Sergio García, o cartunista que rompe todas as barreiras.

Sergio García (Guadix, 1967) construiu uma carreira na qual a ilustração, os quadrinhos e a pesquisa gráfica dialogam com uma liberdade criativa que transcende fronteiras. Premiado com o Prêmio Nacional de Ilustração em 2022, ele é um dos artistas espanhóis de maior renome internacional, com trabalhos publicados em veículos de prestígio como The New Yorker , The New York Times, The Washington Post e El País . Seu universo visual também se expressa em projetos de grande escala, como a instalação que criou com Lola Moral, sua companheira de vida e criativa, no metrô de Paris para os Jogos Olímpicos.

Sua trajetória artística, no entanto, mantém uma profunda ligação com Granada, cidade onde leciona no Departamento de Desenho da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Granada, orientando novas gerações de artistas. Anteriormente, seus anos em Terrassa marcaram uma etapa fundamental em seu desenvolvimento e na descoberta de sua própria linguagem artística. Daqueles primórdios às suas criações mais emblemáticas, do diálogo criativo com Lola Moral aos projetos futuros, Carles Toribio conversa com Sergio García para a bonart sobre uma carreira que compreende o desenho como um território aberto à experimentação, à narrativa e ao conhecimento.

Carles Toribio. Vamos fazer uma viagem no tempo até o presente. Como começou sua relação com o desenho e a ilustração? Você se lembra de um momento em que pensou: "Quero me dedicar a isso"?

Sergio García. É uma história curiosa. Meus pais eram professores e foram designados para Terrassa. Morei lá por oito anos, onde completei todo o meu ensino fundamental. Naquela época, o catalão era proibido nas escolas, embora fosse falado nas ruas. Meus pais perceberam que havia um grande interesse cultural pela língua e acharam que eu deveria aprendê-la. Então, eles providenciaram para que eu tivesse um professor, um colega deles da época da escola, que ensinava catalão aos filhos de outros professores.

Além disso, eles me inscreveram na revista Cavall Fort , e foi uma das melhores coisas que poderiam ter feito por mim. Lá descobri toda a escola franco-belga de quadrinhos, com autores como Franquin e outros grandes clássicos que estavam sendo publicados naquela época.

Eu queria desenhar como Franquin. Eu observava como ele desenhava e, mesmo sendo muito jovem, entendia que havia algo de mágico em sua maneira de abordar o desenho e representar a realidade.

Eu via uma lata de Coca-Cola e, em seus desenhos, aquela lata era exatamente como ele a imaginava. Tudo era coerente com seu estilo. De certa forma, eu já entendia o conceito de estilo e queria fazer o mesmo: criar minha própria linguagem para me expressar.

Comecei copiando Franquin e, aos poucos, fui evoluindo. Mais tarde, descobri Moebius e muitos outros cartunistas, assim como artistas contemporâneos e criadores da vanguarda do século XX. Todas essas referências acrescentaram camadas de influência e conhecimento ao meu trabalho.

Como seu estilo de desenho mudou desde seus primeiros trabalhos até os dias atuais?

SG Precisamente por causa dessa jornada e da busca constante, considero-me um desenhista em contínua evolução.

No mundo dos quadrinhos e da ilustração, muitos artistas se esforçam para criar um estilo consolidado que os defina e com o qual possam trabalhar. O exemplo mais paradigmático seria Hergé, o artista por trás de Tintim, que desenvolveu um estilo altamente refinado e criou o conceito de linha clara.

Essa abordagem, no entanto, não me interessa tanto. Sou professor e chefe do Departamento de Desenho da Universidade de Granada, onde leciono ilustração e quadrinhos. Estou constantemente pesquisando a evolução e o tratamento da linha, bem como as possibilidades do desenho como ferramenta narrativa.

Também desenvolvo linhas de pesquisa relacionadas à narrativa multilinear, aos territórios da história e ao formato expandido. Esses são conceitos que se incorporam ao meu trabalho como camadas de uma cebola.

