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Éditorial

Prendre le pouls de l'Art en 2022, après le sondage Miami 2021

Un dels creadors que va presentar la Creative Growth Art Center a la Fira NADA
Prendre le pouls de l'Art en 2022, après le sondage Miami 2021

Il m'a fallu du temps pour écrire une réflexion sur mon dernier « pèlerinage » à Miami pour visiter ce qui est la dernière pierre artistique et économique de la saison, concentrée dans une semaine intense (Art Basel, Design Miami, NOTHING, Untitled, Art Miami, Context , Scoope, Pinta and INK Art Fair, Tha Bass, ICA, Collection Pérez, Collection de la Cruz, District Design…) Il m'a fallu un certain temps pour être capable de tenir encore debout les réflexions brûlantes de moi-même et d'étrangers. Utilisez cet article aussi pour donner un peu d'ombre et de lumière à ce qui nous attend en 2022 et que cette éphéméride de référence met en lumière.

Le directeur mondial d'Art Basel, Marc Spiegler , qui a également dû reprendre cette année la direction de la foire de Miami après le départ de son directeur pour diriger une prestigieuse salle de vente aux enchères, a clairement indiqué que les deux leçons apprises de deux ans physiquement s'arrêtaient covid -pratiquement ils travaillaient du mieux qu'ils pouvaient- est : les foires et le secteur des arts ont renforcé toutes leurs opérations numériques - à la fois la création numérique, la vente numérique et essentiellement la diffusion aux réseaux - et que les questions d'égalité, de race et d'environnement ont de plus en plus poids spécifique non seulement dans les discours des artistes mais aussi dans les politiques culturelles et, surtout, dans les politiques humaines globales de la planète. Un extrême qui le conduit même à justifier l'existence même de la foire, affirmant que "le bénéfice culturel équilibre le coût écologique de la tenue d'une foire comme celle qu'ils organisent". Surtout pour ce que je suppose l'empreinte CO₂ que représente aller expressément in situ à cet événement et le matériel dont on ne profite pas d'une foire qui dure les jours qui durent. Il faut dire que la question du recyclage des matériaux de la foire est plus rapide à résoudre - car il y a déjà des initiatives qui réussissent - que la question de l'empreinte par l'impact du tourisme et des voyages, jusqu'à ce que vous les fassiez voler en avion ou en bateau ne sont pas au moins avec des carburants non polluants.

Ce qui est devenu clair, c'est que les pays en développement ou ceux qui sont déjà développés, mais n'ont pas eu de niche dans l'histoire canonique de l'art et de l'art contemporain, ont de plus en plus de portes ouvertes ; même avec des propositions qui peuvent ne pas être entièrement affinées par la maturation conceptuelle et l'exécution, mais qui sont exposées pour tenter de pallier un déficit pandémique que la vision du monde dominante, hétérosexuelle et blanche a sous-estimée pendant des décennies. Je me souviens encore de ma première approche de l'art contemporain chinois grâce à la critique d'art Maria Lluïsa Borràs à la Fondation Niebla de Casavells il y a près de deux décennies, j'ai donc continué par la suite avec des monographies en 2008 à la Fondation Miró - Art contemporain chinois de la collection Sigg divers musées de Vienne pour terminer par une rétrospective en 2016 à la Fondation Louis Vuitton à Paris intitulée « BENTU ». Inutile de dire que le géant asiatique a lancé une offensive culturelle/économique imitant celle des Américains avec son Guggenheim et le plan Marshall comme drapeau. Néanmoins, des « discours » critiques découlent souvent d'une « propagande » telle que celles d'Ai Weiwei, l'artiste-activiste qui brise le maquillage avec lequel l'art est utilisé pour déguiser des sociétés avec d'importants déficits démocratiques ; cela s'est également produit avec le régime franquiste dans la péninsule.

