Del gesto urbano al icono global: el cómic como gramática visual del presente

La exposición KAWS. Art & Comix, presentada en el Albertina Modern hasta el 27 de octubre, propone un recorrido que no se limita a mostrar obras: construye un sistema de relaciones donde el cómic, la caricatura, la pintura y la escultura contemporánea se entrecruzan como lenguajes equivalentes. Bajo el comisariado de Angela Stief y Florian Waldvogel, la muestra plantea una hipótesis clara: el cómic no es un género marginal, sino una de las estructuras visuales más influyentes del imaginario global contemporáneo.

Desde el inicio del recorrido, el diálogo entre la obra de KAWS y piezas de artistas como Roy Lichtenstein, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat o Gottfried Helnwein establece una genealogía abierta en la que el trazo gráfico deja de ser ilustración para convertirse en lenguaje autónomo. El pop art, la caricatura política, el graffiti y la pintura neoexpresionista aparecen aquí no como estilos aislados, sino como variaciones de una misma pulsión: traducir la experiencia urbana en signos inmediatos, legibles y emocionalmente directos.

• Peter Saul, The Government of California, 1969.

En este contexto, el cómic se revela como una forma de pensamiento visual anterior incluso a su institucionalización moderna. Su estructura secuencial, su economía narrativa y su capacidad para condensar emoción en pocos gestos lo convierten en un dispositivo cultural transnacional. La exposición insiste en esta idea al situar a artistas como Basquiat o Ad Reinhardt en una lectura expandida del “lenguaje de viñetas”, donde la frontera entre pintura y narración se diluye.

La obra de KAWS ocupa un lugar central en este entramado. Su trayectoria, iniciada en el graffiti de los años noventa, parte de una intervención directa en el espacio público: intervenir anuncios, carteles y publicidad urbana para alterar sus códigos visuales con sus característicos ojos cruzados. Este gesto, aparentemente simple, desplaza el sentido de la imagen comercial hacia una zona ambigua entre la ironía y la melancolía.

• Keith Haring, Pop Shop Tokyo.

En sus esculturas de gran escala, realizadas en materiales diversos como madera, bronce o estructuras inflables, sus figuras —los llamados COMPANION y BFF— aparecen como personajes suspendidos entre la ternura y la alienación. A veces se abrazan, otras se cubren el rostro o permanecen aislados, construyendo una iconografía emocional que refleja una subjetividad contemporánea marcada por la soledad, la saturación visual y la hiperconectividad. En este sentido, el trabajo de KAWS no solo traduce el lenguaje del cómic a la escultura: lo transforma en un sistema afectivo.

Pero el interés de la exposición no reside únicamente en la consolidación del artista como icono global, sino en cómo su obra activa un diálogo más amplio sobre la imagen contemporánea. En una cultura donde las fronteras entre arte, entretenimiento, publicidad y redes digitales se han vuelto porosas, el cómic emerge como una gramática dominante. Su lógica fragmentaria, su capacidad de síntesis y su accesibilidad lo convierten en una forma de percepción colectiva.

• Tschabalala Self, La Morena Pyramid, 1990.

En medio de este recorrido, destaca una intervención que introduce una dimensión distinta al discurso: la instalación de Mimi Gross y The Ruckus Construction Company. Lejos del universo digital o de la estética pulida del icono global, este proyecto remite a una tradición de construcción manual, colaborativa y profundamente material del arte.

Mimi Gross, artista nacida en Nueva York en 1940, ha desarrollado una práctica centrada en instalaciones tridimensionales que transforman el espacio expositivo en experiencia habitable. Su trabajo, junto al colectivo The Ruckus Construction Company —formado en el contexto de los proyectos de Red Grooms en los años setenta—, dio lugar a la célebre “Ruckus Manhattan”, una reconstrucción satírica y expandida de la ciudad de Nueva York. Aquella obra no representaba la ciudad: la reimaginaba como un cómic tridimensional en el que los espacios urbanos podían recorrerse físicamente.

En el contexto de la exposición del Albertina Modern, esta instalación adquiere un valor particular: funciona como contrapunto histórico y conceptual frente a la estética digitalizada de KAWS. Si sus esculturas sintetizan el lenguaje del cómic en iconos globales reproducibles, el proyecto de Gross y su colectivo devuelve ese mismo lenguaje a su dimensión física, artesanal y comunitaria.

El recorrido de KAWS. Art & Comix plantea así una tensión fundamental: entre la imagen como producto global y la imagen como espacio vivido. Entre el icono reproducible y la ciudad construida colectivamente. Entre la superficie pulida de la cultura visual contemporánea y la materia inestable de sus orígenes gráficos.

En última instancia, la exposición no se limita a celebrar el cómic como influencia artística, sino que lo sitúa en el centro de una pregunta más amplia: cómo vemos hoy, cómo circulan las imágenes y qué tipo de subjetividad construyen. En esa pregunta, el cómic deja de ser un género para convertirse en una condición del presente.