El rechazo de Rauschenberg a las jerarquías materiales en el Nasher Sculpture Center

El Centro de Escultura Nasher anuncia la exposición Rauschenberg Sculptures, aunque la palabra "anuncia" ya resulta demasiado declarativa para un artista que se pasó la vida desconfiando de las declaraciones. Rauschenberg Sculptures, en exposición en el Centro de Escultura Nasher del 31 de enero al 26 de abril de 2026, parece tomar esta incertidumbre como su principio rector. Organizada por la curadora principal, Dra. Catherine Craft, y presentada durante el centenario del nacimiento del artista, la exposición no conmemora tanto a Rauschenberg como reabre las combinaciones que persistió en crear, muchas de las cuales permanecen obstinadamente sin resolver.

A Rauschenberg se le describe a menudo como un artista que transformó el arte contemporáneo; sin embargo, esta expresión corre el riesgo de implicar una ruptura decisiva, una ruptura histórica clara. Vista desde una perspectiva posestructuralista, su obra se resiste precisamente a este tipo de cierre, donde, en lugar de presentar la obra de arte como un objeto unificado creado por un sujeto soberano, Rauschenberg dispersa la intención, permitiendo que el significado surja a través de la proximidad y el azar. Desde finales de la década de 1940 hasta su muerte, persiguió una única y persistente ambición: dejar entrar la mayor parte posible del mundo en su arte, para que no fuera algo que simplemente existiera, sino algo que sucediera. La escultura, si el término aún puede sostenerse dentro de tal práctica, se convirtió en una de sus estrategias más efectivas para desmantelar fronteras y multiplicar posibilidades en este contexto.

La práctica de Rauschenberg se opone a la doctrina modernista de la especificidad del medio, articulada célebremente por Clement Greenberg. En lugar de purificar la pintura o la escultura, Rauschenberg desestabiliza ambas, produciendo obras que rechazan la clausura categórica. La exposición destaca el compromiso que el artista mantuvo durante toda su vida con la forma tridimensional, comenzando con las Combines (1954-1964), esas obras famosamente indisciplinadas que fusionaban pintura y escultura sin pertenecer plenamente a ninguna de ellas, presentándose como collages tridimensionales prefabricados. Estos objetos no buscan la armonía, sino que insisten en la fricción que se encuentra en sus diferencias materiales. Rauschenberg rechazó célebremente las jerarquías tradicionales de los materiales, donde la pintura colisionaba con la tela, las fotografías con los muebles, los gestos con los escombros. Obras escultóricas posteriores continuarían esta negación de los límites, surgiendo junto con los experimentos paralelos de Rauschenberg en fotografía, grabado, performance, tecnología, cerámica y escenografía, todos ellos retroalimentándose libremente.

Lo que distingue la escultura de Rauschenberg no es la técnica, ya que no tallaba, modelaba ni soldaba, sino su ética de la atención. Desmantela el ideal modernista de la especificidad del medio, exponiendo en su obra un modelo horizontal de cultura, en el que lo alto y lo bajo, el arte y la vida, la tecnología y la intuición coexisten sin jerarquía. Estos materiales desechados se repiten a lo largo de la exposición, desde chatarra y neumáticos hasta cajas de cartón y trapos. No fueron elegidos por su impacto ni por su simbolismo, sino por su historia. Rauschenberg rechazó la noción de "basura" e insistió en las "cosas", objetos ya marcados por el uso, el trabajo y el abandono. Sus esculturas funcionan menos como monumentos que como portadoras de un tiempo vivido, impulsados por una lógica indicial.

El movimiento, tanto literal como implícito, desempeña un papel central en estas esculturas, ya que las ruedas, manivelas y motores introducen movimiento real; el color, la tela y los elementos suspendidos evocan una sensación de respiración e inestabilidad. Muchas obras incorporan imágenes fotográficas, multiplicando los puntos de referencia en lugar de fijar el significado, donde la tecnología se introduce no como espectáculo sino como colaboradora, a través de transmisores de sonido, sensores y mecanismos activados por sonar que permiten a las esculturas responder a la presencia de los espectadores, alterándose en tiempo real. Esta capacidad de respuesta refleja el profundo compromiso de Rauschenberg con la música, la danza y la performance, y su deseo de incorporar lo que él llamaba el "sentido de urgencia" del teatro a las artes visuales. La programación que acompaña a la exposición, que incluye eventos dedicados a sus colaboraciones con John Cage y Merce Cunningham, y una Jornada de Estudio en febrero que explora la tecnología, las tradiciones vernáculas y la cultura popular, extiende este espíritu más allá de la galería.

En el fondo, la exposición Rauschenberg Sculpture no se pregunta qué es la escultura, sino qué puede llegar a ser si permitimos, como hizo Rauschenberg, que la mayor parte posible del mundo entre en ella y entre en la sala.