On peut aussi citer des exemples comme celui de la Fundació Tàpies de Barcelona , qui a misé en 2014 sur la vision afro-américaine de Kerry James Marshall (Birmingham, Alabama, 1955), exemple assez pertinent et révélateur. Les paris de Vicent Todolí sur son passage à la Tate Modern ne laissent personne indifférent, avec l'aide de la toujours intelligente Josefina Entrecanales . J'ai vu aussi de la main du collectionneur Lluís Coromina le pari de certains créateurs africains du Bénin, essentiellement des sculpteurs, dans sa collection ou aux foires de Miami la présence du jeune peintre ghanéen Amoako Boafa qui était assez omniprésent. Et il l'a fait avec une tendance picturale qui m'a rappelé Egon Schiele avec une palette radicalement différente de l'autrichienne et très chromatiquement puissante. A noter également que depuis l'année dernière nous avons une directrice du Musée d'Art Contemporain de Barcelone (MACBA), Elvira Dyangani Ose , originaire de Cordoue d'origine équato-guinéenne et qui a étudié l'histoire de l'art à l'Université autonome de Barcelone - Elle a a voyagé à l'autre bout du monde - et elle veut donner une nouvelle direction à l'organisation en tant que femme - c'est la première fois que l'organisation a une femme à sa tête en vingt-six ans et dans sa condition d'afro-européenne.

RÉVOLUTION NUMÉRIQUE : NFT

De toutes les foires et espaces d'art que j'ai eu la chance de visiter et il y en avait pas mal - mes compagnons de voyage et moi avons parcouru en moyenne dix miles par jour à regarder de l'art pendant une semaine - j'ai été étonné - et non - que seul l'Art Bâle disposait d'un espace spécifiquement pour introduire le sujet des NFT (Non-Fungible Token) ; à d'autres foires, je n'ai trouvé que quelques propositions sporadiques dans certaines galeries. Marc Spiegler lui-même a souligné dans une interview avec El País que les NFT sont des actions mèmes [valeurs virales] et qu'il reste encore un long chemin à parcourir, même si la révolution existe. Depuis de nombreuses années, l'art numérique et l'art vidéo de première classe sont générés - la foire Loop à Barcelone est un exemple de la façon de travailler avec, et il est maintenant possible de réglementer les formules pour les commercialiser. Et quand tout cela arrive, un autre format numérique émerge pour finir de révolutionner et en même temps emmêler un peu plus le tout. La vérité est que ce sont des moyens conçus - comme la photographie - pour avoir une diffusion massive et on finit par les « plafonner » pour pouvoir les commercialiser. Et c'est que la raison de la faible présence dans les foires a une certaine logique, l'art numérique a plus de chemin dans les formats de diffusion numérique, alors que la corporéité de la peinture, de la sculpture, de la céramique, du dessin et du 'graphique le travail a ses meilleures possibilités dans les foires où la présence physique est l'exigence. Même si nous savons tous que la promotion de la diffusion des « objets d'art » physiques n'a pas cessé de se mettre en ligne sur les réseaux, ainsi que des visites virtuelles basées sur des foires en présentiel.

LA LOGISTIQUE, UN FREIN CERTAIN

Venir à Miami signifiait avoir des vaccins, de la paperasse… et y arriver avec toutes les expositions était déjà un peu difficile car cela vous prédisposait encore à avoir plus de « bureaucratie ». Des problèmes logistiques mondiaux entravent le pèlerinage vers les foires. Cela a amené de nombreuses galeries à réfléchir à deux fois avant de participer à certaines des foires de Miami, la galerie 3 points à Barcelone, un habitué d'Art Miami, cette année il est resté à Barcelone. Et la vérité est que plus d'un exposant a eu la mauvaise surprise d'avoir le stand vide car les œuvres n'étaient pas arrivées (à Sans titre et à Art Basel il y avait deux exemples marquants). Parmi les aventures, celle de la galerie Alarcón-Criado à Séville, qui avec Max Estrella de Madrid, a participé à Sans titre et a sué pour tout avoir sans avoir à souffrir. La paperasse était très lourde, expliquent les galeristes eux-mêmes.

