara hurbiltzeko moduetako bat da, irudikapen grafikoaren bidez. Horregatik saiatzen naiz marraztu behar dudana ulertzen eta barneratzen. Ulertzen dudanean bakarrik sentitzen naiz prest ilustrazio bat sortzeko.

Prozesua ikerketarekin, irakurketarekin eta gaia ulertzearekin hasten da. Adibidez, Putini buruzko azal bat egiteko enkargua ematen badidate El País egunkarirako, ez da nahikoa haren karikatura azaleko bat sortzea. Nor den, nondik datorren eta zer ordezkatzen duen ulertzen saiatzen naiz. Hortik abiatuta, askotan metafora bisual bat bilatzen dut irudikapena osatzeko.

Kasu horretan, Egiptoko hileta-maskara bat erabili nuen erreferentzia gisa, Egiptoko irudikapenaren izaera hieratikoa dela eta. Irudiarekin lotzen nuen hotztasun eta giza adierazpen falta sentsazio hori transmititzea interesatzen zitzaidan.

Horrela sortzen dira loturak eta harremanak, eta hortik ateratzen dira ilustrazioak.

• Sergio Garcíak eta Lola Moralek 2024ko Parisko Olinpiar Jokoetarako egindako Belaunaldien artelana.

Hainbat azal egin dituzu The New Yorker aldizkarirako. Nola sortu zen lankidetza hori, eta zein da aldizkarirako azal bat sortzeko prozesua?

SG Orain arte hamabi azal egin ditut eta hamahirugarrena, dagoeneko onartuta dagoena, laster argitaratuko da.

Azal bat lortzeko modu desberdinak daude. Ilustratzaile talde moduko bat bezala funtzionatzen dugu, eta haien nortasuna Françoise Mouly arte zuzendariarentzat eta aldizkariaren zuzendaritzarentzat ezaguna da. Ez dakit zehazki zenbat kolaboratzaile diren talde horretako kide.

Urtero etxean agenda urdin eder bat jasotzen dugu, eta bertan, oro har, aldizkariak jorratzeko asmoa duen gaia zerrendatzen da. Hortik abiatuta, ideia berriak sortzen dira urtean zehar. Istripu edo gertakari bereziki harrigarriren bat gertatzen bada, horrekin lotutako ilustrazio bat sortzeko aukera sor daiteke. Hala ere, normalean aldez aurretik lan egiten dute eta ez dituzte uneko gertaerak lantzen, oso gutxitan izan ezik.

Batzuetan ideien zerrenda duen mezu elektroniko bat jasotzen duzu. Beste batzuetan, zuk ateratzen duzu gaia. Ez da beste edozein argitalpenetik jasoko zenukeen ohiko lana: El Paísen , adibidez, normalean artikulu zehatz bat eskatzen dute; The New Yorkerren , berriz, askoz ekimen handiagoa duzu ideiak proposatzeko.

• The New Yorker aldizkariaren 96. urteurrenaren azal oroigarria, 2021eko otsaila.

Nola sortu zen Knicks taldeari eskainitako New Yorker aldizkariaren azalaren ideia, eta nolakoa izan zen sormen prozesua?

SG Saskibaloiari buruzko azala oso espontaneoa sortu zen. Bazkaldu berri genuen, eta normalean telebista ikusten ez dudan arren, egun hartan albisteak ikusten ari nintzen. Kirol atalean, komentatzaileak azken segundoan saskiratze bat sartu zela iragarri zuen. Une horretan, ideia bururatu zitzaidan.

Oraindik argitaratu gabeko kirol azal baten bila nenbilen, eta eszena horrek primeran funtziona zezakeela iruditu zitzaidan.

Jatorrizko bertsioan, emaitza zeroan berdinduta zegoen. Hala ere, aldizkariaren editoreek, saskibaloi zale amorratuak direnek, Knicksek irabaztea nahi zuten eta markagailua aldatu zuten puntu bat edo biko aldearekin aurreratuta zihoazela zirudien, saskia sartu edo ez kontuan hartu gabe.

Ez dut uste inork azal bat hain arretaz aztertzen duenik The New Yorker- eko taldeak bezala. Hainbeste jende dago xehetasun guztiei erreparatzen, badakitelako milioika ikuslek ikusiko dutela.

• Aurrera tiraka, Sergio García-ren eskutik, The New Yorker-en, 2023ko martxoan.

Ba al dago desberdintasunik Amerikako eta Europako ilustrazio editorialaren artean, batez ere frantsesaren edo espainiaren artean?

SG Argitalpen bakoitzaren araberakoa da asko. Estatu Batuetan ere alde nabarmenak daude.

Adibidez, Washington Post-ekin , urtebeteko serie bat egin genuen, America 150 izenekoa, Amerikako independentziari buruzko artikulu hausnarkorretan oinarrituta. Artikulu kritikoak ziren, oro har oso ondo idatziak, Iraultza Gerra bezalako gaiak jorratzen zituztenak.