• América 250, série especial para o The Washington Post.

Seu estilo muda com o tempo?

Sergio García. Meu estilo está em constante mudança. Comecei imitando, de forma infantil, o estilo de desenho de Franquin e, com o tempo, desenvolvi uma linguagem que considero mais interessante e coerente, intimamente ligada ao pensamento dos movimentos de vanguarda do início do século XX, com suas formas de representar espaços, hierarquias visuais e a influência do desenho primitivo, ou o que tradicionalmente se chama de desenho infantil, na representação da realidade.

Meu trabalho mudou muito ao longo dos anos, até chegar ao estilo refinado que uso hoje.

Sergio García e Lola Moral, Lola Moral e Sergio García. Vocês compartilham a vida e projetos profissionais. Como começou a colaboração de vocês e como essa parceria evoluiu ao longo dos anos?

SG Nos conhecemos no vestibular e estamos juntos desde então. No início, Lola não tinha muito interesse em quadrinhos ou ilustração. Ela se especializou em restauração de arte e também estudou instalação artística na universidade.

Aos poucos, eu a convenci a assumir o controle da cor. Sou boa em trabalhar com manchas, contrastes e áreas de cor, mas não tenho tanta habilidade quanto deveria para escolhê-las.

Ela, por outro lado, é absolutamente magistral. Possui um talento natural, fruto também de conhecimento e estudo, e sabe trabalhar com cores e se relacionar com elas.

Aos poucos, ela concordou em colaborar em nossos projetos, algo pelo qual serei eternamente grato. Hoje, ela é parte fundamental do nosso trabalho. Por exemplo, as ilustrações que fazemos para a revista The New Yorker seriam inconcebíveis sem a contribuição dela.

Acredito que nesta profissão, assim como no mundo da arte, é preciso ser generoso e compreender que o individualismo é um erro. Considere, por exemplo, artistas como Jeff Koons: o conceito pode ser dele, mas muitas pessoas participam da execução da obra, e suas contribuições merecem reconhecimento.

Temos a tendência de personalizar tudo em torno de uma única figura, mas acredito muito mais no trabalho em equipe. Lola tem uma enorme responsabilidade pelo resultado final, mas o mesmo se aplica aos diretores de arte, editores e outros profissionais envolvidos no processo. Acho que devemos valorizar todas essas contribuições.

O desenho não se limita a representar uma imagem; ele também permite construir narrativas e estabelecer relações entre elementos. É assim que você entende seu trabalho?

SG Sim. No meu caso, sou um pouco excêntrico no mundo criativo. Posso me dar ao luxo de investir muito mais tempo em uma obra do que outros colegas, que muitas vezes têm que responder a encomendas que chegam de um dia para o outro.

Normalmente não trabalho dessa forma. Prefiro desenvolver peças que me permitam tempo para reflexão. Os editores já sabem disso, e é justamente por isso que me chamam para projetos em que posso ter duas ou três semanas para pensar no que quero fazer.

Quando tenho que trabalhar em um assunto, a primeira coisa que faço é estudá-lo. Sempre defendi, inclusive em minhas aulas, que o desenho é conhecimento.

O desenho é uma das formas pelas quais os seres humanos acessam o conhecimento por meio da representação gráfica. É por isso que tento compreender e internalizar o que preciso desenhar. Somente quando compreendo é que me sinto pronto para criar uma ilustração.

O processo começa com pesquisa, leitura e compreensão do tema. Por exemplo, se me encomendam uma capa sobre Putin para o El País , não me basta criar uma caricatura superficial dele. Procuro entender quem ele é, de onde vem e o que representa. A partir daí, costumo buscar uma metáfora visual que complemente a representação.

Nesse caso, usei uma máscara funerária egípcia como referência, devido à natureza hierática da representação egípcia. Eu tinha interesse em transmitir aquela sensação de frieza e falta de expressão humana que associei à figura.