CLASSEMENT : NADA / BASEL ART, SANS TITRE, MIAMI ART / CONTEXT, INK ART FAIR, SCOOPE et PINTA

Clair et rond. La foire que j'ai le plus aimée était NADA , qui avait pour la plupart une section intitulée Printed Matter + Exile Books - imitant la foire Arts Libris. Sa dimension humaine, sa plus disruptive, sa plus fraîche, c'est ce qui m'a séduit ; Ne soyez pas surpris, car en 2018, lorsque le Bombon Project de Barcelone a participé, il y avait déjà une sélection très soignée avec des propositions révolutionnaires et irrévérencieuses… Creative Growth Art Center , un centre d'art et de galerie situé à Oakland, a participé à cette foire qui valorise le travail des personnes ayant d'autres capacités et en fait un accompagnement extraordinaire. L'artiste principal était Judith Scott. En ce sens, des organisations telles que Fundació Estany, Mas Casadevall, Fundació Estímia, Ampans, Fundació Josep Santacreu, SETBA et Fundació Lluís Coromina ont émergé en Catalogne, travaillant dans cette direction, ainsi que la plate-forme de référence dans la région péninsulaire qu'est Debajo chapeau el Madrid. La galerie Edel Assanti de Londres proposait un showroom avec des peintures de Dale Lewis qui ne laissaient personne indifférent au thème de l'homosexualité exprimé sans détour ou aux propositions d' Ex Ovo de Dallas.

D'autre part, Art Basel a eu la participation de deux galeries à Barcelone, Polígrafa -un vétéran du secteur et de la foire- et Mayoral -qui a créé en personne-, ainsi que la galerie mexicaine Labour dirigée par le directeur culturel de Barcelone Luz Masso t. La franchise insulaire et le pays basque Hause & Wirth ne pouvaient pas non plus être manqués. La présence d'auteurs catalans a été menée par les sculptures, bien sûr, de Jaume Plensa dans la galerie Lelong. La Galerie Elvira González à Madrid et d'autres mythiques comme Gagosian ou la Galerie 1900-2000 à Paris, qui a été représentée à plusieurs reprises par l'auteur catalan Xavier Escribà, ont également eu une place prépondérante. Il est clair qu'Art Basel est un paquebot transatlantique majeur, une action marketing et économique de premier plan du gouvernement suisse canalisée par la banque UBS , qui déplace le grand volume de VIP de la semaine ; l'excellence de ses galeries est également indéniable, bien qu'il y ait eu des pertes notables et aussi des sommets surprenants. La foire est spectaculaire, elle a une présence d'espaces d'œuvres de grand format qui se conjuguent avec des espaces « plus petits », celui des galeries où se font essentiellement les ventes brutes et décortiquées ; une section NFT et une section conférence que tout musée d'art contemporain aimerait, ainsi que des magazines d'art de classe mondiale tels que Artforum, Freeze … en distribuant des exemplaires pour le plaisir du public. Le bilan global est que ça s'est bien passé en termes d'audience (60 000 visiteurs, malgré les restrictions de capacité) et de ventes, il semble que les gens aient eu envie de sortir et de dépenser, même si tout le monde était très prudent à cet égard au début du certainement. . Une tendance qui semble s'exporter en 2022, même si la variante omicron la retardera un peu plus dans l'ensemble.