Proiektu horretan, askatasun handia izan genuen marrazkia komunikazio tresna gisa erabiltzeko. Prentsarentzat lan egiten duzunean, ziurtatu behar duzu marrazkiak komunikatzen duela.

The New Yorker- en, berriz, esperimentazioa zertxobait mugatuagoa da. Argitalpen bakoitzak bere kodeak eta lan egiteko modua ditu, eta horietara egokitu behar duzu argitaratu nahi baduzu.

Galeria batean lan egitea bezala da: badakizu zein den bere profila eta zein artista eta lan mota egokitzen diren bere ikuspegiarekin. Artistarentzat askatasun handia dago, baina baita ere galeriak ordezkatzen dituen artisten artean mantendu behar duen oreka bat.

Antzeko zerbait gertatzen da ilustrazio editorialarekin. Zure hizkuntza propioa duzu, zeure burua adierazteko eta grafikoa eta narrazioa artikulatzeko zure modua, baina euskarri bakoitzera egokitu behar dituzu.

Gakoa enkargu bakoitzak ahalbidetzen duen esperimentazio mailan datza. Nire kasuan, esperimentazioa nahiko altua izan ohi da. Cayón galeriarako sortzen ditudan piezetan, adibidez, ia ez dut mugarik eta askatasun osoz lan egin dezaket, azken helburua ez baita nahitaez informazioa komunikatzea, baizik eta bezeroarentzat interesgarria izango den elementu grafiko bat sortzea.

• America 250, The Washington Post egunkarirako serie berezia.

Ilustrazioak gero eta leku gehiago hartzen ari da museo eta arte zentroetan. Uste duzu azkenean bere lekua aurkitu duela erakunde hauetan?

SG Bai. Gertatzen dena da, argitalpen formatua alde batera uzten duzunean, lana ez dela ilustrazio izatea zentzu hertsian. Kontzeptualki, gainazal jakin batean egindako marrazki bihurtzen da.

Lehenik eta behin, ilustratzailea naiz. Beste edozerren gainetik, marrazketa tresna ezinbesteko gisa defendatzen dut. Ilustratzailea baino ezin naiz izan: ilustratzailea naiz irakasten dudanean, ilustrazioa egiten dudanean eta galeria batean lan egiten dudanean.

Azken arlo honetan, formatu askotarikoekin lan egiten dut, batzuetan mihise gainean eta beste batzuetan paperean. Gaur egun, adibidez, paperean lanak garatzen ari gara.

Egia da hizkuntza hauek normalizatuago bihurtu direla artearen munduan. Lehen ez ziren hain onartuak, baina uste dut kultura herrikoiak, komunikazio modu desberdinen eta sare sozialen bidez, lagundu duela museo handietara eramaten.

Gero eta adibide gehiago aurkitzen ari gara Reina Sofía Museoan edo MoMAn bezalako erakundeetan. Los Angeleseko LACMAn ere egon ginen, George Lucasekin batera gonbidatu gintuzten, Lucas Arte Narratiboko Museorako lanak eskuratu baitzituen.

Bertan ilustrazioaren mundutik datozen eta haien lana arte garaikideko museo batean erakusgai dagoen ilustratzaileak aurki ditzakezu, inolako arazorik edo trabarik gabe. Uste dut normalizazioa oso positiboa dela.

• 'Eraikitzen duen lerroa', Sergio Garcíaren erakusketa bat, 2025eko apiriletik maiatzera bitartean Madrilgo Cayón Galerian.

Urteak daramatzazu irakasten. Aldatu al da ikasleek marrazkiarekin eta irudiekin duten harremana?

SG Bai, behintzat nire fakultatean, Granadako Arte Ederren Fakultatean. Ikasle nintzela, irakasle batzuek errieta egin zidaten komikiak marrazten edo ilustrazioak egiten ari nintzela. Esan zidaten figura txikiak marrazteari uzteko eta gauza serioei ekiteko.

Orain, ordea, hizkuntza hauek guztiz onartuak eta estandarizatuak dira.

Ilustrazio, komiki eta komiki esperimentaleko klaseetan ikasle asko ditut. Batzuek ibilbide bikainak izan dituzte, eta noizean behin iradoki diet haien lana formatu handi baterako egokiagoa izan daitekeela ilustrazio txiki baterako baino.

Pixkanaka, museoetan eta arte-galerietan ikusten dugun ikuspegi bera hartzen ari da hezkuntza-erakundeetan ere. Gero eta gehiago onartzen ari da komiki-egileek beren lana beste formatu eta sormen-eremu batzuetan garatu dezaketela.

Gaur egungo arazoetako bat adimen artifiziala da. Nola baloratzen duzu eraldaketa hau, eta zer ondorio uste duzu izan ditzakeela sorkuntza artistikoan?

SG Nire pertzepzioa aldatu egin da urteetan zehar. Adimen artifizialeko irakasleak diren lagun onak ditut, eta gaia sakonki eztabaidatu dugu. Elkarri lotutako arazo asko eta interpretazio maila desberdinak daude, bai sorkuntzaren bai argitalpenaren ikuspegitik.

