La petjada del traç

Hi ha alguna cosa radicalment contemporani en un dibuix. Abans fins i tot de convertir-se en obra, abans d'adquirir un discurs, una tècnica o un lloc a la història de l'art, el dibuix és un gest. Una línia que apareix sobre el paper, una correcció, una interrupció, una taca. Una manera de pensar amb la mà. Dibuixar la modernitat (1864-1968) parteix precisament d'aquesta condició essencial per reivindicar un territori que durant molt de temps va quedar relegat davant de la pintura i l'escultura.

L'exposició, presentada a San Telmo Museoa fins al 27 de setembre de 2026, aplega al voltant de 160 obres procedents de les col·leccions de la Fundació MAPFRE i del mateix museu donostiarra. El resultat no és només un recorregut cronològic, sinó una aproximació a l'evolució de la mirada moderna mitjançant una disciplina que permet observar, potser millor que cap altra, el procés de construcció d'una imatge.

El dibuix té una qualitat que el diferencia d'altres formes artístiques: la proximitat al pensament. És immediat, vulnerable i, en molts casos, encara conserva els dubtes de qui ho fa. Davant l'obra acabada, el paper pot mostrar el tempteig, l'error, la cerca o fins i tot l'abandó. Per això contemplar aquests dibuixos tingui una mica d'acte d'intimitat: l'espectador s'aproxima no només a allò que l'artista va voler representar, sinó també a la manera com va intentar trobar-lo.

De lestudi a lespai de lobra

Durant bona part de la història de l'art, el dibuix va ser entès fonamentalment com a preparació. Un territori auxiliar destinat a construir una pintura, estudiar-ne una composició o assajar una figura. Però aquesta consideració comença a transformar-se radicalment a finals del segle XIX, quan nombrosos artistes comencen a concedir al paper una autonomia que fins aleshores no sempre havia tingut.

L'exposició permet seguir aquest desplaçament. El dibuix deixa progressivament ser un simple instrument per convertir-se en un espai d'experimentació. La línia ja no ha de conduir necessàriament cap a una altra obra: pot ser l'obra.

En aquest canvi resideix una de les principals claus de Dibuixar la modernitat . La modernitat artística no apareix únicament als grans manifestos, a les ruptures estilístiques oa les noves formes de representació. També es troba en la manera com un artista modifica la seva relació amb el paper. Com observa, sintetitza, deforma o elimina.

Les obres de Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla, Juan Gris, Maruja Mallo i Pablo Picasso , entre altres noms vinculats a la col·lecció de Fundació MAPFRE, permeten seguir aquest procés. Amb ells apareixen figures essencials de la modernitat internacional com Edgar Degas, Auguste Rodin o Egon Schiele , artistes per als quals el dibuix va ser molt més que un exercici preparatori.

A Degas, la línia pot capturar el moviment amb una precisió gairebé instantània. A Rodin, el cos es desfà i es torna a construir mitjançant traços que semblen buscar abans l'energia que el contorn. A Schiele, la línia adquireix una tensió gairebé física, capaç de convertir el cos en una expressió psicològica. Són aproximacions molt diferents, però comparteixen una mateixa voluntat: fer del dibuix un llenguatge autònom.

Una modernitat també basca

El diàleg s'amplia amb una selecció d'obres procedents de la col·lecció de San Telmo Museoa. Entre elles trobem noms fonamentals per comprendre l'evolució de l'art basc i la seva relació amb els corrents de la modernitat, com ara Ignacio Zuloaga, Josep Maria Sert, Joaquim Sorolla, Aureli Arteta, Nicolau Lekuona, Maria Paz Jiménez o Mari Puri Herrero.

Aquesta segona col·lecció evita que l'exposició es converteixi en una simple successió de grans noms internacionals i permet introduir-hi altres mirades, altres contextos i altres maneres d'entendre la transformació artística. La modernitat, en aquest sentit, no apareix com un fenomen exclusivament parisenc ni com una història escrita únicament des dels grans centres artístics europeus.

• Juan Barrade, Zingaras, 1917 (Fundació Mapfre).

El diàleg entre les dues col·leccions constitueix un dels aspectes més interessants de la proposta. Enfront dels noms àmpliament canonitzats, apareixen feines menys conegudes que reclamen una atenció diferent. Alguns destaquen pel seu virtuosisme tècnic; uns altres, per la seva capacitat documental; uns altres simplement perquè revelen una sensibilitat que mereix ser recuperada.

És precisament on l'exposició adquireix una dimensió crítica: no es limita a presentar una col·lecció de dibuixos, sinó que convida a preguntar-nos quines obres hem après a considerar centrals i quines han quedat històricament en un segon pla.

La fragilitat com a valor

A més, hi ha una paradoxa al centre d'aquesta exposició. El dibuix és possiblement una de les maneres més nues d'expressió artística i, alhora, una de les més difícils de conservar.

El paper és sensible a la llum, la humitat, la manipulació i el pas del temps. La seva fragilitat obliga a limitar les condicions dexposició i converteix cada presentació pública daquestes obres en una cosa necessàriament excepcional. Allà on una pintura es pot imposar visualment sobre una sala, el dibuix exigeix una altra actitud: una mirada més propera, més lenta i concentrada.

Potser per això l'experiència davant d'aquestes obres resulti particularment silenciosa. No hi ha cap monumentalitat. Hi ha proximitat.

I aquesta proximitat permet descobrir una cosa que sovint desapareix quan contemplem les grans obres de la història de l'art: la mà que hi ha al darrere.

La línia com a testimoni d'una època

El període comprès entre 1864 i 1968 abasta una transformació extraordinària de la cultura occidental. Industrialització, guerres, avantguardes, canvis socials, noves concepcions del cos i de la identitat. L'art va deixar d'intentar representar únicament el món per començar també a qüestionar-lo.

El dibuix va acompanyar aquest procés de manera especialment sensible.

La línia acadèmica va anar perdent rigidesa. La perspectiva va deixar de ser una obligació. El cos va començar a fragmentar-se. La realitat podia reduir-se a pocs traços o desaparèixer sota una successió de gestos. Dibuixar significava cada cop menys copiar allò visible i cada cop més interpretar allò que es veia.

En aquest sentit, Dibuixar la modernitat proposa una lectura especialment suggeridora de la història de l'art: observar les grans transformacions estètiques des d'un suport aparentment petit. El paper es converteix així en un territori on es pot observar com canvia la mirada.

L'exposició, comissariada per Leyre Bozal Chamorro, reivindica precisament aquest caràcter essencial del dibuix. No com a germà petit de la pintura, sinó com a una pràctica capaç de revelar processos creatius, tensions històriques i transformacions de la sensibilitat.