Schiaparelli : un surréalisme choquant

"Dans le monde de l'art, on se sentait compris et soutenu, contrairement au monde cruel et ennuyeux dans lequel les robes étaient faites simplement pour vendre" - Elsa Schiaparelli, Shocking Life (1954).

Tout dans sa vie tournait autour du Choc – à impacter –, tiré de son patronyme et de son surnom à Paris : Schiap. Artiste avant la lettre, toujours entourée des créateurs les plus innovants du XXe siècle, et comme Balenciaga, elle a créé un tissu et une couleur exclusifs - le rose choquant -, parfois qualifiée de femme oubliée de l'histoire de la mode, ou de femme silencieuse. inspiration de nombreux designers contemporains. Elsa Schiaparelli (Rome, 1890 - Paris, 1973) était une rareté à son époque, les années trente et quarante, elle ferma son atelier en 1954. Pionnière, audacieuse, extravagante, à contre-courant, non seulement dans la réalisation de créations que l'on voyait se briser modèles sur les podiums d'aujourd'hui, mais il a fait disparaître la division dans la haute couture entre l'innovation créative et le succès commercial, créant des projets dans l'industrie - tels que des collaborations avec des artistes - qui restent toujours la norme.

Le passé aristocratique de Schiaparelli lui a donné une sécurité économique et des liens avec les cercles savants et intellectuels, mais au fil des années, cette sécurité s'est transformée en prison. À seulement vingt et un ans, elle publie « Arethusa », un recueil de poésie érotique pour lequel elle sera admise dans un internat suisse, dont le séjour se terminera par une grève de la faim. Et après avoir été abandonnée par son mari après avoir donné naissance à sa fille unique « Gogo » aux Etats-Unis, elle commence au bout de quelques semaines à travailler avec Gabrièle Bufet-Picabia – critique d'art et écrivaine, première épouse de Francis Picabia– , qui l'introduit dans le cercle dadaïste new-yorkais. Au cours de cette étape, Schiaparelli a intériorisé les concepts de fonctionnalité, de liberté et de confort si typiques de la mode américaine. Qu'il emmènera ensuite avec lui à Paris.

Depuis sa première création accidentelle, le « pull en trompe-l'oeil » ou « pull artificiel », qui était un tissu confié par Elsa à une couturière où le foulard était intégré au tissu du pull - comme un imprimé et non en tant que pièce à part – cette façon de procéder dénote son besoin d’innover et de s’exprimer mais, surtout, de remettre en question les notions traditionnelles de la mode. Dans cette ligne, elle poursuivra avec sa première collection « Pour le Sport », destinée au sportswear, en mettant notamment en avant la jupe et le pantalon « Jupe-Culotte », portés par la joueuse de tennis espagnole Lilí Álvarez à Wimbledon, pour lesquels elle a été critiquée. masculiniser la pièce. De toute évidence, les critiques ont eu l'effet inverse : ses créations sont devenues plus populaires et en 1934, la créatrice est apparue dans le magazine Time, la présentant comme une arbitre de la haute couture ultramoderne et, en même temps, faisant d'elle la première créatrice de mode à apparaître sur la couverture.

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ÉCOSYSTÈME ARTISTIQUE : DE MAN RAY ET LEONOR FINI À DALÍ.

Au cours de ses années actives, il a réussi à collaborer avec de nombreux artistes qui incarnaient sa même liberté imaginative, avec une fixation sur le corporel, l'animal et le subliminal. Il a collaboré avec l'artiste visuel américain Man Ray sur plusieurs séances photo. Également dans plusieurs pièces conçues par Elsa elle-même, à partir de croquis de visages que le cinéaste Jean Cocteau a dessinés pour elle à la demande. D'une certaine manière, il rend hommage à Pablo Picasso en s'inspirant d'une photographie prise par Man Ray de deux mains peintes par l'artiste de Malaga, de là est née une idée qu'il développera plus tard : des gants avec des clous à l'extérieur et qui renverrait l'icône de la marque ; plus tard et par hasard, Picasso peint l'épouse du poète Paul Eluard qui utilisait Schiaparelli.

