Isabel Lázaro : « Il existe encore de nombreuses galeries qui ne représentent aucune femme artiste »

Art Photo Bcn clôture aujourd'hui sa 12e édition au Disseny Hub Barcelona, se consolidant comme un point de rencontre incontournable pour les artistes, galeries, collectionneurs et professionnels du secteur. Avec un regard ouvert et diversifié sur le paysage photographique actuel, et cette année avec une forte présence féminine, le festival propose un programme complet qui comprend une foire, des projections, des ateliers, des activités ouvertes et un espace dédié au livre photo.

Nous parlons avec Isabel Lázaro , directrice et commissaire de cette édition, qui explique comment année après année cette proposition continue de prendre forme, combinant talents établis et nouvelles voix.

Nora Barnach. Quels critères vous ont guidé lors de la sélection de cette 12e édition d’Art Photo Bcn ?

Isabelle Lázaro. Cette année, nous avons souhaité privilégier une vision large du médium photographique et montrer la diversité des possibilités qu’offre l’image lorsqu’elle est associée à la créativité. Nous avons mis un accent particulier sur la mise en valeur du travail des femmes photographes. Au cours de ces douze années, nous n’avons jamais réussi à les faire devenir majoritaires. C’est pourquoi, cette année, en prenant le commissariat d’exposition de manière plus individuelle, j’ai décidé de rendre presque obligatoire, voire explicite dans certains cas avec certaines galeries, le fait de travailler avec des femmes photographes.

NB. Dans quelle mesure est-il important pour vous que cette édition mette en lumière de manière aussi claire le travail des femmes photographes ?

IL. C'est quelque chose que je poursuivais depuis longtemps, mais cette année nous y sommes enfin parvenus. Pendant des années, l’intention a été de donner plus d’espace aux femmes photographes, mais la vérité est que, lorsque nous avons ouvert l’appel, les galeries qui se sont présentées avaient tendance à montrer principalement des auteurs masculins. C'est pourquoi, cette année, nous avons décidé de ne pas lancer d'appel, mais plutôt d'aller chercher activement des galeries. Nous voulions nous assurer qu’ils travaillent avec des photographes dont les propositions nous semblaient pertinentes et avec des perspectives différentes, et ainsi garantir une présence féminine significative.

Cohesive Echoes, Cristina Hernández Montero. NoHo House

NB. Souhaitez-vous maintenir cette ligne dans le futur, au-delà de cette édition unique ?

IL. Oui, totalement. Je crois que c’est une dette que tous les événements artistiques ont envers l’histoire, de réparer le silence qui existe envers les femmes depuis le début de l’humanité. C’est un défi nécessaire et, de plus, un beau défi à relever. Il faut cependant dire que cela coûte encore un peu plus cher, et c'est triste. Il existe encore de nombreuses galeries qui ne représentent aucune artiste féminine, qu’elle soit photographe ou d’une autre discipline.

NB. Dans ce sens, comment sélectionnez-vous les artistes et les galeries ?

IL. Normalement, nous ouvrions un appel, les projets étaient présentés, ils passaient par un comité de sélection et, de là, émergeait l'ensemble des galeries qui finiraient par exposer. Mais cette fois, comme nous avions les dates fixées bien à l’avance, nous avons pu nous permettre de faire des recherches plus approfondies, à l’échelle internationale. Nous avons recherché des galeries de toutes sortes et dans de nombreux endroits, depuis des espaces très établis jusqu'à des propositions plus jeunes et plus récentes.

Par exemple, Parkinz participe, c'est la première fois qu'il fait partie du festival car l'initiative vient de naître. Il y a aussi NoHo House, une galerie assez jeune à Barcelone. La galerie de Beatriz Pereira, par exemple, n’a pas d’emplacement fixe, c’est un autre modèle de travail ; Il en va de même pour la Galerie Inédidad. Et en plus de ces propositions plus récentes, nous avons également des galeries avec un solide historique comme Camera Work, qui a un historique impressionnant ; Terreno Baldío, du Mexique ; ou Taché Art Gallery, de Barcelone.

NB. Certains festivals choisissent chaque année un axe thématique et sélectionnent les exposants pour le suivre. Comment abordez-vous cela chez ArtPhoto ?

IL. Cela m’a toujours semblé un peu limitatif. Les festivals qui recherchent un thème spécifique organisent généralement des expositions à caractère informatif, mais pas des foires qui favorisent le circuit commercial de l'art. Quand on travaille avec des galeries, leur imposer cette limitation thématique est trop restrictif de l'offre qui sera présente dans la salle, on se retrouve avec un espace de réalité très réduit. Il existe des festivals qui se limitent également par technique : photographie numérique, analogique ou expérimentale. Nous pensons que plus la gamme est ouverte, plus il est intéressant de montrer l’étendue de la photographie.

Apple of Sodom, Alex Domènech. Inéditad Gallery

NB. Il y a des artistes qui ont participé aux éditions précédentes à travers des vernissages et qui reviennent maintenant représentés par des galeries. Est-ce un peu la mission initiale du festival ?

IL. Exactement, c’est l’un des rôles du festival. Ce que nous souhaitons, c’est qu’il y ait une véritable projection dans l’avenir pour les artistes, notamment les plus jeunes. En fait, tout le festival naît autour des visionnages. Au fil du temps, beaucoup de ceux qui ont participé aux projections il y a des années ont développé leur carrière et trouvé leur place au sein du circuit artistique. Et cela nous rend très enthousiastes de voir comment des auteurs que nous considérions à l'époque comme émergents - même si ce n'est pas un mot que nous aimons, car il n'a pas toujours à voir avec l'âge, mais plutôt avec la carrière - ont grandi et construit leur propre chemin.