É assim que se criam conexões e relacionamentos, e é a partir daí que surgem as ilustrações.

• Obra de arte "Generations" de Sergio García e Lola Moral para os Jogos Olímpicos de Paris 2024.

Você já fez várias capas para a The New Yorker . Como surgiu essa colaboração e qual é o processo de criação de uma capa para a revista?

SG Até agora, fiz doze capas e a décima terceira, que já foi aprovada, será publicada em breve.

Existem diferentes maneiras de conseguir uma capa. Nós funcionamos como uma espécie de grupo de ilustradores cujas identidades são conhecidas pela diretora de arte, Françoise Mouly, juntamente com a direção da revista. Não sei exatamente quantos colaboradores fazem parte desse grupo.

Todos os anos recebemos em casa uma linda agenda azul que lista, em linhas gerais, os temas que a revista pretende abordar. A partir daí, novas ideias surgem ao longo do ano. Se ocorrer um acidente ou um evento particularmente chocante, pode surgir a possibilidade de criar uma ilustração relacionada a ele. No entanto, geralmente trabalham com bastante antecedência e não costumam abordar eventos atuais, exceto em raras ocasiões.

Às vezes você recebe um e-mail com uma lista de ideias. Outras vezes, é você quem levanta o tema. Não é o tipo de tarefa que você receberia de qualquer outra publicação: no El País , por exemplo, geralmente pedem um texto específico; no The New Yorker , por outro lado, você tem muito mais iniciativa para propor ideias.

• Capa comemorativa do 96º aniversário da revista The New Yorker, fevereiro de 2021.

Como surgiu a ideia da capa da revista New Yorker dedicada aos Knicks, e como foi o processo criativo?

SG A capa relacionada ao basquete surgiu de forma muito espontânea. Tínhamos acabado de almoçar e, embora eu normalmente não assista televisão, naquele dia estava assistindo ao noticiário. Durante o segmento esportivo, o comentarista anunciou que uma cesta havia sido marcada no último segundo. Naquele momento, a ideia me ocorreu.

Eu estava procurando uma capa de revista esportiva que ainda não tivesse sido publicada, e achei que aquela cena poderia funcionar perfeitamente.

Na versão original, o placar estava empatado em zero. No entanto, os editores da revista, que são grandes fãs de basquete, queriam que os Knicks vencessem e alteraram o placar para que parecesse que eles estavam na frente por um ou dois pontos, independentemente de a cesta ter entrado ou não.

Acho que ninguém examina uma capa com tanta atenção quanto a equipe da The New Yorker . Há muita gente prestando atenção a cada detalhe porque sabem que ela será vista por milhões de pessoas.

• "Avançando", por Sergio García, The New Yorker, março de 2023.

Existem diferenças entre a ilustração editorial americana e a europeia, especialmente a francesa ou a espanhola?

SG: Depende muito de cada publicação. Mesmo dentro dos Estados Unidos, existem diferenças significativas.

Com o Washington Post , por exemplo, fizemos uma série de um ano chamada "América 150" , baseada em artigos ponderados sobre a independência americana. Eram artigos críticos, geralmente muito bem escritos, que abordavam temas como a Guerra da Independência.

Nesse projeto, tivemos muita liberdade para trabalhar com o desenho como ferramenta de comunicação. Quando se trabalha para a imprensa, é preciso garantir que o desenho comunique a mensagem.

Já na revista The New Yorker , a experimentação é um pouco mais limitada. Cada publicação tem seus próprios códigos e modo de trabalho, e é preciso se adaptar a eles para ser publicado.

É como trabalhar para uma galeria: você conhece o perfil dela e que tipo de artistas e obras se encaixam na sua visão. Há muita liberdade para o artista, mas também existe um equilíbrio que a galeria deve manter entre os artistas que representa.