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Son parfum Shoking a été conçu par l'artiste argentine Leonor Fini, qui s'est inspirée du mannequin de Mae West, que Schiapareli a habillé dans le film "Everyday's a Holiday". De 1935 à 1938, Alberto Giacometti crée aux côtés d'Elsa de nombreux bijoux différents qu'il met sur des vestes, comme des boutons avec des images mythologiques. Mais, sans aucun doute, sa collaboration la plus remarquable et la plus mémorable fut celle avec celui avec qui il partageait le plus une vision : Salvador Dalí. Dalí, dans son infinie excentricité et son besoin de créer, n'est pas étranger au design de mode, en fait il n'aurait pas pu être plus lié à la haute couture et à ses représentants les plus importants des années 30, les créateurs Schiaparelli et Chanel expliquant - il est une source d'inspiration pour ses créations et un ami personnel ; sans même le savoir, Dalí avait aussi pour galeriste à Paris en 1931 le créateur qui allait révolutionner la mode en 1947, Christian Dior, qui ne s'aventurait pas encore dans la couture.

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Sa rencontre occasionnelle avec le design de mode a permis à Dalí de porter son imagerie et son surréalisme à un autre niveau. Quand, après avoir créé le Telèfon-Llagosta, symbole qui commençait à apparaître autour de l'artiste catalan, soit à la tête de son épouse Gala, soit sur le ventre d'un mannequin, commence la collaboration avec Schiaparelli dans la réalisation d'une pièce, une demande de la couturière qui sortait tout à fait de l'ordinaire, puisqu'il n'y avait pas de collaborations entre artistes et designers, encore moins de permettre à l'artiste de travailler en atelier. Il s'agissait d'une collaboration aussi inhabituelle que ses participants, qui ont abouti à la robe homard « Le Robe Homard », portée par Wallis Simpson, duchesse de Windsor, pour Vogue ; c'était un scandale, une femme de la royauté, portant une pièce si élégante dans sa construction et ses matériaux, avec un design si comique et érotique dans le magazine de mode le plus important à l'échelle internationale.

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Elsa s'est ensuite inspirée de la Vénus de Milo de Dalí avec des tiroirs, un bureau anthropomorphe et la girafe ardente pour créer une chemise de nuit dotée de poches en forme de tiroir sur le devant et dénotant une silhouette squelettique, dans la largeur des épaulettes et l'étroitesse de la taille. Une figure qu'il élèvera plus tard aux côtés de Dalí, dans sa prochaine collaboration pour La Col·lección Circ 1938, probablement celle qui reste la plus actuelle dans sa conception. La « Robe Squelette », le joyau de la collection Circ qui utilise une technique de matelassage, pour rehausser un relief qui semble être le squelette sous la robe, mettant en valeur les côtes, le bassin, la clavicule et la colonne vertébrale, un de ses plus frappants. créations visuelles : il fait ressembler son modèle à une incarnation d'une œuvre de Dalí.