Untitled qui reste sur la plage, à côté de la foire Scoope , est aussi l'une des plus raffinées et avec des propositions plus harmonieuses et conceptuelles. Ce serait à mi-chemin entre Art Basel et NADA. Cette année les ravages de la pandémie ont été visibles avec un plus mesuré et un radicalisme. Les gens veulent vendre parce que l'investissement pour aller à n'importe quelle foire n'est pas bon marché. Parmi les propositions qui ont retenu mon attention se trouvent le stand de la Eden Airlnes Gallery à Richmond (USA) , à l' esprit rebelle et trash avec des peintures de Kevin Sabo et la proposition de Masako Miki avec des sculptures comme sorties d'un manga comic de la CULTE Galerie d' exposition Aimée Friberg. J'ai également été captivé par les photogravures d' Ira Lombardía de la galerie Alarcón-Criado et les sculptures d'arbres en papier de Miler Lagos et le travail numérique de Daniel Canogar Amalgama Phillips de la galerie Marx Estrella à Madrid. La galerie Tern aux Bahamas n'a pas été en reste avec les propositions d' April Bey, Cydne Jasmin Coleby, Kendra Frourup et Anina Major . Et enfin une proposition de design industriel, des chaises de l' Atelier Caracas produites par Studio Boheme sous le titre "Radical Semantic".

L'autre grande foire avec des visiteurs et du potentiel est Art Miami et sa filiale Context . Dans cette édition, l' éclat s'était déplacé vers un second mandat et des propositions moins esthétistes se faisaient jour ; vous avez le sentiment persistant à cette foire et à Scoope qu'il existe des œuvres très similaires à de grands noms que l'on peut voir à Art Basel, mais qui oui, moins chères. Ainsi, entre les œuvres de Basquiat ou de Frida Kahlo et des médias comme Bansky dans le Chase Contemporary, des promesses émergentes et d'autres émergentes se conjuguent.

La foire Scoope , à côté du sable, est une franchise mondiale avec un totum revolutum de propositions bondées dont il y a, de temps en temps, quelques intéressantes. Bien sûr, il a un large public qui ne cesse de remplir une tente où l'on peut attraper froid grâce à la basse température produite par la climatisation ; dominante dans pratiquement toutes les foires d'art, vive l'écologie ! Parmi les résultats se trouve la Fondation Colouring the word , basée à Madrid, qui est une organisation à but non lucratif créée par IAM OKUDA , une union de l'artiste Okuda San Miguel et Ink and Movement , qui contribue à la promotion de la diversité et à l'amélioration de la qualité de vie des personnes et des communautés, en utilisant l'art et la couleur comme instrument de transformation et de changement.

Les deux dernières foires à voir étaient Pinta , très lâche et concentrée sur le marché latino-américain, mais qui avait la présence de la galerie barcelonaise Zielinsky avec un stand plus que digne et qui était peut-être à la mauvaise foire ; et la foire d'art graphique, à l'intérieur d'un hôtel et à côté de la foire Art Basel, INK Art Fair . Ce dernier avait un échantillonnage rigoureux d'œuvres graphiques de premier ordre avec des galeries historiques telles que le Marlborough . Des prix en tout genre, mais montrant que l'œuvre graphique a eu et aura toujours une place prépondérante dans l'histoire de l'art. Tous les grands créateurs ont travaillé cette technique sur papier qui a une poésie et une sensibilité particulières, comme le soulignent année après année les habitants de la Miniprint de Cadaqués.

LES GRANDES MARQUES DE MODE ENTRENT PLEINEMENT DANS L'ART

La relation entre l'Art et la mode, quand chez certains designers le support textile est prétexte à générer leurs créations artistiques, est présente depuis des décennies. Par ailleurs, le phénomène d'approche et de « saisie » de l'art contemporain par les grandes marques de luxe pour donner plus de créativité et de valeur ajoutée à leurs collections, boutiques… est un fait indéniable depuis des décennies. Mais celle-ci est de plus en plus présente, car son pouvoir de parrainage des créateurs et des grands événements est une source de revenus essentielle pour l'écosystème artistique et créatif souvent faible. A Miami, où cela se voit le plus, c'est dans le Design District , un quartier où toutes les grandes franchises de luxe - le magasin Loewe nouvellement ouvert se distinguait par une impressionnante fresque de Sol Lewitt , qui n'avait rien à envier au Caixafòrum Barcelona - se confondent avec Art et cohabitent avec des espaces artistiques tels que le Miami Institute of Contemporary Art (ICA) , la De la Cruz Collection ou les galeries Lelong avec une exposition collective avec une œuvre de Jaume Plensa, l' Opera Gallery avec une mini-rétrospective de Keitg Haring espatarrant ou la Goodman Gallery avec des dessins et des sculptures de William Kentridge .