Algo semelhante acontece com a ilustração editorial. Você tem sua própria linguagem, sua própria maneira de se expressar e articular o gráfico e a narrativa, mas precisa adaptá-los a cada meio.

A chave está no grau de experimentação que cada encomenda permite. No meu caso, a experimentação costuma ser bastante elevada. Nas peças que crio para a galeria Cayón, por exemplo, não tenho praticamente limites e posso trabalhar com total liberdade, porque o objetivo final não é necessariamente comunicar informações, mas sim criar um elemento gráfico que seja do interesse do cliente.

• América 250, série especial para o The Washington Post.

A ilustração vem ganhando espaço em museus e centros de arte. Você acha que ela finalmente encontrou seu lugar nessas instituições?

SG Sim. O que acontece é que, ao abandonar o formato de publicação, a obra deixa de ser ilustração em sentido estrito. Conceitualmente, torna-se um desenho feito sobre uma superfície específica.

Antes de mais nada, sou ilustrador. Acima de tudo, defendo o desenho como uma ferramenta essencial. Não posso ser outra coisa senão ilustrador: sou ilustrador quando ensino, quando ilustro e quando trabalho para uma galeria.

Nesta última área, trabalho com diversos formatos, às vezes em tela e outras vezes em papel. Atualmente, por exemplo, estamos desenvolvendo trabalhos em papel.

É verdade que essas linguagens se tornaram mais comuns no mundo da arte. Antes eram menos aceitas, mas acredito que a cultura popular, por meio de diferentes formas de comunicação e mídias sociais, ajudou a trazê-las para os principais museus.

Estamos encontrando cada vez mais exemplos em instituições como o Museu Reina Sofía ou o MoMA. Também estivemos no LACMA, em Los Angeles, para onde fomos convidados em conexão com George Lucas, que havia adquirido obras para o Museu Lucas de Arte Narrativa.

Ali você pode encontrar ilustradores que vêm do mundo da ilustração e cujo trabalho é exposto em um museu de arte contemporânea sem quaisquer problemas ou dificuldades. Acho que essa normalização é muito positiva.

• 'A linha que constrói', uma exposição de Sergio García de abril a maio de 2025 na Galeria Cayón em Madrid.

Você leciona há anos. A relação dos alunos com o desenho e as imagens mudou?

SG Sim, pelo menos na minha faculdade, a Faculdade de Belas Artes de Granada. Quando eu era estudante, alguns professores me repreenderam por desenhar quadrinhos ou fazer ilustrações. Disseram-me para parar de desenhar bonequinhos e me dedicar a coisas sérias.

Agora, porém, essas línguas são totalmente aceitas e padronizadas.

Tenho muitos alunos nas minhas aulas de ilustração, quadrinhos e quadrinhos experimentais. Alguns seguiram carreiras magníficas, e até já sugeri a eles, em algumas ocasiões, que seus trabalhos poderiam ser mais adequados a um formato grande do que a uma ilustração pequena.

Gradualmente, a mesma abordagem que vemos em museus e galerias de arte está sendo adotada em instituições de ensino. Está se tornando cada vez mais aceito que artistas de quadrinhos podem desenvolver seu trabalho em outros formatos e campos criativos.

Uma das questões atuais é a inteligência artificial. Como você avalia essa transformação e quais consequências você acha que ela pode ter para a criação artística?

SG Minha percepção mudou ao longo dos anos. Tenho bons amigos que são professores de inteligência artificial e debatemos bastante sobre o assunto. Existem muitos problemas interligados e diferentes níveis de interpretação, tanto da perspectiva da criação quanto da publicação.

Mas eu gostaria de me concentrar no consumo de arte. Proponho uma questão: se, por meio de um comando , ou mesmo no futuro sem precisar formular a pergunta dessa maneira, você puder dialogar com uma inteligência artificial e pedir que ela gere arte em tempo real, o que acontecerá com a experiência cultural?