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Dans le cadre de la même collection, à laquelle Dalí a tout contribué, depuis la conception de boutons en forme de chevaux et d'acrobates jusqu'aux tissus imprimés que Schiaparelli utiliserait dans ses robes, la collaboration « The Dress Torn ». Cette robe se distingue par son tissu imprimé de motifs déchirés, reprenant à nouveau l'effet visuel en trompe-l'œil du premier dessin d'Elsa. De plus, il introduit une innovation pour le designer, étant l'un des premiers à adopter le tissu rayonne-viscose pour sa fabrication. Le dessin du tissu déchiré de la robe, de Dalí, évoque son tableau « Trois jeunes surréalistes tenant dans leurs bras les peaux d'un orchestre » (1936), où est représentée une femme au visage fleuri et à la chair déchirée. La silhouette de la robe rappelle le tableau 'Printemps nécrophile' (1936) de l'artiste de l'Empordà, œuvre qui appartenait alors au créateur. Cette robe épouse le corps comme une seconde peau venue d'un autre monde. Le voile qui accompagne la robe tombe en cascade sur sa forme moulante, évoquant une pudeur presque religieuse. Le voile n'a pas de déchirure imprimée sur le tissu, mais est cousu sur lui-même, avec des bandes pendantes créant un contraste saisissant avec les larmes qui le traversent et révélant des éclairs du « rose choquant » de Schiaparelli, faisant allusion à la chair en dessous. Plus qu'une simple usure du tissu, l'aspect est celui d'un cuir déchiré.

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La « Robe squelette » et la « Robe déchirée » ont appartenu à l'actrice Ruth Ford, sœur du poète surréaliste Charles-Henri Ford, cadeau du mécène de Dalí, Edward James, grand partisan du mouvement surréaliste.

Ensemble, Dalí et Schiaparelli ont créé de nombreuses autres œuvres, notamment des bijoux, des parfums et même un chapeau qui ressemble à une chaussure placée à l'envers sur la tête de celui qui le porte. Avec ces pièces, ils reflètent leur esprit transgressif, montrant leurs affinités sans l'intervention de l'esprit rationnel.

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NOUVELLE ÈRE : LA RENOVATION DE SCHIAPARELLI.

Tous ceux qui se considéraient comme quelqu'un d'important dans les années 1930 portaient du Schiaparelli : de Joan Crawford à Marlene Dietrich. Actuellement, d'Anne Hathaway à Rosalía, grâce au nouveau visage de Schiaparelli et à son directeur créatif Daniel Roseberry, qui arrive dans cette maison en 2019 et ravive rapidement ce sentiment d'innovation et de provocation qui a défini la marque, avec des motifs farfelus, des silhouettes uniques et détails subversifs. Daniel nous donne un avant-goût de ce à quoi ressemblerait le monde onirique d'Elsa aujourd'hui.

Madame Schiaparelli adorait les larges épaules des vestes, exagérait ensuite la taille des manches et faisait de la fermeture éclair un élément ornemental. Roseberry prend note de tout cela et le remet au rang dominant de la marque, pour augmenter l'importance qu'Elsa accordait aux petits détails, comment elle transformait les accessoires en petites œuvres d'art, comment elle transformait ses sacs en de nouveaux espaces séparés du monde qui les entoure Avec tous ces exemples, Daniel augmente et relance l'identité de la nouvelle Maison Schiaparelli, qui, comme l'ancien designer, a fait fureur dès le premier jour. A cette occasion, Daniel s'est assis à un bureau au milieu du podium de son premier défilé et a dessiné en temps réel les croquis des looks que les mannequins arboraient autour de lui. La maison Schiaparelli dirigée par Roseberry ne dilue pas ses créations de haute couture dans son prêt-à-porter pour les rendre facilement consommables par les masses, mais elle suit la même ligne de haute couture avec des cravates faites de cheveux tressés en tresses, des sacs avec visages et, plus récemment, en ajoutant le cadran rotatif d'un vieux téléphone à certaines vestes, faisant référence à la première collaboration entre Elsa et Dalí.

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L'héritage d'Elsa Schiaparelli n'est donc pas sa technique, ni sa silhouette ni même son iconographie, c'est son attitude rebelle envers la vie et l'action créatrice, c'est le surréalisme dans son design, puisque des chapeaux jusqu'au bout des pieds baignés d'or à l'extérieur les talons, c'est aller à contre-courant, avoir montré que l'élégance n'est pas minimaliste, que la beauté n'est pas toujours le but de la mode et que le but de la Maison Schiaparelli était et continue d'être l'originalité.