À l’écrivain, critique, dessinateur, conférencier, agitateur, ami des artistes et des arts, personnage décadent par essence : enfin, une exposition riche et soignée, signée Joan Gil et Aitor Quiney, est dédiée à Josep Maria de Sucre. Avec des œuvres rarement exposées, judicieusement agencées et entrelacées, accompagnées d’une documentation peu exploitée, elle rend hommage à l’une des grandes figures méconnues de ces années sombres : celui qui, de sa main bronzée, tremblante et fragile, a rendu possibles tant de choses (les voyages à Paris de Tàpies et compagnie) et exprimé tant d’autres, d’ineffables merveilles.
Peut-être parce que tant d'artistes admiraient son aura d'avant-garde rebelle, presque tous passaient devant sa tour délabrée du quartier de Gràcia, où De Sucre, sans jamais avoir reçu la moindre instruction artistique, dessinait à la craie, au pastel, des figures ataviques et inquiétantes, des visages à la Munch ou Rouault, imprégnés de primitivisme et de boue d'après-guerre. Des œuvres qu'il a léguées à des artistes de plusieurs générations jusqu'à sa mort en 1969 (j'en ai encore vu quelques-unes dans les ateliers de Sebastià Ramis ou d'Arranz-Bravo) : en réalité, une exposition ne pouvait se concevoir qu'avec les De Sucre collectionnés par les artistes, qui admiraient l'indifférent infantilisme de son trait.
Certes, l'œuvre de De Sucre ne correspond pas toujours au mythe qui l'entoure (l'aura amplifiée par le film diffusé par Joan Francesc de Lasa suffit à vous réduire au silence) ; et une grande partie de ses travaux, présents dans les ventes aux enchères et les collections, ne le sont pas. Cependant, l'exposition dans son ensemble démontre que De Sucre, bien exposé (les œuvres de la Generalitat sont toujours magnifiques et comparables à celles de Bassat, Granollers ou Valls), peut constituer un corpus d'œuvres vibrant qui le consacre comme un artiste incontournable pour comprendre l'atmosphère esthétique de quelques années, marquée par la magie, l'expressivité tragique, la naïveté et le mystère.