Imagine que sou um grande fã de uma série de TV e não me contento com apenas um filme; quero que a inteligência artificial gere continuamente novas versões e variações. A tecnologia será capaz de fazer isso muito em breve, e poderei consumir essas produções individualmente, em casa.

Nesse ponto, a cultura corre o risco de desaparecer como experiência compartilhada. Esse, para mim, é o principal problema.

A criação impulsionada por inteligência artificial pode mudar todo o paradigma. O que entendemos por cultura pode deixar de ser uma entidade coletiva para se tornar uma experiência completamente individual. Isso é dramático, porque, embora certamente haverá produções interessantes e outras nem tanto, muitas permanecerão confinadas à esfera privada e jamais serão compartilhadas.

Acho que é um problema muito sério. É por isso que, neste momento, sou muito contra a inteligência artificial, embora reconheça que ela pode oferecer algumas possibilidades interessantes e que existem autores que trabalham bem com ela.

Por fim, falamos sobre o presente e a evolução do seu trabalho, mas existe algum projeto que você e Lola gostariam de desenvolver no futuro, independentemente do tempo, orçamento ou formato?

SG No momento, estamos trabalhando em um projeto que já é realidade: uma exposição no Salão da Imperatriz, na Alhambra, na qual ambos abordaremos o luxo entendido como um campo criativo para um espaço museológico.

Já tínhamos realizado uma pequena intervenção híbrida nesta área durante a pandemia, numa pequena sala em Granada chamada Arrabal. Agora queremos abordar o projeto numa escala maior.

Interviremos num espaço muito específico da Alhambra e desenvolveremos uma reflexão sobre a sua flora e fauna através do desenho e da pintura contemporâneos, e provavelmente também da cerâmica.

Lola é uma artista multidisciplinar: trabalha com cerâmica, bordado, desenho e cor. Eu, por outro lado, dedico-me principalmente ao desenho. A combinação das nossas linguagens artísticas materializar-se-á na exposição, prevista para a primavera, embora ainda não tenhamos uma data confirmada.

Gostaria que nosso caminho continuasse nessa direção, desenvolvendo projetos cada vez mais híbridos e alternativos que não sejam claramente editoriais nem estritamente expositivos. Sinto-me confortável nesse território.

Lembro-me de que, quando consegui o cargo permanente, as pessoas me diziam que não sabiam se eu era ilustrador ou quadrinista. É engraçado, porque recebi o Prêmio Nacional de Ilustração quando, naquela época, eu trabalhava principalmente com quadrinhos.

Nossa trajetória sempre foi um tanto incomum, situada na fronteira, na margem, na divisa entre diferentes disciplinas. E queremos continuar ali, nesse espaço ambíguo onde não é fácil determinar se o que fazemos é publicação ou arte.

Em última análise, trata-se de desenho. E é exatamente isso que queremos continuar fazendo.

• María de Sergio García, 2023, Galeria Cayón.

Lola Moral participa do Festival Gráfic

A terceira edição do Grafic Festival, dedicada à criação e divulgação da arte gráfica e da arte em papel, abre sua programação com "Papel Síncrono", uma exposição que reúne pinturas, desenhos e esculturas em papel de Lola Moral e Belén Mazuecos, com a participação da artista convidada Bettinna Geisselmann. A exposição, que será inaugurada em 14 de outubro de 2026, às 18h30, acontece no salão de exposições da Escola Técnica Superior de Arquitetura de Granada. Esta mostra explora as possibilidades expressivas do papel em diferentes disciplinas e linguagens artísticas, e também oferece a oportunidade de descobrir o trabalho de Lola Moral, artista que desenvolveu uma carreira criativa ao lado de Sergio García, com quem compartilha pesquisas e projetos na área de ilustração e criação visual.

• Lola Moral no Festival Gráfico de Granada com 'Papel synchronous'.