Quand on voit qu’ils sont désormais représentés par une galerie, ce sont presque les premières personnes que l’on va chercher. Pour nous, c'est comme s'ils rentraient à la maison, et c'est très agréable, car cela signifie que nous avons fait quelque chose de bien au moment de les sélectionner.

NB. Dans le contexte culturel actuel, maintenir un festival pendant douze ans est déjà un véritable exploit. Selon vous, quelles ont été les clés non seulement pour résister, mais aussi pour continuer à grandir ?

IL. Plus que grandir, ce que nous souhaitons c’est consolider. Nous avons commencé avec huit exposants lors de la première édition. Huit personnes courageuses, comme je le dis toujours, qui sans avoir aucune référence se sont lancées dans la participation. Je pense que ce que nous avons fait, c’est consolider le festival comme un point de rencontre, pour que de plus en plus de gens le connaissent, qu’il résonne en eux. Je pense que l’une des clés a été d’avoir une équipe avec des gens très motivés, très immergés dans le circuit, et qui font le lien entre toutes les étapes du festival. Nous disposons également de la plateforme en ligne, que nous développons depuis la pandémie et qui permet de continuer à voir tout ce qui a été exposé une fois le festival terminé. Il sera disponible jusqu'au 30 juillet, et permet de voir les œuvres en détail et de les agrandir.

Il est également utile que notre source de financement soit assez diversifiée, nous avons des subventions de trois entités différentes, ce qui nous donne une certaine stabilité. Et au-delà de tout cela, il y a une chose qui est essentielle pour nous, c’est que le festival est conçu entièrement à échelle humaine. C'est la foire la plus abordable du circuit, tant au niveau national qu'international. Nous prenons grand soin de nos exposants, car pour nous le client est l'exposant. Et cela implique de prendre soin d'eux en termes de prix, de qualité de l'événement, de traitement, de facilitation de leur travail.

Tribute to the Arctic, Michaela Weber. Camera Work

NB. Que signifie l’entrée de marques comme Xiaomi ou Canon dans le festival pour la première fois ?

IL. Cette année, nous leur offrons un espace intégré de manière créative. Il ne s’agit pas d’un salon comme d’autres dédiés aux appareils photo ou à des concepts similaires, mais plutôt d’un espace pour montrer de quoi ce produit est capable. Dans le cas de Xiaomi, ils viennent avec un projet de trois auteurs, et leur idée est de se concentrer sur la façon de susciter des émotions à travers le téléphone mobile. C'est un concept très large, mais avec le travail de ces trois auteurs, il sera parfaitement démontré. D'autre part, Canon présente une ambassadrice qui partagera son expérience avec l'appareil photo Canon.

NB. Dans ce sens, comment voyez-vous la photographie prise avec un téléphone portable ? Considérez-vous cela plutôt comme une démocratisation du médium ou comme un risque artistique ?

IL. Le fait est que la photographie est déjà en train de devenir une révolution technologique en soi. La photographie avec des téléphones portables ou avec l’intelligence artificielle est donc tout simplement une autre révolution. Lorsque la photographie numérique est arrivée, il semblait que la photographie analogique allait disparaître, mais ce n'était pas le cas, les outils de travail dont nous disposons avec l'appareil photo ont simplement été élargis.

Peu importe que l'appareil photo soit un téléphone portable, un appareil photo argentique, numérique ou instantané. La magie est dans l’image, dans la personne qui la pense, la réalise, l’encadre et la retouche. En général, les changements nous font peur ou nous pensons au pire, mais au final tout est une adaptation et tout finit par apporter de bonnes choses. Nous avons traversé plusieurs vagues de changements que beaucoup pensaient apocalyptiques, et finalement cela n'a pas été le cas, car celui qui est en charge reste toujours la personne, ses décisions et sa créativité.

Banyuls-sur-Mer Portbou, Sanspí. Taché Art Gallery

NB. Comment voyez-vous la relation entre l’art photographique et la collection ?

IL. Sur le marché espagnol, nous sommes encore assez en retard si nous nous comparons à d’autres réalités. Il n’y a pas si longtemps, il y a une quinzaine d’années, vous alliez dans une galerie et demandiez quels photographes ils avaient ou s’ils travaillaient avec la photographie, et beaucoup vous répondaient directement : « Non, non, je ne travaille pas avec la photographie. » Jusqu’à une époque relativement récente, il était très difficile de trouver des photographies dans les galeries espagnoles, à moins qu’il ne s’agisse de galeries spécialisées, qui opéraient dans un autre circuit.

Mais au fil des années, cela a changé. Il y a de plus en plus de galeries qui s'engagent dans la photographie, et cela est également lié à un intérêt croissant de la part des collectionneurs nationaux. Ce qui est curieux, c’est que nous détectons une tendance assez particulière, les galeries spécialisées dans la photographie commencent à disparaître en Espagne. Ce qui se passe, c’est que la production et la demande d’œuvres photographiques s’intègrent au sein de galeries généralistes, plus transversales en termes de médias. Et c’est quelque chose qui n’arrive pas dans d’autres pays et les galeries spécialisées sont toujours fortes.

NB. Selon vous, quelle est la raison de cette différence ?

IL. Je pense qu’il est important de prendre en compte qu’ici la réalité photographique a été très parallèle à la réalité politique. Alors que dans des pays comme la France, on disposait d'une série d'aides, d'infrastructures et de convictions autour de la photographie, ici on était à des années-lumière. Le marché s’adapte à la demande et également aux connaissances disponibles sur le média. C'est pourquoi il est si important de promouvoir la photographie et l'image qui se fait aujourd'hui, qui est beaucoup plus multiple et diversifiée qu'avant.

GÜERA, María Moldes. Parkinz