Baina artearen kontsumoan zentratu nahi nuke. Galdera bat planteatzen dut: gonbidapen baten bidez, edo etorkizunean ere horrela formulatu beharrik gabe, adimen artifizial batekin elkarrizketan aritu eta denbora errealean artea sortzeko eska diezaiokezu, zer gertatzen da esperientzia kulturalarekin?

Imajinatu telesail baten jarraitzaile amorratua naizela eta ez nagoela film bakarrarekin konformatzen; adimen artifizialak etengabe bertsio eta aldaera berriak sortzea nahi dut. Teknologiak laster egin ahal izango du hori, eta ekoizpen horiek banan-banan kontsumitu ahal izango ditut etxean.

Une horretan, kultura esperientzia partekatu gisa desagertzeko arriskuan dago. Hori da, niretzat, arazo nagusia.

Adimen artifizialak bultzatutako sorkuntzak paradigma osoa alda lezake. Kultura gisa ulertzen duguna entitate kolektibo izatetik esperientzia guztiz indibidual izatera alda liteke. Hau dramatikoa da, zalantzarik gabe ekoizpen interesgarriak eta beste batzuk ez hain interesgarriak izango diren arren, asko esparru pribatuan mugatuta geratuko baitira eta ez dira inoiz partekatuko.

Uste dut arazo oso larria dela. Horregatik, oraintxe bertan, adimen artifizialaren aurka nago oso, nahiz eta aitortzen dudan aukera interesgarri batzuk eskain ditzakeela eta harekin ondo lan egiten duten egileak daudela.

Azkenik, orainaldiaz eta zuen lanaren bilakaeraz hitz egin dugu, baina ba al dago zuk eta Lolak etorkizunean garatu nahi duzuen proiekturik, denbora, aurrekontua edo formatua edozein dela ere?

SG Une honetan dagoeneko errealitate den proiektu batean ari gara lanean: Alhambrako Enperatrizaren Aretoan erakusketa bat, non biok luxua museo espazio baterako sormen arlo gisa ulertuta landuko dugun.

Pandemia garaian esku-hartze hibrido txiki bat egin genuen jada eremu honetan, Granadako Arrabal izeneko gela txiki batean. Orain proiektua eskala handiagoan jorratu nahi dugu.

Alhambrako espazio oso zehatz batean esku hartuko dugu eta bertako flora eta faunari buruzko hausnarketa bat garatuko dugu marrazki eta pintura garaikidearen bidez, eta ziurrenik zeramikaz ere bai.

Lola artista multidiziplinarra da: zeramikaz, bordatuz, marrazkiz eta kolorez lan egiten du. Nik, berriz, batez ere marrazketari eskaintzen diot neure burua. Gure hizkuntza artistikoen konbinazioa udaberrirako aurreikusitako erakusketan gauzatuko da, nahiz eta oraindik ez dugun data baieztatu.

Gure bideak norabide horretan jarraitzea nahiko nuke, gero eta proiektu hibrido eta alternatiboagoak garatuz, ez argi eta garbi editorialak ezta azalpen hutsak ere. Eroso sentitzen naiz lurralde horretan.

Gogoratzen dut behin betiko lanpostua lortu nuenean, jendeak esaten zidala ez zekitela ilustratzailea edo komikigilea nintzen. Barregarria da, Ilustrazio Sari Nazionala jaso bainuen, garai hartan, batez ere komikietan lanean ari nintzela.

Gure ibilbidea beti izan da neurri batean ezohikoa, mugan kokatua, ertzean, diziplina ezberdinen arteko mugan. Eta hor jarraitu nahi dugu, egiten duguna argitalpena edo artea den zehaztea erraza ez den espazio anbiguo horretan.

Azken finean, marraztea da. Eta horixe da, hain zuzen ere, egiten jarraitu nahi duguna.

• María de Sergio García, 2023, Cayón galeria.

Lola Moralek Gráfic Jaialdian parte hartzen du

Grafiko Jaialdiaren hirugarren edizioak, arte grafikoaren eta paper gaineko artearen sorkuntza eta hedapenari eskainia, bere programa "Paper Sinkronoa" erakusketarekin irekiko du, Lola Moral eta Belén Mazuecosen pinturak, marrazkiak eta paperezko eskulturak biltzen dituen erakusketa batekin, Bettinna Geisselmann artista gonbidatuaren parte-hartzearekin. 2026ko urriaren 14an, 18:30ean, irekiko den erakusketa Granadako Arkitektura Goi Eskola Teknikoko erakusketa aretoan izango da. Erakusketa honek paperaren adierazpen aukerak aztertzen ditu diziplina eta hizkuntza artistiko desberdinetatik, eta Lola Moralen lana ezagutzeko aukera ere eskaintzen du, Sergio Garcíarekin batera sormen ibilbidea garatu duen artista batena, harekin ilustrazioaren eta sorkuntza bisualaren arloan ikerketak eta proiektuak partekatzen dituena.

• Lola Moral Granadako Grafiko Jaialdian 'Papel sinkrono' lanarekin.