De gestes et d'écrans : Warhol et Pollock s'affrontent dans une exposition inédite

L'œuvre d'Andy Warhol et de Jackson Pollock constitue un axe fondamental pour comprendre les transformations radicales qu'a connues l'art du XXe siècle. Ces deux artistes, considérés comme des figures essentielles de l'évolution de la peinture contemporaine, ont suscité de profondes interrogations sur les nouvelles stratégies spatiales et le rôle de l'image sur la toile. Bien qu'à première vue leurs langages artistiques semblent opposés – la monumentalité gestuelle et expressive de Pollock face à l'imagerie iconique et mécanique de Warhol –, un examen plus approfondi révèle d'importantes similitudes.

• Andy Warhol, Jackie II, 1966, © Staatsgalerie Stuttgart, Graphische Sammlung, erworben 1968 Land Bade-Wurtemberg.

Le Musée national Thyssen-Bornemisza présente une exposition ambitieuse du 21 octobre au 25 janvier, réunissant les œuvres de deux figures essentielles de l'art du XXe siècle, Andy Warhol et Jackson Pollock, ainsi que celles d'autres artistes qui, à la même époque, ont été confrontés à des défis similaires. L'exposition aborde les profondes transformations qui ont marqué la pratique picturale, mettant en lumière la manière dont ces artistes ont repensé les stratégies spatiales traditionnelles et exploré de nouvelles manières de concevoir la peinture. À travers un ensemble diversifié d'œuvres, le musée nous invite à revisiter un moment crucial de l'évolution de l'art contemporain, marqué par l'élargissement des frontières physiques, conceptuelles et perceptuelles de la peinture.

Warhol et Pollock ont tous deux directement remis en question les limites de la tradition picturale. Leurs œuvres, souvent de grand format, élargissent l'expérience du spectateur et redéfinissent la relation physique avec la surface peinte. Ils partagent également une préoccupation constante pour la dimension spatiale de la peinture, explorant d'autres manières de concevoir le tableau comme lieu d'action, de production industrielle ou d'expérience immersive.

L'exposition réunit un ensemble exceptionnel de plus d'une centaine d'œuvres, dont beaucoup sont présentées pour la première fois en Espagne. Ces pièces proviennent d'une trentaine d'institutions culturelles de premier plan en Amérique du Nord et en Europe, offrant un panorama international large et rigoureux. L'exposition présente des œuvres emblématiques de Warhol et de Pollock, ainsi que des créations d'autres artistes majeurs tels que Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Marisol Escobar, Sol LeWitt et Cy Twombly, dont les contributions sont essentielles à la compréhension de la complexité de cette période artistique.

• Mark Rothko, Sans titre (Vert sur violet), 1961, © Kate Rothko Prizel et Christopher Rothko, VEGAP, Madrid.

Parmi les œuvres phares, citons Brown and Silver I de Jackson Pollock, Express de Robert Rauschenberg et Untitled (Green on Purple) de Mark Rothko, toutes issues de la collection Thyssen. Cette sélection, diversifiée par ses approches et ses stratégies formelles, souligne la richesse de la production artistique du XXe siècle et permet d'apprécier la diversité des langages qui ont redéfini le paysage pictural dans un contexte de profondes transformations esthétiques.

Six espaces composent l'exposition au Musée national Thyssen-Bornemisza de Madrid

L'exposition Warhol, Pollock et autres espaces américains est divisée en six sections au rez-de-chaussée du musée, proposant un parcours invitant à explorer progressivement les différentes transformations de l'espace pictural au cours du XXe siècle. Le parcours débute par la section intitulée « L'espace comme négociation : figure et arrière-plan » , qui réunit les premières œuvres de Pollock et Krasner, ainsi que celles de Warhol, comme son emblématique « Deux bouteilles de Coca-Cola » . Cette première section met en lumière la tension constante entre représentation et abstraction.

• Andy Warhol, Coca-Cola [2], 1961, © The Andy Warhol Museum, Pittsburgh ; Collection fondatrice, contribution Dia Center for the Arts.

Le deuxième chapitre, « Traces et Vestiges », présente des œuvres d'Audrey Flack, Marisol Escobar, Anne Ryan, Perle Fine et Robert Rauschenberg, ainsi que de Warhol et Pollock. Dans ces œuvres, la figuration se brouille et se dissimule, générant des surfaces où le reconnaissable devient signe ou résidu.

La troisième salle, intitulée « L'arrière-plan comme figure », présente certaines des œuvres les plus célèbres de Warhol, comme « A Solo Elvis » (1964), où les motifs représentés semblent flotter sur des fonds instables et dissolvants. Sont également exposées des séries photographiques et des œuvres expérimentales de Sol LeWitt, Cy Twombly, Hedda Sterne, Krasner et Pollock, qui explorent la nature dynamique de la surface visuelle.

Le quatrième espace, Répétitions et Fragments , s'intéresse à la sérialité et à la multiplication mécanique des motifs, un territoire largement cultivé par Warhol dans des œuvres comme Flowers (1964) ou dans ses représentations d'accidents de voiture. L'analyse de la réitération devient ici un outil essentiel pour explorer la culture de masse.

• Andy Warhol, Fleurs, 1964, © Collection Sonnabend Homem. Avec l'aimable autorisation de la Collection Sonnabend Homem.

Ensuite, « Espaces sans horizons » rassemble huit peintures oxydées de Warhol, créées par des procédés chimiques utilisant les fluides corporels de l'artiste. Ces œuvres s'inscrivent dans le prolongement de l'œuvre de Pollock, évoquant la dissolution finale du geste et la relation complexe entre contrôle et hasard.

La visite se conclut par « L'espace comme métaphysique » , un chapitre consacré aux dernières explorations de Warhol, où la disparition totale de la figure cède la place à un territoire abstrait et presque contemplatif. Cette dernière section souligne l'évolution radicale de l'image tout au long de l'exposition et la manière dont ces artistes ont redéfini l'expérience de l'espace dans la peinture contemporaine.