En parlant d'art urbain, deux sculptures géantes de feu Virgil Ablo h se sont démarquées, une installation inspirée des échecs pour la collection printemps/été de Louis Vuitton , ainsi que les sculptures soft et pop art du Studio Proba + Enjoy the weather intitulée Tomorrow Land et qui étaient dispersés sur de nombreuses places du quartier. Pendant ces semaines, l'artiste urbain barcelonais Xupet Negre a exposé des œuvres dans une galerie privée à Miami Beach et en a profité pour réaliser une grande fresque urbaine dans la zone proche du District, où il en a déjà d'autres.

L'autre grand événement dans l'espace public était celui parrainé par Saint Laurent by the beach à Miami Beach et intitulé 55 sunrise. Un bâtiment de petit format installé comme un espace d'art a servi à envelopper la proposition de l'artiste japonais Sho Shibuya, qui a voulu ajouter de la couleur à l'actualité sur les couvertures du New York Times , sous la direction d'Anthony Vaccarello. Le journal a servi de toile pour des peintures inspirées de la naissance du jour. Shibuya a lancé ce projet, intitulé Sunrises from a Small Window , afin de documenter sa vie pendant le confinement du coronavirus. Comme son nom l'indique, l'artiste s'inspire de la vision qu'il avait de son appartement new-yorkais pour peindre des interprétations abstraites du lever du soleil. Ainsi, l'artiste peint des bleus charmants, des roses chauds et des jaunes ensoleillés sur des titres, des photographies et des notes. En conséquence, ces belles compositions capturent un moment unique et sont une façon alternative de soutenir ce qui apparaît dans l'actualité. Voir ces œuvres, au coucher du soleil ou au coucher du soleil sur la plage, avait son charme et sa poétique, documentés par un catalogue-objet-journal impeccable.

CONCLUSION

Les conclusions pourraient dire peu à peu : l'envie du monde et du secteur culturel, qui a beaucoup souffert et souffre encore, de revenir en arrière et de mettre un point de beauté et de réflexion critique dans notre monde. Que les foires n'ont pas encore disparu, bien qu'elles se soient réinventées et, comme c'est le cas dans les affaires, soit il y a des grands groupes (Art Basel) soit des petits opérateurs (NOTHING) qui ont une esthétique spécifique et un marché et un discours de niche et de niche. La durabilité à tous égards a un poids plus décisif que jamais, tout comme les discours sur l'égalité des sexes et l'égalité raciale. L'art sera social ou il ne pourra pas être utilisé comme slogan mais pas seulement parce que l'art survit à lui-même sans porter d'emblème ni d'étiquette. Malgré ce qui est clair, c'est que nous avons plusieurs pandémies mondiales parallèles telles que le sida, les décès dus à la pollution, les accidents de la circulation, le suicide, la malnutrition ou la guerre, la plus importante étant le covid, qui nous dit que le climat d'urgence est venu pour rester si nous le faisons rien pour l'inverser et c'est peut-être le défi le plus important de notre espèce. Le « nœud » de la question n'est pas que la planète disparaisse, mais que nous disparaissions en tant qu'instant dans l'univers. Dans cette lutte pour inverser cette tendance, l'art et la culture - en tant que noyau essentiel de la société - ont le devoir de la rendre visible et d'essayer de la changer. Cette réalité et ce changement de paradigme a ou devrait avoir l'art comme principal allié.

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